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Figura destacada del movimiento minimal, el artista de origen británico, William Tucker, expone por primera vez en solitario en España una amplia representación de su obra. La selección ha corrido a cargo de un experto en estas lides, el catedrático Kosme Barañano, comisario de la muestra compuesta por más de cien piezas realizadas entre los años ochenta y principios del dos mil, que permiten al visitante comprender el proceso creativo de su obra, gracias a las maquetas y dibujos que se exhiben entre las esculturas.
Alguna de estas piezas, que a simple vista pueden parecer abstractas, en realidad son un regreso a la escultura figurativa, solo que a simple vista no se aprecia: es necesario que el espectador gire en torno a ellas, que las observe detenidamente para darse cuenta de que se trata de una interpretación que ha simplificado el concepto que representa. Según afirma el comisario en el catálogo «son masas primordiales al borde de la figuración, como grandes meteoritos caídos sobre la tierra».
Inspirado por Auguste Rodin o Medardo Rosso, a quienes dice admirar, reproduce temas clásicos de la historia y de la mitología y los reinterpreta dejando el protagonismo a la materia… y de ahí el título de la exposición de Bilbao: Tucker. Masa y figura. Del primero elogia que «era un artesano, que sabía cómo hacer sus propias esculturas. No era como la gente actual que tiene una idea y le pide a alguien que se la haga».
En sus inicios, allá por los años setenta, el artista dio preferencia a lo abstracto sobre lo orgánico mediante el uso de nuevos materiales, como el plástico. Sin embargo, a comienzos de los ochenta, vuelve a la escultura figurativa dando una interpretación simplificada. Estas son las obras que Barañano ha elegido para mostrar la forma de trabajar de Tucker: 24 obras de tamaño grande y mediano, 24 maquetas y 57 dibujos; con ello, el visitante podrá comprender cómo se ha abordado el modelado y cómo ha hecho para extraer la esencia de la materia, la fuerza vital de la masa.
Se podrá ver, por ejemplo, la maqueta de Maia, un torso femenino se brota de la tierra, cuyo original está colocado en el Paseo Abandoibarra de Bilbao, y que sugiere, como Demeter o Eve, la primitiva idea de la fecundidad.
Representando el tema de las cabezas, Homage to Rodin, Emperor o The Hero at Evening. También se hayan presentes otras cuatro cabezas denominadas Our Leader, Good Soldier, Persecutor o Sleeping Musician, o varias cabezas de caballo, denominadas simplemente Horses.
Entre las reinterpretaciones de otras obras clásicas, se han traído Night, revisión de La Noche de Miguel Ángel en la Capilla Medici, The Void, de las Manos sosteniendo el vacío de Giacometti o Chimera, inspirada en un yeso de Brancusi. Tethys, Kronos y Rhea son tres masas que representan las fuerzas telúricas y que, mediante el recurso a sus nombres míticos, Tucker consigue recrear unas fuerzas primarias antes de ser caracterizadas con sus atributos.
A lo largo de la exposición el espectador puede hacerse idea de la forma de trabajo del artista, especialmente gracias a las maquetas y a los dibujos que utiliza para ensayar y perfeccionar la obra escultórica. El autor modela en yeso o arcilla piezas que parecen inacabadas y que el espectador ha de descubrir tras una atenta observación. Barañano comenta, acerca de estos dibujos, que la distancia y la perspectiva desde la que se ven determina lo que el observador capta: «Si se aleja, puede ver manos, torsos y cabezas, pero si se acerca al dibujo, solo contempla una serie de líneas abstractas, aparentemente sin sentido».
Ha conseguido que, lo que en un primer vistazo podría parecer un simple pedazo de material inerte, mediante una reinterpretación primitiva, se conviertan en fragmentos de formas que emiten una verdadera fuerza vital… ahí están sus torsos, manos, pies o cabezas para demostrarlo.
Tucker. Masa y Figura
Del 9 de junio al 14 de septiembre de 2015
Sala BBK
- William Tucker: Biografía, Obras y Exposiciones - - Página principal: Alejandra de Argos -
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- Escrito por Ángeles Blanco
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Blanca Muñoz, la escultora que moldea el rígido acero inoxidable como si de arcilla se tratase, vuelve a la Galería Marlborough para exhibir algunas de sus obras más recientes. La pieza principal, Tornasol, una escultura monumental que da título a la exposición, está acompañada por otras obras de menor tamaño, pero no menos sugerentes. El proceso que este trabajo en acero inoxidable exige es complejo y costoso: el material laminado y lacado se consigue en el Reino Unido, se perfora en España y se monta en su taller de Rumanía. Por ello agradece el soporte económico de la Fundación BBVA, con su Ayuda a Investigadores y Creadores Culturales, que ha hecho posible la creación de una obra de tal magnitud.
Y es que lo que en su origen eran varillas rectas y chapas planas de acero inoxidable perforadas, la escultora madrileña consigue transformarlas con un acabado impecable pese a la dificultad que encierra el trabajo con este material, consiguiendo el fin que persigue: explorar la transformación de la materia. Esto se ve perfectamente en piezas como Revoltosa, Escarlata o Tabú, en las que la versatilidad se logra gracias a la luz que reciben y las sombras que proyectan que, dependiendo de cómo y dónde se coloquen, hacen que la obra cambie completamente. Es aquí donde toma sentido la elección del término que da título a la exposición y que indica el reflejo que la luz hace en algunas telas o superficies muy tersas.
La obra de Blanca Muñoz siempre se ha inclinado hacia la escultura, incluso cuando en sus comienzos se dedicaba al grabado (consiguió Premio Nacional de Grabado en 1999), pero se fue enriqueciendo con las influencias recibidas en los países en los que estuvo viviendo (Roma, México y Reino Unido), y con las técnicas y las diferentes escalas con las que ha trabajado: tan pronto realiza joyas como esculturas monumentales de arte urbano. Fue durante su estancia en México, tras dos años en Roma como becaria, cuando, debido al cambio de latitud, se modifica su percepción de la sombra y en sus esculturas empieza a interesarse por la orientación del sol, fundamental para determinar la posición de los objetos en el espacio, lo que le hizo evolucionar desde la gráfica plana a la escultura.
