Alejandra de Argos por Elena Cue

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Los dibujos y murales de Raymond Pettibon gritan en silencio, clamando por el despertar de la sociedad. Su trabajo no busca influenciar a la sociedad, sino mostrar sus propias reflexiones y dejar su interpretación al espectador. Su universo, nacido de la cultura popular norteamericana, es hoy uno de los más influyentes del arte actual. Autodidacta, dibujante compulsivo y cronista y crítico social, Pettibon utiliza una de las técnicas más tradicionales que existen (la tinta sobre papel) para hablar de la sociedad del siglo XXI.

Una obra, múltiples voces

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Raymond Pettibon en su estudio de Manhattan. Foto: George Etheredge para The New York Times. En nytimes.com

  

“Si hay una voz, es múltiple. Incluso dentro de una misma obra”. Estas palabras de Raymond Pettibon son un magnífico resume de su trabajo: un compendio de voces, disciplinas, mensajes y técnicas que reflejan de forma certera el estruendo del mundo actual. Autodidacta, dibujante compulsivo y cronista y crítico social, Pettibon utiliza una de las técnicas más tradicionales que existen (la tinta sobre papel) para hablar de la sociedad del siglo XXI. Si bien sus referentes pasan por Francisco de Goya, Edward Hopper, William Blake o John Sloan, sus dibujos y murales reflejan estereotipos norteamericanos, iconos de la contracultura y seres bestiales o mitológicos. Todos ellos, personajes que conviven en escenarios caóticos y ordenados al mismo tiempo. Son imágenes que confrontan al ser humano con la inmensidad de la naturaleza, pero también con el poder omnipresente de los gobiernos, los totalitarismos, el colonialismo feroz y las intervenciones políticas y militares de su país, Estados Unidos, en el resto del mundo. Aunque hoy sus obras alcanzan cifras millonarias, Pettibon continúa siendo una voz crítica en el arte; una voz múltiple, que repite esos mensajes incómodos que es necesario escuchar.

 

Primeros años. California y la cultura punk

Los escenarios de la infancia de Raymond Pettibon (Tucson, 1957) se circunscriben a Hermosa Beach, una localidad costera de California. Allí pasa su infancia dentro de una familia convencional: su padre era profesor de inglés (y escritor de novelas de espionaje en sus ratos libres), y su madre, ama de casa. El futuro artista nace con el apellido Gin, y es precisamente su padre quien le pone el sobrenombre Pettibon (“buen pequeño”, en francés): un apodo que adoptará durante toda su trayectoria artística. Tras los años de instituto, en 1974 ingresa en la UCLA para estudiar económicas; es entonces cuando empieza a publicar en la revista de la universidad algunas de las viñetas que llevaba dibujando desde su infancia. Sin formación artística alguna, Pettibon desarrolla su vocación de forma autodidacta: se inspira en productos de la cultura popular, como los cómics o las series y películas animadas. “Cogí mi estilo de los comics porque no soy el puto Miguel Ángel, ¿vale?” Con estas palabras, Pettibon reafirma sus orígenes y marca el origen de su imaginario plástico. Con 19 años se gradúa y empieza a trabajar como profesor de matemáticas en institutos de enseñanza secundaria, siguiendo la estela de su padre.

 

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Punk Flyer: The Subhumans at Polish Hall (1981). En artsy.net

 

Durante esos años, Pettibon continúa dibujando viñetas de forma compulsiva, desarrollando un estilo que se mantendrá fiel a la línea y la tinta durante toda su trayectoria. En aquella época su hermano pequeño, Gregg Gin, funda una banda protopunk, Black Flag (nombre sugerido por el propio Pettibon), considerada hoy un grupo de culto. Al mismo tiempo crea también una discográfica, SST, para la cual el artista diseñará el logotipo de la banda: cuatro bloques negros verticales, inspirados en unos pistones. Sus viñetas servirán también como carátula para los discos de las bandas, y se convertirán en flyers; Pettibon produce dibujos y escenas por centenares, una práctica que mantiene también en la actualidad. En aquella época, la escena artística norteamericana empieza a ser ocupada por una generación que rechaza el concepto de la credibilidad y cuestiona su entorno: empiezan a sonar nombres como Ed Ruscha, John Baldessari y Paul McCarthy, entre otros. Muy pronto, el de Raymond Pettibon empezará a destacar.

 

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Black Flag at Vex (1983). En moma.org

 

Textos que crecen: Sonic Youth y las primeras exposiciones

 

Durante esta década, Pettibon continúa produciendo imágenes a un ritmo vertiginoso. Los flyers para publicitar conciertos de distintas bandas continúan produciéndose, pero su trabajo artístico empieza a experimentar un cambio sutil. Los textos comienzan a ocupar más espacio y a destacar por su importancia: las múltiples voces de su obra pugnan por expresarse. En línea con la obra de artistas como Roy Lichtenstein o Tom Wesselman, figuras fundamentales de la escuela pop que empezaron a utilizar el cómic como inspiración durante los 70, las imágenes de Pettibon no cuentan relatos completos, ni siquiera escenas: solo muestran fragmentos. Muchas de estas imágenes aparecen reproducidas en fanzines; la libertad creativa que suponía para el artista no vivir de su arte y no estar sujeto a encargos le permitió crear una obra alejada de cualquier escuela, sobre soportes humildes y con materiales comprados en papelerías y tiendas de barrio.

  

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Goo. Portada del disco de Sonic Youth (1990). En moma.org.