Obras como Atrapada, Enlazada o Flamenca parecen líneas trazadas en el aire que definen, por medio de las sombras que se crean al incidir la luz sobre ellas, la unión entre la materia y la nada.
Áurea (I-II) y Albina (I–II) muestran una nueva línea de trabajo combinando varillas de acero inoxidable con cerámica, que recuerdan a las primeras esculturas surgidas de su trabajo en el grabado.
La artista consigue crear volúmenes cambiantes que no dejan a nadie indiferente, dotando de movimiento el frío acero. Por medio del troquelado de las planchas y del uso de colores que, debido a su rareza, debe encargar en el Reino Unido, consigue el efecto mágico que ella misma explica: «Al observar una escultura de chapa perforada en color a gran escala se genera un puntillismo dinámico, un objeto estático que parece moverse, un volumen que se transforma cuando el espectador lo rodea y que continuamente cambia con la incidencia de la luz».
Sus formas deben ser vistas en movimiento, desde distintos ángulos, pues lo que ella intenta transmitir es el sentimiento de unidad del ser humano con la naturaleza y que nuestra posición está determinada por los astros: lo que puede parecer una vuelta al pensamiento primitivo, se trata en realidad de una reflexión muy evolucionada.
Blanca Muñoz. Tornasol. Sala Marlborough. Del 26 de marzo al 30 de abril
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- Escrito por Ángeles Blanco
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Ella misma, una cámara fotográfica y algo de atrezo es la materia prima que Cindy Sherman ha necesitado para añadir su nombre al elenco de los grandes fotógrafos de la segunda mitad del siglo XX, aunque ella, más que fotógrafa, se considere una artista visual que utiliza la fotografía.
El mérito de esta artista no ha sido solo captar una imagen más o menos impactante u original con su cámara, sino utilizarse a sí misma en sus representaciones y ser capaz de materializar el mensaje que quería transmitir.
Nacida en Nueva Jersey en 1954, Cyntia Morris Sherman no manifestó su vocación artística hasta que llegó a la Universidad de Buffalo. Allí comenzó pintando, pero pronto se dio cuenta de que no era lo suyo; de la pintura reconoce: «... no había nada más que decir. Estaba meticulosamente copiando otro arte y entonces me di cuenta de que sólo podía usar la cámara y desarrollar mis ideas con ella». Y ciertamente, fue en la fotografía donde encontró su medio de expresión, llegando a convertirse en una de las fotógrafas más relevantes.
Las imágenes de sus comienzos, quizá las más representativas de su obra, pronto llamaron la atención del público. Entre 1977 y 1980 realiza la serie Untitled Film Stills en la que se retrata a sí misma adoptando multitud de clichés femeninos típicos de la sociedad machista (prostituta, ama de casa, drogadicta, despechada, bailarina). Sus imágenes, realizadas en blanco y negro, se asemejan a fotogramas de películas de los años 40-50. Al verlas, no es posible dejar de recordar a Hitchcock, Visconti o Truffaut, de pensar en lo familiares que resultan, si no estarán sacadas de algún filme de cine negro o del hiperrealismo italiano. Desde un principio, no ha querido dar título a sus obras, que son conocidas por su número de inventario… es el espectador a quien corresponde atribuir un significado a la imagen.
La artista no duda en recurrir al artificio, en la expresión y en la preparación, para narrar una historia valiéndose de una sola imagen, para incitar a la imaginación a que invente la historia que hay detrás. Y, al parecer, todo comenzó por la afición a disfrazarse que tenía desde que era niña; reconoce que no sabe si por aburrimiento, como terapia o por su fascinación por el maquillaje. El caso es que comenzó jugando con disfraces y maquillaje en la intimidad de su casa, pero, alentada por Robert Longo, a quien conoció en la universidad, se decidió a inmortalizar sus “performances” ante la cámara.
Sin considerar que su trabajo sea feminista, en todas las series que ha realizado a los largo de sus casi 40 años de trabajo ha explorado los innumerables estereotipos de la mujer. Con el inicio de la década de los 80 quiso llamar la atención hacia su utilización como símbolo sexual que fomentan las revistas y la televisión, y realizó la serie Centerfolds, representándose como las modelos de los desplegables en las revistas masculinas.
Todos sus trabajos esconden un mensaje, aunque tenga que recurrir a imágenes que son como un puñetazo en el estómago… Disasters, Fairy Tales y Disgust pictures son trabajos en los que, por medio de lo abyecto, representando vísceras, vómitos, mutaciones y personajes de terror, alerta del cambio que está sufriendo la sociedad, cayendo en un consumismo feroz.
En History Portraits vuelve al autorretrato, pero esta vez en color y recreando pinturas renacentistas y barrocas, representando personajes femeninos y masculinos, o personajes mediáticos del momento. Su intención es desmitificar las personalidades que la sociedad se empeña en ensalzar, ya sea en forma de obras maestras o de estrellas de televisión.
Sherman aparece en la mayoría de sus obras porque le gusta trabajar sola y hacer todo por sí misma, a lo que se une que contratar modelos puede ser una ardua tarea… lo intentó una vez y no le gustó la experiencia. Ella afirma que es por la libertad que supone trabajar sola, pero quizá sea también por timidez: disfrazarse puede resultar muy liberador y, aunque preste su imagen, su intención no es dejar su esencia, por eso deshecha las imágenes cuando se parecen demasiado a ella. Ha experimentado también con naturalezas muertas en las que no se muestra, pero carecen de la fuerza de sus demás trabajos. Y lo cierto es que los coleccionistas que quieren una obra de Sherman, la quieren con ella y pueden llegar a pagar sumas exorbitantes: su Untitled #96 se subastó en 2011 en Christies de Nueva York por casi cuatro millones de dólares.
La mujer de las mil identidades se ve a sí misma como un lienzo en blanco en el que plasmar diferentes iconografías de mujer y el resultado es, en palabras de Eva Respini, la conservadora que organizó la retrospectiva en el MoMA en 2013, «una enciclopedia de estereotipos femeninos». Sus fotografías no son autobiográficas pero, en ocasiones, por medio de la artificiosidad, parecen plasmar la cruda realidad.
Sin embargo, a medida que su trabajo va evolucionando, Sherman se va sustituyendo e incorpora poco a poco prótesis como las utilizadas por los estudiantes de medicina. Cuando realiza la serie Sex Pictures ya no queda nada de sí misma y las figuras aparecen retorcidas, mutiladas, rezumando líquidos y, aunque el espectador sabe que se trata de maniquíes, deja una desazón difícil de digerir, logrando su objetivo que no es otro que denunciar la violencia física contra la mujer.
Con el cambio de siglo, empieza a recurrir al tratamiento digital de las imágenes, lo que le permite crear escenas cromáticamente chillonas y montajes de numerosos caracteres, como en la serie Clowns, donde no queda muy claro si se trata de una parodia de sí misma. Enmarcada en opulentos escenarios, los personajes que encarna en sus Society Portraits sin título no representan personas reales, sin embargo, la artista las ha hecho parecer familiares en su lucha contra los estándares de belleza que predominan en nuestra sociedad obsesionada por la juventud y la belleza.
Cindy Sherman, una de las figuras más influyentes del arte contemporáneo para algunos, también ha sido tachada de egocéntrica o cursi, y de su trabajo hay quien dice que es una tomadura de pelo, pero para otros rezuma empatía. Solo hay que ver que en la mayoría de sus retratos mantiene la mirada del espectador parta darse cuenta de la sinceridad de su representación ¿o será un desafío? La respuesta emocional que a cada uno inspire, tendrá la última palabra.
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- Escrito por Elena Cué
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Autor: Elena Cué
"No Comment" es el nombre con el que el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (CAC) inaugura la exposición del artista de origen chino Yan Pei Ming.
Yan Pei Ming (Shanghai-1960) creció durante La Gran Revolución Cultural Proletaria maoísta y trabajo como artista al servicio del régimen. Posteriormente formó parte del primer grupo de artistas en abandonar China en 1980. Con grandes expectativas llegó a Francia para estudiar Bellas Artes, diplomandose en esta materia en Dijon, Paris y Roma. Este cambio geográfico, cultural y artístico ha influido de manera decisiva en su trabajo.
La obra de Yan Pei Ming destaca por su paleta reducida a la rotundidad del rojo, blanco y negro y por una pincelada de trazo violento y preciso que nos dirige hacia su particular universo. Su obra gira principalmente en torno al retrato, un genero artístico que él interpreta enfatizando la carga psicológica que muestran sus icónicos personajes. Cuando entras en el estudio parisino de este artista franco-chino tienes simultáneamente la sensación, no solo de viajar a través de la historia de la pintura occidental, sino también, de reconocer algunos vestigios de la época en la que estuvo al servicio del régimen de Mao. En suma: Yan Pei Ming es quizá uno de los mejores ejemplos de lo que significa ser hoy artista en un mundo globalizado, donde el ser humano se enfrenta de una manera especialmente dramática a la experiencia de la soledad y de la muerte.
Creció en China en plena Revolución Cultural hasta que con 20 años se traslada a vivir a Francia. Estudió durante cinco años en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de Dijon. ¿Cómo fué el proceso de evolución pictórica desde la restricción de un arte propagandístico al servicio del régimen a la libertad absoluta?
En aquella época, en China, la influencia en la pintura era la del academicismo procedente de la Unión Soviética. Era una pintura propagandística al servicio del régimen de esa época. Los cinco años que pasé en la École Nationale Supérieure d’Art de Dijon fueron unos años de total libertad para mí. A partir de ese momento, logré fusionar lo que aprendí de la pintura propagandística con una visión muy personal del mundo de hoy en día. Mi libertad de expresión es muy pronunciada en mi trabajo actual.
¿Cómo vivió el choque cultural de Oriente a Occidente, de un régimen comunista a la Francia socialista de Mitterrand?
Efectivamente, pasé de un universo al otro. En Francia se destacaba la individualidad. Pero para mí, la política de François Mitterrand era, sin duda, socialista, pero liberal.
Fué becado por la Academia Francesa (Villa Médicis) en Roma en 1993 ¿Qué impresión le causó Italia, cómo fué esta experiencia?
Mi experiencia como huésped en la Villa Médicis en Roma fue única. Viví un año maravilloso. Estaba como en el paraíso, siguiendo los pasos de todos los grandes pintores que han pasado por esa ciudad. Esos maestros antiguos me ayudan a entender el arte del pasado y me abren el camino hacia el arte que hay que hacer hoy en día. Para mí fue una experiencia inolvidable.
¿Qué recuerdos tiene de su infancia?
Mi infancia fue dichosa y solitaria. Desde mi más tierna infancia, estaba en mi propio universo. Siempre soñé con ser pintor porque puedo expresarme sin palabras. Es una fuerza.
Ha pintado numerosas veces a su padre, también muerto. Hableme por favor de él.
Siempre he hecho retratos de mi padre, tanto en China como en Francia. Le he retratado en varios periodos de su vida, a distintas edades. Mi forma de verle ha evolucionado a lo largo de los años. Además, en los títulos de estos retratos hay a menudo cualidades y defectos que le he podido encontrar. Es verdad que la forma en que un niño ve a su padre no es la misma que la forma en que un adulto ve a un progenitor de más edad. Creo que mis retratos de él ponen eso de manifiesto.
Ha retratado en numerosas ocasiones a Mao Tse-Tung. ¿Qué significa y quién es Mao para usted?
Mao está presente en mi trabajo desde que era niño. Era la imagen más reproducida y más extendida en China. Eso me marcó. También recuerdo que mi primera lección en la escuela tenía este título: ¡Viva el presidente Mao! Es un personaje mítico.
En 2009 con su exposición "Los funerales de Mona Lisa" se convirtió en el primer artista chino en exponer en el Museo del Louvre. Un monumental retrato de la Gioconda era acompañado por cuatro lienzos: dos autorretratos representados por calaveras a partir del escaner de su craneo, un retrato de su padre muerto y un autorretrato en el que finge estar muriendo rematan esta exhibicion. ¿Por qué llora la Mona Lisa? ¿Puede explicar esta particular perspectiva?