 

La década de los 90 alcanza a Pettibon cuando ya es un artista por derecho propio. Su obra ha obtenido ya reconocimiento, y es representado por una prestigiosa galería de Nueva York: la Davizd Zwirner Gallery. En 1990, la famosísima banda postpunk Sonic Youth le encarga la portada de su disco Goo: Pettibon responde a su petición con una viñeta en blanco y negro que a día de hoy es considerada todo un icono, y reproducida en cientos de versiones. Por aquel entonces ya ha hecho varias exposiciones en solitario; dos meses después de entregar el diseño a la banda, Pettibon se encierra en el espacio de la galería y cubre sus paredes con dibujos, collages y textos de gran tamaño, realizados específicamente para el evento. Para desarrollar este trabajo emplea distintas técnicas: por ejemplo, proyecta películas o imágenes opacas sobre papel colgado en la pared, y detiene los fotogramas para calcarlos directamente. Son años de producción febril que empiezan a reflejar algunos de los temas obsesivos del artista: desde ciertos estereotipos de la cultura popular, hasta personajes tan célebres y controvertidos como Charles Manson.

 

El nuevo milenio: un arte que engloba al mundo 

 

08. No Title We would then 2009.CreditRaymond Pettibon via Hauser Wirth 

No title (We would then…), 2009. En hauserwirth.com

 

Con la llegada del año 2000, la obra de Pettibon no se vuelve más compleja en cuanto a técnica o material. Pero sí evoluciona a la velocidad de la luz, añadiendo cada vez más simbología, iconografía y significado a sus planteamientos. Cada vez trabaja más sobre pared, cubriendo los muros como si de una segunda piel se tratase. En esta época, Pettibon empieza a añadir dibujos creados durante su infancia a sus murales. En los años anteriores, el artista ya había utilizado dibujos infantiles creados por otros niños; a partir de este momento incluye una parte autobiográfica en su trabajo, sumando un poderoso lirismo a lo un punto de vista que hasta entonces había sido fundamentalmente crítico y social. El trazo y el gesto se vuelven más sutiles, y las obras ganan en calidad plástica. Aunque sus personajes icónicos siguen apareciendo (sobre todo los surfers, que ganan protagonismo), los dibujos incluyen cada vez más metáforas plásticas. Al mismo tiempo, Pettibon continúa creando arte para portadas de discos: en 2003, un diseño suyo ilustrará el álbum ‘Have it all’, de la banda Foo Fighters.

   

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Collection of lines, (2019). Raymond Pettibon trabajando en obra sobre mural. En moma.org

  

Durante la segunda década del milenio, Raymond Pettibon comienza una colaboración fructífiera con otro artista, Marcel Dzama. Ambos trabajan el formato del dibujo y saturan su obra de crítica política y social. Dzama reconoce en Pettibon a uno de sus artistas de referencia; en sus propias palabras, “es el primer artista que llevó el dibujo a un ámbito popular […]. Me gusta más trabajar con Ray que dibujar en solitario”. Pettibon anima a Dzama a trabajar sobre mural, y ambos empiezan a trabajar en obras comunes en la galería que representa a ambos, David Zwirner. Su colaboración es mantiene hasta la actualidad, sumando también la publicación de libros de artista. Hoy, Raymond Pettibon continúa trabajando de forma imparable en Nueva York, donde vive. En el año 2017 el New Museum le dedicó una gran retrospectiva, y su obra está presente en los mejores museos de arte contemporáneo del mundo, entre ellos el Museo Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Centro Georges Pompidou de París, el MoMA de Nueva York y la Tate Gallery de Londres.

 

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The ball player / The Dynamieck Diesis (2016) Raymond Pettibon y Marcel Dzama. En sleek-mag.com.

 

Exposiciones

 

Raymond Pettibon. MACBA (2002)

 

 

En el año 2002, Raymond Pettibon fue homenajeado con una gran exposición realizada por el MACBA de Barcelona. La muestra permitió al público realizar una auténtica inmersión en su obra, con más de 5.000 dibujos sobre papel, cinco audiovisuales y una serie de murales realizados ex profeso por el artista con motivo del evento. Las obras se acompañaron de música y libros propiedad de Pettibon, procedentes de sus archivos. En el vídeo se puede ver un fragmento de un documental dedicado a su figura, realizado para la exposición.

 

 

Raymond Pettibon: The Big Picture. Galería David Zwirner, NY (2007)

 

 

Este vídeo recoge el momento en el que comienza la inauguración organizada por la Galería David Zwirner de Nueva York en 2007. En aquel momento fue la séptima muestra con obra del artista realizada por la galería, que le representa. Los dibujos expuestos reflejaban la preocupación de Pettibon por los aspectos sociales y políticos, tocando temas candentes de la época como la Guerra de Irak o la política de asuntos extranjeros.

 

 

Raymond Pettibon: Are your motives pure? Surfers 1985-2013. Venus Over Manhattan, NY, (2013)

 

 

Esta exposición reunió en su día 40 obras que reflejan uno de los personajes icónicos de Pettibon: el surfer. Todo un icono de la California de los 60, el surfero solitario es un personaje que representa por sí solo el estilo de vida de la Costa Oeste Norteamericana. Sin embargo, a lo largo de las décadas el “sueño californiano” ha ido revelando una cara siniestra y oscura: una imagen engañosa de paraíso distópico. Los dibujos sobre papel del artista, realizados a gran escala o a tamaño de página de libro, reflejan este sentimiento.

 

   

 

Marcel Dzama y Raymond Pettibon: Let us compare mythologies. Galería David Zwirner, Londres (2016)

 

 

La colaboración entre Dzama y Pettibon se ha repetido en varias ocasiones. Ambos artistas trabajan con el soporte del dibujo, reflejan temáticas y estilos similares y encuentran en sus respectivas obras el complemento perfecto para su propio imaginario. La Galería David Zwirner de Londres expuso entonces una selección de las distintas colaboraciones realizadas entre ambos hasta la fecha: a modo de “cadáveres exquisitos”, los dibujos comenzados por uno de los artistas son terminados por el otro, enriqueciéndose con ambos aportes.

  

  

A Pen of All Work. Bonnefantenmuseum, Maastricht (2017)

 

 

La muestra 'A pen of all work' fue la primera retrospectiva de Raymond Pettibon en Nueva York. Organizada por el New Museum, a continuación viajó al Bonnefantenmuseum de Maastritch. La selección estaba formada por más de 700 obras, realizadas por Raymond Pettibon desde los años 60 hasta el momento de la inauguración. Una magnífica oportunidad para descubrir la evolución y la riqueza del cuerpo de obra del artista.