Es una obra que hice en 2009 para el Museo del Louvre a raíz de la invitación de Henri Loyrette, el presidente-director del museo por aquel entonces. Ese políptico se llama Les Funérailles de Monna Lisa [El funeral de Mona Lisa]. Reinterpreté el retrato de Leonardo da Vinci: Mona Lisa llorando delante de su propio funeral y delante de los espectadores. Mi gesto es parecido al de Marcel Duchamp cuando le añadió unos bigotes.
Su inquietud existencial empieza a muy temprana edad. La continua presencia de la muerte en su pensamiento es incesantemente representada en su obra. ¿La idea de la muerte le hace reafirmar la vida?
En mi obra aparecen muchos estados emocionales: mis angustias, mis dolores, mis incertidumbres. La presencia de la muerte en ella también es importante. Y también, por supuesto, la energía y la vida. No necesito hacer algo decorativo o meloso. La pintura no es una caricia.
¿Qué le angustia más sobre la muerte?
Cuando pienso en la muerte, me rebelo. A partir de ahí, trabajo aún más para llenar la vida. No tengo miedo de morir. Tengo miedo de no vivir más.
Pinturas icónicas de la historia del arte, celebridades, sus autorretaratos o la representación de su padre. ¿Cree que es una forma de transcender?
Me intereso por todo, tanto por la historia del arte como por los personajes históricos y los anónimos. La construcción de la Historia y los temas sociopolíticos me interesan mucho. Componen nuestro mundo y también mi pintura.
La mayor parte de su obra es retratista, principalmente personalidades, políticos o celebridades en gesto rígido y solemne unas veces, amable y complaciente en otras. ¿En qué medida el retrato tiene relación con el paso del tiempo como en Rembrandt? ¿Le ha influido el pintor holandés?
Tiene razón. Rembrandt es un maestro del retrato y, sobre todo, del autorretrato. Es un artista importante para mí. No es el único. También hay pintores franceses, italianos y españoles como Goya, El Greco, Velázquez y Picasso.
La fuerza expresiva y violenta de su gesto pictórico, unida a las considerables dimensiones de los lienzos y el dramatismo de la reducción de la paleta de colores al blanco y negro o blanco y rojo, enfatiza la carga psicológica que transmiten los retratados. ¿Qué es lo que más le interesa extraer del personaje?
Para mí, la persona es la esencia de la humanidad. El retrato permite mostrar a la persona y mostrar su época.
Ha declarado en una ocasión "Lo que me interesa de una persona son sus actitudes, sus miedos y sus vidas, que a menudo son trágicas". ¿El objetivo es sentirse menos solo frente a sus miedos y a su existencia?
Quisiera que el mundo comparta mis angustias, mis temores.
En su serie sobre asesinos, gente que arrebata arbitrariamente la vida. ¿Qué le lleva a interesarse por ellos?
Los animales siempre han luchado por existir. Creo que pasa lo mismo con el hombre. Los conflictos, las guerras y las injusticias son propios del hombre.
¿Cómo artista, dónde encuentra la belleza?
Para mí, la belleza se encuentra en la pintura.
¿Dónde cree que reside la fuerza del arte?
Yo hablaría de fuerza de la pintura.
Ha tenido interes por Goya como se pone en evidencia en su reinterpretación de Los fusilamientos del tres de Mayo o por Picasso al que ha retratado.¿Ha estado en el Museo del Prado? ¿Qué piensa de nuestros maestros españoles?
He visitado varias veces el Museo del Prado. Me ha impresionado cada vez. Cuando estaba en la escuela de arte en Dijon, me marcó mucho uno de mis profesores: Jaume Xifrá. Era catalán y me habló mucho de los pintores españoles.
Filosofia y pintura. ¿Un mismo discurso en el tiempo?
Para mí, el tiempo da la verdad a cada cosa.
¿Cree que hay una línea divisoria o al menos alguna diferencia entre los artistas chinos que después de la Revolución Cultural salieron de China y los que se quedaron?
Hay diferencias entre los artistas que se marcharon y los que se quedaron. Sin duda. El entorno y el modo de vida son diferentes y, por tanto, el trabajo también. Por lo que a mí respecta, yo diría que hoy en día soy un artista nómada, sin frontera. Soy un artista a secas.
Su obra habla de guerra y paz, dinero y globalización, capitalismo y comunismo con la muerte de fondo. ¿Es esta su visión del mundo?
Mi visión del mundo es relativamente pesimista. No creo en la paz. Desde que el hombre existe, la guerra existe y perdura. Me da la impresión de que el hombre luchará hasta la destrucción del mundo.
- Entrevista a Yan Pei Ming - - Página principal: Alejandra de Argos -
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- Escrito por Kosme de Barañano
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Autor Colaborador: Kosme de Barañano, |
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James Cameron, el cineasta cuyos créditos incluyen Avatar y Titanic presentó en colaboración con el American Museum of Natural History de Nueva York, su visión de las profundidades marinas, Deep sea Challenger (se puede seguir en la web http://www.deepseachallenge.com/ ). Cameron se había sumergido en un mini submarino de 7.3 metros, de su propio diseño, en el fondo marino más profundo del planeta, que se hunde en las aguas oscuras del Pacífico occidental a una profundidad de cerca de siete millas, el Challenger Deep. La National Geographic Society ha ayudado a patrocinar la expedición, la primera en 52 años para descender a tanta profundidad. El vehículo es un sumergible de juguete que estuvo aparcado delante del Museo como un objeto a contemplar, más interesante que las Aspiradoras de Jeff Koons en el Whitney. Cameron nos hace partícipes de su exploración del fondo marino oscuro durante seis horas, filmando y tomando fotografías así como muestras de la fauna abisal, antes de regresar a los reinos de sol. Cameron, de 57 años, ha practicado yoga para entrenarse a aguantar nueve horas manteniendo las rodillas flexionadas y el cuerpo prácticamente inmóviles. La zambullida de Cameron llega un cuarto de siglo después de que comenzara The Abyss (1989), la primera de sus películas para mostrar una fascinación por las profundidades del mar.
Otra muestra del interés visual y sonoro del mundo de los océanos estuvo presente en la instalación DIVE dentro del túnel de Park Avenue, (de 7 a 1 de la mañana los días 2, 9 y 16 de agosto del 2014), un túnel que recorre siete bloques, de la calle 33 a la calle 40. Estuvo cerrado al tráfico esos tres sábados de agosto y abierto a los peatones interesados por una experiencia artística de la cineasta y documentalista Jane Winderen. La instalación fue patrocinada por Summer Streets, la celebración anual de los más valiosos espacios públicos de la ciudad de Nueva York. Summer Streets proporciona el espacio para la recreación artística y anima a los ciudadanos a usar formas más sostenibles de transporte; en 2013, más de 300.000 personas se aprovecharon de las calles abiertas.
Winderen realizó una larga instalación sonora inmersiva dentro del túnel. Se trata de un paisaje sonoro utilizando sonidos grabados en entornos submarinos superficiales y profundos de muchos mares, de Groenlandia hasta Tailandia. Está diseñada a partir de las grabaciones de los sonidos emitidos por los crustáceos, peces y mamíferos que el oído humano no detecta, pero son capturados por aparatos especiales. "Estoy fascinada por un territorio desconocido", dijo la documentalista en una entrevista. "No se sabe mucho acerca de la comunicación en general, el sonido en los océanos entre los peces, o cómo los habitantes de los océanos se orientan con el sonido." Winderen investiga las profundidades ocultas con la última tecnología; su trabajo revela la complejidad y la extrañeza del mundo invisible debajo. La topografía de audio de los océanos y la profundidad de las grietas de hielo es presentada a la superficie. Ella se ocupa de encontrar y revelar sonidos de fuentes ocultas, tanto inaudible para los sentidos humanos y sonidos de los lugares y criaturas de difícil acceso.
Winderen es una cineasta noruega, formada en Bellas Artes en el Goldsmiths College de Londres, y con una formación en matemáticas, química y ecología de los peces de la Universidad de Oslo. Con la ayuda del catedrático Tony Myatt, que diseñó y programó el sistema de audio para reproducir la obra en sonido espacial 3D, Winderen crea un ambiente animado por la producción de bolsas de sonido de diferentes hábitats, que es lo que el público va a experimentar, mientras anda y bucea más en el túnel. A través del uso de la iluminación azul marino y los sonidos de diferentes criaturas submarinas, la instalación tenía como objetivo crear la sensación de inmersión en el océano.
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- Escrito por Ángeles Blanco
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Escultura, fotografía, dibujo, vídeo y su propio cuerpo son los medios que utiliza para expresarse este artista, que vive y trabaja en Nueva York y cuyo trabajo genera opiniones para todos los gustos: algunos dicen de él que solo busca impresionar, mientras que otros aprecian el complejo significado de sus obras y la riqueza de sus exposiciones.
Imagen: Matthew Barney, disponible en http://basilicasoundscape.com/
En la infinidad de exposiciones que ha realizado por todo el mundo, despliega todo el arsenal de medios con los que se expresa y que acompañan a los largometrajes que él mismo protagoniza, acompañado en muchas ocasiones por personajes de lo más variado: Aimee Mullins (atleta paraolímpica), Richard Serra (arquitecto), Norman Mailer (escritor), Peter D. Badalamenti o Ursula Andress (actores).
Matthew Barney nació en San Francisco (California) en 1967, pero pronto su familia se trasladó a Boise (Idaho) donde vivió hasta que fue a la universidad. Cuando tenía doce años, sus padres se divorciaron y su madre, la pintora Marsha Gibney, se trasladó a Nueva York, donde se especializó en abstracción biomórfica. Él mismo reconoce: «Fui consciente, gracias a ella, de que el arte puede ser un camino viable. Y no fue tanto por las pinturas reales como por los libros que tenía siempre alrededor sobre arte de composiciones corporales de los años sesenta. Era el cuerpo lo que me fascinaba - en el deporte y en el arte - los límites, las posibilidades del cuerpo. Me di cuenta muy pronto de que yo podría traer elementos de la fisicidad del deporte a mi trabajo».
Imagen (izquierda): Drawing Restraint 2, disponible en http://entrelacs.revues.org/
Imagen (derecha): Drawing Restraint 5, disponible en http://en.daringtodo.com/
Permaneció en Idaho con su padre hasta que en 1985 ingresó en Yale para estudiar cirugía plástica, y allí formó parte de los equipos de lucha y fútbol americano; sin embargo, tras dos semestres, cambió la Medicina por las Bellas Artes. Este interés por el cuerpo humano y el deporte marcarán toda su carrera artística. Durante un tiempo, trabajó como modelo para financiar sus primeras obras y, gracias al reconocimiento de sus compañeros, la facultad le dejó participar en el programa de arte restringido solo a los alumnos graduados con honores.
Imagen (derecha): Catacea, 2006, disponible en http://www.theartblog.org/
En sus frecuentes visitas a su madre en Nueva York pudo entrar en contacto con el arte escénico, que empezaría a desarrollar desde el principio de su trayectoria: su tesis en Yale fue un vídeo llamado Field Dressing, en el que se ven las semillas que más tarde germinarían en el ciclo Cremaster.
Desde 1987, aún en la universidad, hasta el presente, trabaja en Drawing Restraint, una larga serie de obras que abarcan distintas disciplinas y cuyo hilo conductor es un modelo atlético de desarrollo en el que el crecimiento se produce solo a partir de la moderación: el músculo encuentra resistencia, se sobrecarga y, al curarse, se hace más fuerte.
Su interés por los límites de la resistencia, pueden tener su origen en la atracción por el escapista Houdini, una de sus obsesiones de niño, que en el ciclo Cremaster utilizará como símbolo de la transformación y la metamorfosis; él mismo reconoce: «Houdini se ha convertido en algo más para mí; creo que la referencia al principio tenía que ver con el concepto de ser sometido a resistencia, una resistencia autoimpuesta con un potencial creativo». Y es que a Barney le gusta estudiar las limitaciones físicas del cuerpo y explorar en vivo ante el público de forma multimediática. En sus primeras exposiciones, incluyó vídeos de sí mismo interactuando con distintos objetos, en ocasiones llevando a cabo notables esfuerzos físicos, incorporando escenarios complejos e imágenes de significados contrapuestos.