 

   

And what is drawing for? Tel Aviv Museum of Art (2020)

 

 

Bajo el nombre “¿Y para qué sirve el dibujo?”, el Museo de Arte de Tel Aviv organizó en 20202 la primera gran exposición de Raymond Pettibon en Israel. La muestra reunió cerca de 100 dibujos y tres trabajos con soporte vídeo. En las obras se podían identificar los personajes icónicos del artista (el surfer, el jugador de béisbol, Charles Manson…), así como los temas que atraviesan gran parte de su obra: el capitalismo, el gobierno americano y la Guerra de Irak, entre otros.

 

Libros

 

'Tramas entrecruzadas'. Raymond Pettibon (2002). Publicado por MACBA.

Con motivo de la gran retrospectiva organizada por el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) sobre la figura y la obra de Raymond Pettibon, la institución publicó este libro donde se recogen parte de las piezas seleccionadas en la muestra. Obras en las que se recogen, tal y como indican los comisarios de la exposición, las influencias de personalidades como Proust, James o Blake: visionarios cuyo rastro se puede identificar en los trazos de Pettibon. Todo un placer para los sentidos y para la reflexión.

  

‘My fist R free. 186 Twitter Poems’ . Raymond Pettibon (2021). PCP Press

La serie Editions Du Piràtes de la editorial PCP Press decidió incluir en 2021 un volumen dedicado a la poesía publicada por Raymond Pettibon en la red social Twitter. El libro recoge los poemas escritos por el artista entre el 27 de noviembre de 2021 y el 28 de julio de 2016, e incluye la provocación sintáctica, la pasión por lo satírico y los poemas de amor característicos de su universo. Las páginas “representan” al propio Pettibon como un personaje ficticio que, tras abandonar a su mujer, se muda a la red social y comienza una existencia artística en solitario.

 

Point Break: Raymond Pettibon, Surfers and Waves. (2022). David Zwirner Books

Este libro, publicado por la galería David Zwirner Books, recoge una selección de más de 100 dibujos de surfers, protagonistas de varias series creadas por Pettibon a lo largo de los años. Las páginas reproducen dibujos y pinturas creados a grande y pequeña escala, y murales realizados directamente sobre pared. En las obras de Pettibon, el surf existe de forma paralela a todo lo demás. Los protagonistas de las imágenes son conscientes de forma momentánea de la presencia de la ola, al tiempo que se distancian de la turbulenta realidad que les rodea. Al igual que los personajes, nosotros también nos vemos forzados a enfrentarnos con nuestra propia escala: pequeña y débil en presencia del poder de la naturaleza, que está fuera de nuestro control.

 

- Raymond Pettibon: Biografía, Obras y Exposiciones -                                - Alejandra de Argos -

Mark Bradford crea obras en múltiples disciplinas que invitan al espectador a reflexionar sobre la sociedad, los problemas raciales y las cuestiones de género. “Política y socialmente, estamos al borde de otro precipicio”. Son palabras de Mark Bradford (Los Ángeles, 1961) acerca de su país, Estados Unidos.

La abstracción que nace del conflicto

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Foto: Mark Bradford.

  

“Política y socialmente, estamos al borde de otro precipicio”. Son palabras de Mark Bradford (Los Ángeles, 1961) acerca de su país, Estados Unidos. Y concluye: “Me encuentro en medio de esa cuestión que nos plantea dónde estamos como nación”. Una cuestión que siempre ha formado parte de su trabajo, desde que empezó a crear obras a partir de materiales que formaban parte de su vida y su entorno. Si hay un artista “del material”, ese es sin duda Bradford: sus piezas artísticas están integradas por kilos y kilos de papel, masilla, cemento, adhesivos y otros materiales humildes, normalmente de desecho. Productos y técnicas que no solo sirven para configurar una obra, sino que le añaden un significado propio que precede su uso artístico. Y que forman parte de un entorno sociocultural que nos habla sobre la vida del propio artista y la de su comunidad. Mark Bradford crea obras en múltiples disciplinas, a menudo site-specific y a gran escala, que invitan al espectador a reflexionar sobre la sociedad y los conflictos raciales y de género que experimenta la comunidad afroamericana. Y su compromiso artístico no se queda ahí, sino que incluye también a otros colectivos desfavorecidos con los que realiza acciones enfocadas a la integración. El arte de Mark Bradford, tan incisivo como necesario, le ha llevado a ser uno de los artistas más cotizados de los últimos tiempos: su obra Helter Skelter I fue adquirida en 2018 por 12 millones de dólares, superando las cifras de otros creadores afroamericanos como Jean-Michel Basquiat. Aun así, Bradford continúa rindiendo homenaje a los materiales humildes que estructuran las sociedades: su trabajo es hoy una influencia fundamental en el arte con vocación de cambio y revolución.

 

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Helter Skelter I (2017). En thebroad.org

 

Un salón de belleza al sur de Los Ángeles

La vida de Mark Bradford está ligada a su ciudad natal, Los Ángeles. Bradford nace en 1961 en la zona sur, donde su madre regentaba un salón de belleza con peluquería en el área de Leimert Park. Hasta los 11 años la familia vive junto al negocio, pero en 1972 se mudan a Santa Mónica. El salón de belleza continúa siendo propiedad de la madre del artista, que acude a menudo y se acostumbra a ayudar con la clientela. Tras graduarse en el instituto, Bradford obtiene una licencia profesional que le permite ejercer como peluquero: a partir de entonces trabajará en el negocio familiar mientras continúa con sus estudios. Más adelante terminará finalizará su primera etapa escolar en el Santa Monica College y pasará al California Institute of Arts. Allí se se gradua en 1991 y realiza un Máster en Bellas Artes en el año 1997.