Drawing Restraint 9, en 2005, fue un proyecto de mayor envergadura: un largometraje, cuya banda sonora corresponde a Björk (su pareja durante varios años y madre de su hija), esculturas de gran tamaño, fotografías y dibujos, todo girando en torno al sintoísmo, la ceremonia del té y la caza de ballenas.
En la serie número 19 de Drawing Restraint, emplea un monopatín como instrumento de dibujo, con un trozo de grafito acoplado en el frente, un patinador traza líneas a medida que se mueve sobre una superficie lisa. La pieza formó parte de una exposición benéfica en 2013 para un parque de patinaje en Detroit.
Sin duda, es el ciclo Cremaster, compendio de videoarte y escultura exhibido entre 1994 y 2002, por lo que más se conoce a Matthew Barney. Se trata de cinco largometrajes que versan sobre la exploración de la identidad masculina y en los que se intuye un poso autobiográfico mezclado con lo mitológico. Las cinco partes, sin un orden concreto, se han ido desarrollando cinematográficamente, mediante fotografías, dibujos, esculturas e instalaciones realizadas para cada episodio. Por estos dibujos, vídeos y fotografías fue galardonado con el Premio Europa 2000 en la 45ª Bienal de Venecia de 1993.
En cada uno de ellos examina el proceso de creación y se vale del vídeo para perfeccionar la escultura mediante la evaluación de posición, iluminación, tamaño y forma, consiguiendo una estética surrealista plagada de sátiros, hadas y personajes fantásticos en escenarios barrocos e inverosímiles. En sus películas, no busca la identificación del espectador, sino impactar con sus imágenes, por eso huye de narraciones lineales y personajes corrientes. «Hay un intento consciente de equilibrar material autobiográfico contra el mitológico, y el material más intuitivo y abstracto – confiesa el propio autor. Y añade – No se trata tanto de crear el retrato de un individuo, sino más bien un complejo, un sistema que describa una forma individual. Algo como construir un elaborado espejo a lo largo de diez años, y entonces llegar al espejo y sorprenderse de ver el propio reflejo».
Su punto de partida es el músculo cremáster masculino, que sostiene los testículos y controla las contracciones testiculares en respuesta a los estímulos. Una vez más, enlaza los temas que predominan en su obra: la anatomía masculina, el cuerpo y el deporte para crear exposiciones en las que presenta espectaculares montajes con esculturas y dibujos que acompañan a los largometrajes. Aunque organizada en un principio por el Museo Guggenheim de Nueva York, es el Centro de Arte Walker la institución que conserva el ciclo completo por el que el artista ha ganado varios premios. Matthew Barney concibe cada proyecto como un todo que pierde su esencia si se separa, por eso aclara: «Para mí, es fundamental que todas estas formas se unan como una sola pieza, y el museo es el lugar en el que eso puede suceder. Diferentes aspectos, probablemente más fácilmente los aspectos de imágenes en movimiento, pueden viajar más allá de las paredes del museo y, en mi opinión, cuanto más lejos, mejor. Pero por el momento, creo que el museo es el lugar donde hacer el todo más claro».
De estos largometrajes se ha dicho que son arcanos, herméticos y solipsistas y, sin embargo, proporcionan algunas de las imágenes experimentales más enigmáticamente hermosas que jamás se podrán ver.
River of fundament, largometraje estrenado en 2014 en Europa y fruto de la colaboración con el compositor Jonathan Bepler durante siete años, es su obra más reciente. Concebido como una ópera en tres actos, durante las cinco horas y media que dura, narra una historia de regeneración y renacimiento que se inspira libremente en la novela de Norman Mailer, Ancient Evenings (1983). En la película, Barney recrea la muerte y reencarnación de dos personajes principales: el propio Norman Mailer y un automóvil antropomórfico. El objetivo aparente es conseguir que Mailer alcance un lugar entre los ascendentes de las Grandes Letras Americanas mientras es perseguido por el espíritu de Hemingway.
El artista explora aspectos como la voluntad y el deseo de transformación del protagonista y coloca la acción en REN (Los Angeles, 2008), KHU (Detroit, 2010) y BA (Nueva York, 2013). «Creo que estoy en mi mejor momento cuando puedo crear una situación en la que la acción está dictada en gran medida por el entorno» son palabras de Barney que dan sentido a las localizaciones de sus obras.
Los ríos Rouge y Detroit, el East River de Nueva York y las autopistas de Los Ángeles, representan las arterias, tanto naturales como artificiales, que dan título al film y que transportan al protagonista en su viaje de la muerte al renacimiento, viaje en el que toma contacto con los personajes incestuosos que se detallan en el mito de Osiris.
El trabajo de Matthew Barney ha provocado fuertes reacciones críticas tanto positivas como negativas y se ha comparado con artistas como Chris Burden o Vito Acconci, alegando que su arte es a la vez una crítica y un apoyo al cine comercial. De lo que no cabe duda es de que cuando su desbordante imaginación se vuelca en un tema, llega hasta sus profundidades para crear imágenes que permanecen en la memoria para siempre.
- Matthew Barney: Biografía, Obras y Exposiciones - - Página principal: Alejandra de Argos -
- Detalles
- Escrito por Kosme de Barañano
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Autor Colaborador: Kosme de Barañano, |
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El año 2014 ha sido el año de las autobiografías de músicos de todo tipo, nunca el mundo editorial ha dedicado tantas páginas a las memorias y recuerdos de nuestros juglares. Sobre este increíble panorama editorial destaca el libro de Carlos Santana, The Universal Tone: Bringing My Story to Light (ISBN-13: 9780316244923, Little, Brown and Company, abril 2014, pp. 544). Paradójicamente el mexicano Santana es el más analfabeto de todos los músicos, el único que no ha pisado ni la escuela ni la universidad, sin embargo, sus recuerdos y sus ideas surgen de lo más profundo del corazón, de un corazón que late como su música y que deletrea nota a nota su pensamiento, con la misma suavidad e intensidad que lo hace su guitarra.
Por solo citar otros ejemplos de música y memoria de este pasado año tenemos libros del guitarrista Georges Benson, Benson: The Autobiography, (ISBN-13:9780306822292, Da Capo Press, agosto 2014, pp. 256), del pianista Herbie Hanckock, Possibililties, (ISBN-13: 9780670014712, Viking Adult, octubre 2014, pp. 352), o de la percusionista Sheila E., con ayuda de Wendy Holden, The Beat of My Own Drum: A Memoir, (ISBN-13: 9781476714943, Atria Books, septiembre 2014, pp. 336). Sheila Escovedo, la percusionista nominada al Premio Grammy, que ha compartido escenario con infinidad de músicos, especialmente con Prince, subraya el poder curativo de la música, sobre todo para el dolor. También otro icono del pop Mick Fleetwood, con ayuda de Anthony Bozza, ha publicado Play On: Now, Then, and Fleetwood Mac: The Autobiography, (ISBN-13: 9780316403429, Little, Brown and Company, octubre 2014, pp. 352). Mick fundador junto con su amigo de toda la vida John McVie, de una de las bandas más exitosas del mundo, durante más de cuatro décadas, cuenta su historia: "Después de cuarenta y seis años de estar en el camino, este es el momento adecuado para mirar hacia atrás de una manera que nunca había hecho antes. Esta es la historia de mi vida en el rock and roll - y de todo lo que la banda ha significado para mí".
Las memorias de Santana ofrecen un bello cuento sobre la profunda determinación de un niño por vivir de su música, y de su auto-descubrimiento interior. Este guión se enzarza con historias personales llenas de colorido, de detalle pero sobre todo de una lección máxima: no hablar mal de nadie y de afirmar la vida en todos sus sentidos.
Nacido en una familia muy humilde, Santana se gana la vida antes de llegar a los diez años tocando en los bares y cabarets de Tijuana hasta alta horas de la madrugada para ir, sin haber dormido, a la iglesia a tocar el violín, y ver allí de nuevo, bien vestidas, a las mismas putas de la noche. Describe las calles y los olores de su ciudad natal, Autlán, sus primeros conciertos en el bar El Convoy en Tijuana, y su traslado a San Francisco cuando era un adolescente. Con escasos veinte años despunta en 1967 en el Fillmore de San Francisco con una forma de tocar la guitarra eléctrica que será desde entonces la suya, la singular firma de su sonido.
Son los años en que Sergio Larrain estudia en Berkeley 1967-68 o cuando Steve Jobs también aterriza, aunque poco, por la Universidad, pero visita centros de espiritualidad, irá a la India en 1974. Dos años más tarde, en el histórico encuentro de Woodstock, la banda de Santana, con el sensual sonido de su guitarra y los ritmos latinos, será la gran triunfadora junto con Sly Stone por un lado y por Jimmy Hendrix por otro, éste tocando en himno nacional americano. Santana sólo tenía 22 años y su fama ya no parará de crecer. Su música transcendía los géneros, era multicultural antes de que la palabra surgiera. La pasión, el alma, y esa cosa evasiva llamada por los latinos sabor (passion, soul y sabor) surgen a través de la guitarra de Santana en ese sonido sorprendente, por delante de su tiempo. Salir de la oscuridad del ego para compartir la alegría de la música con los demás, es el objetivo del artista. Hasta más allá del 1999 cuando con Supernatural, obtuvo nueve premios Grammy.
El músico también es explícito contra el torpe nacionalismo que le quiere encerrar en la jaula de lo latino. Sobre los mariachis y la critica de que se ha acercado a lo cubano pero no a lo mexicano, Santana es claro: el es un ser multidimensional, no solo un chicano. Viajar por los diversos continentes le ha ayudado a ampliar su cross culturalidad, a ampliar horizontes y sonidos, el ser humano es multi-dimensional, no está circunscrito a una esquina, ni a un barrio. El oyó cuando niño a BB King en la radio americana que llegaba a su pueblo, y ahí encontró el camino de su corazón y de su música, no en la charanga de su padre, con la que, sin embargo, es respetuoso.
Santana puntea en su libro el acorde perfecto cuando traza su evolución espiritual, atribuyendo su éxito y la belleza de su música a lo que él llama el "tono universal": the “Universal Tone”: “The story behind the stories, the music behind the music.... With it you realize you are not alone; you are connected to everyone...It’s the fastest way of getting away from the darkness of ego.... It’s a blessing to be able to play from your soul and to reach many people.” "La historia detrás de las historias, la música detrás de la música .... Con él te das cuenta de que no estás solo; estás conectado a todo el mundo ...es un bendición ser capaz de tocar desde tu alma y llegar a tanta gente". Santana tiene un ductus, como lo tienen todos los grandes dibujantes de la Historia del Arte. Esta es la base en la que se reconoce a lo largo de 40 años la linea de sonido de su guitarra como se reconoce la grafía de Pontormo con ese gesto de grito, de melancolía, que le hace distintiva, diferente de la de Rafael o Miguel Ángel, en tanto que proviene de la profundidad del alma. La forma es una estructura, que no tiene que ser una forma cerrada como una caja, puede ser elástica, o puede ser como una nube en movimiento.
Además de ese recorrido desde Tijuana a su banda de blues y rock, a las diferentes etapas de su grupo hasta el momento presente, Santana habla de su vida como compañero, como esposo, como padre, como hijo, como niño abusado, y especialmente de su deuda con otros músicos y de sus creencias religiosas y espirituales, - de John Coltrane y John Lee Hooker a Miles Davis y Harry Belafonte. Habla de su música pero habla de su vida, de la dedicación a un camino espiritual que ha pasado por educación católica, por filosofías orientales, y otras fuentes místicas, pero también por las drogas y por la reflexión.
El libro es seguramente la respuesta al libro de su ex mujer Deborah Santana, Space Between the Stars: My Journey to an Open Heart. (Random House 2005) y al de Norman Weinstein, Carlos Santana. A biography (Greenwood Press 2009). Este libro es un ejemplo del poder catártico de la escritura, como el Night Studio, de Musa la hija del pintor Philip Guston, libros para analizarse a sí mismos. De paso no entendiendo nada al prójimo, es decir, al más próximo, al marido o al padre.