 

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Eve (2001). En themodern.org

 

Durante sus años como peluquero, el talento artístico de Mark Bradford late con fuerza y le impulsa a crear sus primeras obras: compagina su trabajo con los últimos cursos en el California Institute of the Arts, a finales de los 90. Prefigurando lo que posteriormente será uno de los métodos creativos más importantes de su obra, crea entonces sus primeros lienzos con end papers (papeles para puntas). Con este nombre se designa a unos pequeños trozos de papel de seda que se colocan en las puntas de los mechones de cabello, para protegerlos del calor durante la realización de permanentes. Es un momento fundamental y catártico: será la primera vez que Bradford incorpore en sus obras elementos pertenecientes a su vida y su entorno, que no solo cumplen una función estética y plástica, sino que contienen experiencias y significados propios. Sobre esta técnica, Bradford comenta: “Aprendí mi propia forma de construir pinturas a través de los end papers: cómo crear espacio, cómo usar el color. Y cómo aportar un nuevo tipo de contenido. Para mí fueron el principio… Todo empezó en el salón de belleza”.

 

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Jheri Now, Curl Later (2001). En brooklingmuseum.org

 

Nuevo milenio: abstracción plástica y acción social

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Untitled (2003). En brooklingmuseum.org

 

Tras sus años de formación, en los que descubre que la técnica mixta es la mejor vía para expresarse, Mark Bradford empieza a trabajar en su particular visión de la abstracción pictórica. Aunque muchos críticos y teóricos han querido ver en su trabajo una estrecha relación con el Expresionismo Abstracto Norteamericano, el propio artista prefiere distanciarse de este movimiento: “Siendo un artista afroamericano del siglo XXI, cuando vuelvo la vista al Expresionismo Abstracto entiendo la política, entiendo los problemas, entiendo las teorías y puedo leer los manifiestos [de Clyfford Still], pero sigo pensando que hay otras formas de investigar a través de la abstracción. Emplear el tejido social completo de nuestra sociedad como punto de partida para la abstracción la reanima, le quita el polvo. Para mí, es entonces cuando se convierte en algo realmente interesante”. Su obra es fiel reflejo de esta declaración de intenciones: Bradford trasciende los end papers de sus inicios y empieza a añadir capas y capas de papel sobre el lienzo, procedente de carteles, panfletos, pósters pegados a las paredes y todo tipo de material impreso obtenido de las calles de su ciudad. Las capas serán posteriormente rasgadas y esculpidas para crear formas y mensajes. Surge una nueva abstracción, que cobra vida a partir del significado social de los materiales que dan forma a la obra.

 

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Mithra (2008). En hauserwirth.com

 

La vertiente social de las obras de Bradford no se queda en el papel que conforma las capas de sus lienzos. Su enorme inquietud artística hace que investigue todo tipo de soportes, técnicas y métodos para reproducir los mapas (físicos, humanos e imaginarios) en los que se desenvuelven las comunidades afroamericanas estadounidenses: temas como el SIDA, la identidad LGTBIQ+, el racismo y la brecha social son constantes en sus obras. Al mismo tiempo, a medida que transcurre la primera década de los 2000 su trabajo escapa de la bidimensionalidad y adquiere cualidad escultórica, sin abandonar en ningún momento la gran escala que invita al espectador a sumergirse en la obra. En esos años ya es un artista consagrado, uno de los talentos emergentes más importantes del país: recibe el encargo de crear una pieza para para Prospect.1, la bienal de arte de Nueva Orleans. La escultura Mithra (2008) es un enorme barco varado, un Arca de Noé postapocalíptica que rinde homenaje a las víctimas del huracán Katrina. Bradford se inspira en el relato bíblico para ejemplificar la búsqueda de la salvación o la futilidad de dicha búsqueda, convirtiendo su obra en una metáfora sobre la escasa ayuda aportada por el Gobierno de EEUU a la población, durante y después de la catástrofe.

 

Obras monumentales con carga de profundidad

 

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Bell Tower (2014). En hauserwirth.com

 

La segunda década del nuevo milenio encuentra a Bradford en plena producción. Sus obras escapan ya a cualquier dimensión, alcanzando escalas monumentales que ya avanzaba Mithra y que ahora colonizan espacios y superficies. Al mismo tiempo, continúa trabajando con materiales que hablan sobre comunidades y tejidos sociales, haciéndolos protagonistas de sus propias historias a través del arte. Obras como Bell Tower (2014), instalada en la antigua terminal de Pan Am del Aeropuerto de Los Ángeles (LAX), son un claro ejemplo. Desde su infancia Bradford ha experimentado una intensa atracción por el aeropuerto de su ciudad, al que acudía a menudo con su madre a comer para observar los despegues y aterrizajes de los aviones. Bell Tower es una enorme instalación que homenajea al recinto y refleja el tránsito y las vidas de las personas que lo recorren. La obra está recubierta de lo que el artista designa como ‘posters mercantes’ (anuncios impresos y pegados en paneles comerciales, panfletos ofreciendo trabajo, carteles de exposiciones, etc.), que “hablan claramente de las necesidades de las personas de nuestra comunidad que cada día pasan ante ellos. No es como la cultura popular, que está globalizada. Es muy local. Y lo más fascinante es lo rápidamente que cambian”, comentó al respecto. 

  

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Tomorrow is Another Day (2017). En elephant.art

  

El año 2017 supone un punto de inflexión para Bradford. Es elegido para representar a EEUU en la Bienal de Venecia, uno de los acontecimientos más importantes del calendario artístico a nivel mundial. El pabellón estadounidense albergará Tomorrow is Another Day, una exposición-instalación site-specific en la que el artista parte del momento histórico de entonces (en plena transición política Obama-Trump) para definirse a sí mismo, a su país y a su comunidad. “Estoy hablando de otros mundos… La esperanza es que nos volvamos reconocibles a nosotros mismos en lo que respecta a nuestras políticas sobre raza, género, clase, sexualidad”, señalaba el artista en el catálogo que acompañaba a la muestra. En principio, las obras fueron creadas por el artista en su propio estudio para después ser recreadas en el pabellón: además de los cuadros que colgaban en las paredes, la muestra incluía una enorme masa de papel, reptante y marmoleada, que invadía las paredes y subía hasta el techo. De nuevo, el artista empleó ‘materiales humildes’ (lejía, masilla, papel arrancado de las paredes del Sur de Los Ángeles o comprado al peso) para crear un arte a gran escala que invitara a la reflexión histórica y social. A finales de 2018 la monumentalidad reaparece en la obra de Bradford, esta vez avanzando hasta un arte mucho más conceptual: diseña What Hath God Wrought, una pieza comisionada por la Stuart Collection de la Universidad de California. La obra se eleva en el jardín del campus de la universidad y consiste en euna delgadísima columna de acero de más de 60 metros de altura, con una tenue luz que destella en su cima. Los destellos transmiten el primer mensaje enviado por Samuel F. B. Morse en 1844, y que da título a la pieza.

 

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What Hath God Wrought (2018). En sculpturemagazine.art.

 

Un arte con impacto en la sociedad

 

10. what hath god wrought 2018

Life Size (2019). En frieze.com

 

Mark Bradford entreteje la conciencia social y comunitaria en sus obras, tanto de forma física como conceptual. Pero su trabajo trasciende la mera expresión plástica de la denuncia o el reflejo de la sociedad, y les sirve como base para generar e impulsar programas enfocados a impulsar el conocimiento del arte y el trabajo creativo en distintos colectivos. En 2009, en colaboración con el Getty Museum y junto con otros artistas, impartió una serie de clases gratuitas a profesores de primaria. En 2017, aprovechando su estancia en Venecia para la creación e inauguración del Pabellón de EEUU en la Bienal, el artista se embarcó en un proyecto de seis años de duración (Process Collettivo) con la ONG Rio Terà dei Pensieri, que genera oportunidades de empleo para los reclusos y reclusas de la prisión de la ciudad a través del trabajo artesanal. Dos años después Bradford crea su obra ‘Life Size’, una imagen que reproduce el frontal de una cámara policial; los beneficios obtenidos por las ventas de las reproducciones en edición limitada  (más de un millón de dólares) fueron destinados íntegramente al Fondo para el Arte y la Justicia de Agnes Gund.

 

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Quarantain Painting (2020). En hauserwirth.com

Durante su última exposición en Menorca (España), ‘Masses & Movements’ (2021), el artista colaboró con estudiantes de la Escola d’Art para crear una residencia artística de un mes de duración enfocada a explorar la crisis de refugiados, mediante la creación de una serie mapas del mundo que incluyen las rutas de inmigración. Esta colaboración fue el punto de partida de su colaboración con PILA Global, una organización educativa que trabaja con familias desplazadas en situación de riesgo. Y de forma permanente, Bradford es el creador e impulsor de Art + Practice, una fundación sin ánimo de lucro situada en el Sur de Los Ángeles y destinada a impulsar el trabajo artístico en jóvenes y adolescentes que forman parte de programas de acogida.

Actualmente, Mark Bradford continúa trabajando y residiendo en el Sur de Los Ángeles, desarrollando proyectos artísticos de relevancia mundial y ejerciendo como agente de cambio y revulsión.

 

Exposiciones

 

We the people. Embajada de EEUU en Londres (2017) )

 

 

Con el nombre We the People, Mark Bradford creó una obra site-specific en la Embajada Estadounidense de Londres formada por 32 paneles de más de 3 metros de longitud cada uno, que se puede admirar en el edificio de forma permanente. La obra representa fragmentos y artículos completos de la Constitución de EEUU, pasados por el filtro del punto de vista único de Bradford y convertidos así en lenguaje visual abstracto. Con esta obra inmersiva y a gran escala, el artista invita al espectador a analizar el significado de las palabras, su efecto en su propia conciencia y la forma en la que se aplica a día de hoy.

 

 

Tomorrow Is Another Day. Pabellón de EEUU en la Bienal de Venecia (2017)

 

 

En la Bienal de Venecia de 2017, el gobierno estadounidense participó con un pabellón intervenido artísticamente por Mark Bradford. El pabellón albergaba la obra Tomorrow Is Another Day (Mañana Es Otro Día), creada con una masa de pulpa de papel pintada que cubría una superficie de más de 5 metros de altura. La pieza dinamiza y trabaja con lo que Bradford llama “materiales humildes”, para generar una pieza monumental que medita sobre los errores y las distorsiones que salpican la historia de los Estados unidos.

 

 

Mark Bradford: Los Angeles. The Long Museum, China (2019)

 

 

La muestra Los Ángeles es hasta la fecha la más amplia y completa celebrada nunca sobre la obra de Mark Bradford. Inspirada en la ciudad donde actualmente reside y trabaja, la muestra fue en realidad una enorme instalación site-specific que explora la evolución y el desarrollo del trabajo del artista durante la década anterior, y su incisivo análisis de los temas más candentes de la cultura norteamericana actual. 

 

   

End papers. Modern Art Museum of Fort Worth (2020-21)

 

 

Los end papers son un elemento decisivo de la obra de Bradford. Estos papeles los empleó el propio artista en su adolescencia y juventud, cuando ayudaba a su madre en la peluquería que regentaba, y fue en esa época (principios de los 90) cuando comenzó a incorporarlos en su trabajo. La exposición del Museo de Fort Worth permitió redescubrir esta técnica, nunca abandonada por el artista a lo largo de su vida, en sus primeras obras.

 

 

Masses and Movements. Galería Hauser & Wirth, Menorca (2021)

 

 

La exposición Masses and Movements supone la primera presentación “oficial” de la obra de Mark Bradford en nuestro país. El artista expuso su trabajo con motivo de la inauguración de la sede menorquina de la galería, que le representa, en la isla de Menorca. La muestra consistió en una serie de piezas que jugaban con el espacio, como suele ser habitual en la obra de Bradford: una instalación formada por esferas, un mural site-specific y una serie de lienzos basados en un mapamundi del siglo XVI, del que se piensa fue el primero en incorporar la palabra ‘América’.