A veces con pequeños engaños: su experiencia con Sly Stone que parece de dos meses pero es de casi tres años (de 1969 con 18 años recién cumplidos hasta comienzos de 1972, en ese verano se encuentra ya con Santana), sus repetidas intenciones de ir a la Universidad (para aprender español y escritura creativa) siempre abandonadas por el amor, pero no así las casas de cierto confort. Su experiencia con la intolerancia (sea de color, sea de machos) y su recurso a la religión, quizá lo más interesante de Deborah, como en la propia vida de Santana sea ese acercamiento permanente a la divinidad, a la entrega a los demás, a través del don que uno tiene de hacer música. Carlos es muy delicado en su memoria al referirse a su ex mujer, por ejemplo, al respeto de esta relación previa señala: "whatever happened between her and Sly is in her book, and that and what was happening with me and my band had left us both needing support and consolation".
Como dice Santana no es la piel sino la luz interior lo que le interesa, tener bien su energía interior, sus moléculas de luz para entregarla a los demás. El problema del texto de Deborah es el de esas mujeres que están a la sombra pero que no les gusta luego ser esa parte de la sombra, y por eso la necesidad de escribir y señalar su capacidad de manejar un restaurante, sus hijos, su capacidad empresarial, su ver antes que el marido las intenciones malas de los otros, como las del gurú, etc. pero señalar y subrayar el mal carácter de Bill Graham hacia una mujer, ella, que al fin y al cabo, era una más de los líos de Sly, y lo que estaba molestando por ignorante, al querer entrar sin pagar. No digo que no sea honesta y que no esté contando su verdad pero nadie de sus psicólogos le ha confrontado con sus propias mentiras. Deborah es una persona que articula bien y que tiene una sonrisa especial, es una memoria dinámica, es interesante, bien escrita, pero ese trasfondo de mujer maltratada, engañada, es un tópico más que habrá que sacudir como se hace con las alfombras que no han sido pasadas cada cierto tiempo con la aspiradora.
Los Santana se separaron en 2007 después de más de treinta años juntos, con tres hijos que tienen ahora 25, 30 y 33 años de edad. En el 1998, la pareja estableció la Fundación Milagro, una organización sin fines de lucro que ayuda a niños y jóvenes de escasos recursos en la educación, las artes y la salud. Desde 2009 Santana vive con la baterista Cindy Blackmann. Su filosofía por un mundo mejor que proviene de los años 60, del Sun Flower, sigue siendo en el fondo la misma: mejorar el mundo, mejorar la convivencia entre los seres humanos.
Aunque en su actuación en Woodstock, Santana estaba pasado de mescalina, su relación con las drogas o con el alcohol ha sido muy de pasada: su relación íntima con su guitarra le ha a sostenido a largo de todas las puertas del vicio. Aunque no toma nada, defiende la marihuana y el peyote, y critica la heroína y todo lo que viene de los laboratorios y no de la naturaleza. En los márgenes de este periplo vital aparecen muchas muertes de gente creativa y muchos excesos inútiles. Habla de la música que le influyo, no solo de su padre y del blues, habla de Gabor Szabo, de Miles, de Shorter, de John Maclaughin, de audiciones que se pueden seguir en you tube y acompañar la lectura. Para los que les gusta y han seguido su música cuenta las circunstancias de álbumes y actuaciones, pero también la filosofía de ser buena gente para hacer buena música, la actitud hacia la disciplina y el dominio de la técnica para decir tu verdad. Podemos resumir su credo vital en dos frases: "Love is the light that is inside of all of us, everyone," (El amor es la luz que está dentro de todos nosotros, de cada uno de nosotros") y "I salute the light that you are and that is inside your heart." ("Saludo a la luz que tu eres y que está dentro de tu corazón)
Quizá lo único pegajoso es que muchas lineas parecen dirigidas a sus hijos, incluso lo que escribe sobre ellos tiene un cierto halo de hagiografía. En su conjunto es una historia profunda sobre la inspiración y sobre la audacia musical, una filosofía llena de humor de uno de los grandes que no ha perdido su sencillez. Al hablar de las relaciones personales Santana subraya que no ha querido dejar de ver las posibilidades infinitas que hay en cada persona que conoce. Como cada nota musical tiene su propia aura, de armónicos y de sobretonos, cada vida tiene un registro de singularidad y de verdad, que hay que respetar. Conviction y Charisma son las palabras con las que identifica a su madre y a su padre, son el titulo del primer capitulo del libro, pero las dos palabras en su exceso conllevan también sus males.
Es una de las grandes biografías de músicos actuales junto con la de los fallecidos Jim Morrison. No one here gets out alive (1980) de Jerry Hopkins y Danny Sugerman de 1980 o Catch a Fire: The Life of Bob Marley (2006) de Timothy White. Santana ha hecho gala siempre de un espiritu de colaboración en la música y en la vida social. Inteligente siempre para rodearse de buenos músicos, de Leon Thomas a Armando Peraza, de Buddy Miles a Whitney Shorter. Todos ellos citados en la web de su grupo. La C en Carlos, suele decir, es para la palabra collaboration. Ahora en su viaje personal por sus recuerdos ha acudido a la colaboración de dos amigos "universitarios": Ashley Kahn and Hal Miller. Kahn ha escrito previamente dos libros clave, en investigación y en resultado, sobre el mundo del jazz: Kind of Blue by Miles Davis y A Love Supreme by John Coltrane. El bateria Hal Miller además de amigo personal, ha sido el documentalista de la banda, así como uno de sus percusionistas. Miller ha dividido su vida entre giras como batería y clases historiador en la State University of New York en Albany.
Sin duda, Santana es uno de los músicos más influyentes de los últimos 50 años, un guitarrista autodidacta que ha atravesado géneros del blues al rock, a lo latino con la rápida navegación de un genial músico de jazz. En el amplio reino de los dioses de la guitarra, un instrumento de la segunda mitad del siglo XX, Santana se encuentra sólo y en primera linea para lo que se ha dado en llamar su "singular tono" -tanto el hecho de que se puede reconocer una canción Santana en una sola nota como el hecho de que para Santana la música y soul están interconectados. En este libro Santana nos describe los diversos tipos de profundidad en el océano del sonido, y el acantilado en el que él bucea, para ofrecernos los corales pictóricos de su melodía.
Kosme de Barañano.