 

   

Picket's Charge. Hishorn Museum and Sculpture Garden, Washington D.C. (2017 – Actualidad))

 

 

La instalación Picket’s Charge es una de las más grandes realizadas hasta la fecha por Mark Bradford, con cerca de 121 metros lineales de extensión y realizada ex profeso en el National Mall del centro de arte. La obra se inspira en el ciclorama del mismo nombre creado por Paul Philippoteaux en el siglo XIX, donde se reproducía uno de los momentos cruciales de la Guerra Civil Americana: la Carga Pickett, a partir de la cual el ejército confederado empezó a perder la guerra. La obra de Bradford lleva el figurativismo del original a su terreno abstracto y entreteje el pasado con el presente y la ilusión con la abstracción, invitando al público a reflexionar sobre cómo se cuentan y manipulan las narrativas de la historia.

 

  

Agora. Museo Serralves, Oporto (2022)

 

 

La mitología antigua siempre ha constituido una fuente de inspiración para Mark Bradford. Su producción artística de los últimos años así lo demuestra, y fue decisión del Museo Serralves de Oporto mostrarla en una única exposición. Las obras se inspiran en una serie de tapices y bocetos realizados en Holanda cerca del año 1500, basados en dos temas: ‘La Caza del Unicornio’ y ‘Cerbero’. Bradford utiliza el mundo medieval y los mitos clásicos para reflexionar sobre la actualidad, con la Edad Media como metáfora y eco de las tensiones y los conflictos contemporáneos.

 

Libros

 

Street Level (2017). Mark Bradford, William Cordova y Robin Rhode. Duke University Press

Este libro analiza a fondo la obra de tres artistas contemporáneos con un tema común para su inspiración: las calles de sus ciudades. Se trata de un catálogo publicado con motivo de la exposición del mismo nombre que se celebró entre marzo y julio de 2009 en el Museo de Arte Nasher de la Universidad Duke. Para estos creadores, los objetos encontrados y los gestos performativos suponen unos cimientos sólidos para su arte, que incluye obra sobre papel, instalación, fotografía vídeo y técnicas mixtas. Vista en conjunto, su obra supone una reinterpretación de la cultura urbana contemporánea en la que se engranan temas cruciales como la geografía, la clase y la raza.

  

Mark Bradford - Through Darkest America by Truck and Tank (2013). VVAA. Ed. White Cube

El uso de materiales de desecho encontrados en la calle de su ciudad es una característica inherente al trabajo de Mark Bradford. Periódicos usados, carteles viejos y posters que se despegan de los muros son recogidos por él para ser empleados luego como parte de obras pictóricas formadas por múltiples capas de papel comprimido. Este es el punto de partida de esta monografía, que toma su título de un capítulo de las memorias del presidente Eisenhower. La obra de Bradford está salpicada de referencias topográficas, que emergen y desaparecen en sus instalaciones monumentales. Estas facturas y rupturas reproducen la grieta social creada por las autopistas interestatales que dividieron algunas de las comunidades del centro-sur de Los Ángeles (entre ellas, la del propio artista).

 

Mark Bradford (2019)(2017). Anita Hill. Phaidon Press Limited

La serie Contemporary Artists de Phaidon incluyó en 2017 un volumen sobre la obra de Mark Bradford, que en su momento fue el primer análisis exhaustivo del trabajo del artista norteamericano. El libro incluye numeroso material fotográfico donde se reflejan sus instalaciones y collages, célebres a nivel mundial. Por otra parte, el texto también explora la vida y la trayectoria del artista como un todo, invitando al lector a redescubrir su obra como parte de una experiencia vital y social inseparable de la creación plástica.

 

- Mark Bradford: Biografía, Obras y Exposiciones -                                - Alejandra de Argos -

Si hay un artista que ha conseguido remover las emociones del público con la máxima economía de medios, ese es Pierre Soulages. Apasionado del color negro y de la forma en la que la luz saca formas y reflejos de las superficies oscuras, a día de hoy es uno de los creadores más influyentes y cotizados de su generación.

La pintura que hizo llorar a París 

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Foto: Pierre Soulages en la exposición ‘The Outrenoir(s) of Pierre Soulages: European Museums and Foundations’. Museo Soulages, Rodez, Francia, 2014. En britannica.com

  

En el año 2009, el Centro Pompidou de París dedicó una gran retrospectiva al pintor francés Pierre Soulages. La muestra se convirtió en la cuarta más vista de la historia del museo hasta hoy, y también en la más emotiva: muchas personas se situaron frente a cuadros de su serie Outrenoir y rompieron a llorar. La emoción que suscita la obra de Soulages parte de una intensa apuesta por la abstracción y de una pureza extrema: son lienzos en los que el color (o no-color) negro actúa como un espejo del interior. Superficies profundas que no invitan a penetrar en ellas, sino que nos devuelven el reflejo y nos lanzan hasta el interior de nuestro propio ser. Década tras década, Pierre Soulages ha creado un enorme universo pictórico que envuelve la consciencia e invita a la introspección. Son más de ochenta años dedicados a su pasión más poderosa, que le han convertido en el artista francés más famoso y cotizado del mundo y en el maestro del negro y de la luz. Con más de un siglo a sus espaldas, la pasión sigue ardiendo en su espíritu creador: “Lo que me gusta es mirar el presente y soñar en lo que haré mañana. El día que deje de sentir eso, consideraré que estoy muerto”

 

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Imagen de la Exposición ‘The Outrenoir(s) of Pierre Soulages: European Museums and Foundations’. En musee-soulages-rodez.fr/es

 

Primeros años: pasión por el arte prehistórico

Pierre Soulages nace en 1919 en la localidad francesa de Rodez. Su infancia transcurre en el tranquilo pueblo, un lugar que el artista siempre ha llevado en el corazón. Desde muy pequeño, su interés por el arte más esquemático es una constante de su vida. Él mismo cuenta como anécdota que en su infancia, cuando le daban lápices de colores para dibujar su interés se centraba casi exclusivamente en el lápiz negro. Sus visitas al museo de la localidad, donde descubre las tallas celtas y el arte rupestre, acentúan su interés por la abstracción ya desde sus primeras obras. También demuestra una intensa atracción por el arte románico, que descubre en la cercana Iglesia Abacial de Santa Fe de Conques: posteriormente, en los años 80 recibirá el encargo de realizar los vitrales que actualmente cierran sus ventanas. Soulages pinta desde muy joven; en el Museo Soualges de Rodez se conservan algunas de sus primeras obras, realizadas en 1938. La economía de color que muestran y su atención a la pincelada prefiguran, de alguna manera, su trayectoria posterior. 

 

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Le Pont-Neuf (1939). Óleo sobre lienzo. En gazette-drouot.com

 

Ese mismo año viaja a París con el objetivo de estudiar arte, comenzando su formación en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes. Es admitido para la formarse en la cátedra de Dibujo, pero el academicismo de la enseñanza pronto le decepciona y abandona los estudios. Durante su estancia en la capital visita varias exposiciones y descubre la obra de Pablo Picasso y Paul Cézanne, que despiertan su admiración, al igual que el Louvre. Soulages regresa entonces a Rodez.

 

Los años convulsos. Guerra y abstracción

 

En 1940, la II Guerra Mundial asola Europa. Pierre Soulages es llamado a filas, pero se niega a participar en la contienda. Durante la ocupación (y para evitar ser trasladado a un campo de trabajo a Alemania) decide obtener papeles falsos y se oculta trabajando en un viñedo de Montpellier. Allí entra en contacto con el escritor Joseph Delteil, apasionado por el arte de vanguardia y amigo personal de Picasso, Chagall, Delaunay y otros artistas de la época. Soulages le enseña sus obras, y comenta: “¡Blanco y negro! Estás cogiendo a la pintura por los cuernos. Y ahí está la magia de la pintura”. Su opinión le impulsa a proseguir con su carrera artística; para ello, en 1946 (una vez terminada la guerra) se muda a París. Conoce a la artista Sonia Delaunay, quien le introduce en el mundo de la abstracción pictórica y despierta su interés por esta escuela. Al tiempo que vive en París, establece también un taller en la ciudad mediterránea de Sète. Actualmente, Pierre Soulages sigue viviendo y trabajando en esta localidad.

 

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Brou de Noix (1947). Nogalina sobre papel. En musee-soulages.es

 

En París, las cosas no resultan fáciles para el joven Soulages. Es rechazado por el prestigioso Salón de Otoño y decide presentarse al Salon des Surindépendants, atraído por la ausencia de jurado. Sus obras crean un potente contraste con el resto, donde la abstracción se movía por terrenos cromáticos con fuerte presencia de los colores primarios. Durante la muestra, el artista se entera de que Francis Picabia, uno de los más importantes exponentes del movimiento Dadá, ha comentado que su pintura era la mejor de la exposición. En pocos días le conoce en persona; su opinión marcará un antes y un después para Soulages. En una entrevista reciente repitió sus palabras: “No te preocupes por la crítica. Yo he visto de todo: impresionismo, fauvismo, dadaísmo, surrealismo, arte abstracto… Y si te digo que tu obra es buena, significa mucho más que lo que opine cualquier crítico”. Tras pasar unos años difíciles, su trabajo empieza a despuntar: comienza una carrera meteórica que no ha dejado de sorprender e innovar hasta la fecha.

 

1950-1980. Auge, éxito... y Outrenoir

 

En la década de los 50, Pierre Soulages va cambiando su forma de pintar. Se interesa por la materia y la textura, y empieza a emplear herramientas más poderosas como las espátulas y las brochas anchas. Su interés trasciende el campo pictórico: comienza a experimentar con la escultura en bronce y las artes gráficas, además de realizar trabajos de escenografía para teatro y danza. Su obra traspasa las fronteras de Europa y viaja a Nueva York como parte de una serie de exposiciones colectivas, mostrándose en el Museo Guggenheim y en MoMA. La Kootz Gallery acepta su representación y expone su obra de forma regular, así como la Galería de France de París. Las grandes colecciones públicas y privadas empiezan a adquirir sus pinturas, desde el Guggenheim de Nueva York hasta la Tate Gallery de Londes o el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro. El interés por su arte prosigue en los años 60, década en la cual empiezan a realizarse retrospectivas con su obra. Al mismo tiempo, Soulages no deja de investigar y experimentar en campos como la cerámica: en 1968 creará un mural para un edificio situado en Pittsburg, conjuntamente con el taller Mégard.

  

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July 10, 1950. En phillipscollection.org

  

No es hasta el año 1979 cuando Pierre Soulages comienza a trabajar en la que es probablemente su serie más icónica y celebrada, Outrenoir. Si bien el color negro protagonizó sus pinturas prácticamente desde sus inicios, ese año se produce un cambio en el punto de vista del artístico que llevará a sus obras al plano tridimensional. En los enormes lienzos, la pintura adquiere una cualidad escultural y crea una paradoja visual formada por el color negro, que absorbe la luz, y la superficie pictórica, que la refleja. Nada mejor que las palabras del propio artista para describir el momento de la revelación: “Me encontraba en mi estudio, trabajando en una pintura durante horas. Había pintura negra por todas partes. Estaba agotado; no podía entender por qué había trabajado tanto en algo que no me terminaba de gustar. De hecho, pensé que era una pintura fallida porque no estaba saliendo como las demás. Me fui a dormir durante una hora, y cuando me desperté y la volví a mirar, pensé: 'Ya no pinto con negro. Pinto con la luz reflejada en una superficie negra’". Más adelante, en el año 2009 el Centro Pompidou le invita a exponer su nueva serie; y para ella, el artista se inventa el término 'Outrenoir', que se podría traducir como “más allá del negro”'. La muestra se convierte en un enorme éxito de crítica y público, y dispara la fama de Pierre Soulages y la cotización de sus obras.

 

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Outrenoir: 17 juillet 2017, 2017. @pierre soulages / ADAGP, Paris, 2019. En alaintruong.com 

 

Las vidrieras de Conques

 

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Vidrieras de Conques. Vía Twitter: #JuevesDeArquitectura

 

Pierre Soulages siempre se sintió ligado a su pueblo natal, Rodez. Además de los descubrimientos paleolíticos que realizó durante su juventud, y que se conservan en el museo de la localidad, en 1987 aceptó con entusiasmo un encargo muy especial: diseñar unas vidrieras para las ventanas de la Iglesia Abacial de Santa Fe de Conques, un templo románico cercano a la localidad construido entre los siglos XI y XII. Soulages se sumerge de lleno en la creación de unas ventanas que se integren bien con la sencillez y la poderosa presencia de la arquitectura románica, sin renunciar a la esencia última de su arte: el uso del negro y de la luz para crear universos plásticos. Tal y como declaró al finalizar la obra: “Lejos de una Edad Media reconstituida, imitada o soñada, perseguí crear un producto de vidrio con tecnologías contemporáneas que se correspondiera con la arquitectura sagrada del siglo XI y con su potencial para suscitar la emoción artística”. Una emoción que el propio templo generó en el artista cuando tan solo contaba 14 años de edad, y que fue una de las claves para el desarrollo de su cuerpo de obra posterior. La creación y construcción de las vidrieras supuso un proceso de trabajo que duró desde 1987 hasta 1994. 

 

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Vidrieras de Conques. Vía Twitter @Jmontiellopez

 

 

Siglo XXI. Celebrando el centenario en plena producción

El nuevo milenio encuentra a Pierre Soulages en pleno proceso de trabajo. Prosigue con su serie Outrenoir, creando un enorme cuerpo de obra que se va difundiendo por museos y colecciones de todo el mundo. En 2001 se convierte en el primer artista vivo invitado a exhibir su obra en el Museo del Hermitage de San Petersburgo; y en 2005, junto con su mujer Colette decide realizar una importantísima donación a la Comunidad del Gran Rodez, su tierra natal. Entrega un total de 500 piezas que, junto con otra donación de 14 pinturas realizadas entre 1946 y 1986, suponen el punto de partida de lo que será el Museo Soulages: un edificio que a día de hoy alberga la mayor colección de obras del artista nivel mundial. El Museo Fabre de Montpellier recibe también por parte del artista una veintena de obras, incluyendo dos pinturas de la serie Outrenoir.

 

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Sala del Museo Soulages. En la-colonie.com

 

En 2009, Pierre Soulages cumple 90 años. El Centro Pompidou de París decide homenajear al artista organizando una gran exposición retrospectiva de su obra: más de 2000 metros cuadrados. Ese mismo año, el Museo Louvre hizo una excepción en su política de exposiciones y exhibió una obra de Soulages creada en el año 2000 en su Salón Carré del ala Denon, junto con otras dos nuevas pinturas de 2019.

 

Exposiciones

 

Pierre Soulages. Dominique Levy y Galería Perrotin, Nueva York (2014)

 

 

En 2014, dos prestigiosas galerías neoyorquinas organizaron la primera exposición de obras de Pierre Soulages en Estados Unidos de los últimos 10 años hasta la fecha. La muestra presentó al público una serie de pinturas a gran escala, nunca expuestas hasta el momento, que revelaban el rigor y la potencia atemporal de la pintura del maestro. La exposición reunió total de catorce nuevas pinturas, junto con obras fundamentales creadas en los años 50 y 60 del siglo XX prestadas por importantes museos y galerías privadas.

 

 

Pierre Soulages en el Louvre (2019)

 

 

Con motivo de su centenario y de manera excepcional, en 2019 el Museo del Louvre realizó una exposición de la obra de Pierre Soulages, 'Maestro del Negro y de la Luz'. La muestra, formada por una reducida selección de obra, trazaba una línea cronológica en la que se pudo ver su evolución desde 1946 hasta el año en el que se celebró.  

 

 

Pierre Soulages: A Century. Levy Gorvy, Nueva York (2019)

 

 

Otra retrospectiva celebrada con motivo del 100º cumpleaños de Pierre Soulages, en este caso en la sede de la Galería Levy Gorvy de Nueva York. La selección de obras abarcaba la producción realizada por el artista entre los años 50 del siglo XX y el momento actual, y se centró en el papel jugado por Soualges en la relación entre la pintura americana y la europea. Con motivo de la inauguración, la galería encargó al compositor Anthony Vine el tema musical que se puede escuchar en el vídeo: ‘For Pierre Soulages’.

 

   

In Praise of Light – Pierre Soulages / Tanabe Chikuunsai IV (2022)

 

 

La exposición ‘Elogio de la Luz’, organizada por la Fundación Baur – Museo del Lejano Oriente de Ginebra (Suiza) se proyectó como un diálogo entre la obra de Pierre Soulages y el artista Tanabe Chikuunsay IV. Las pinturas del maestro francés crearon un entorno envolvente junto con las obras de bambú del creador japonés, perteneciente a la cuarta generación de una estirpe de grandes maestros cesteros. 

 

Libros

 

Pierre Soulages: A Century (2019). VV.AA.

Magníficamente editado, este tomo homenajea al pintor en su centenario y ensalza su figura como “Maestro del Negro”. Profusamente ilustrado, reproduce distintas obras del artista desde los años 50 del siglo XX hasta la actualidad. Se trata de un catálogo editado con ocasión de la inauguración de la muestra del mismo nombre, organizada por la Galería Levy Gorvy de Nueva York. La portada está realizada sobre plexiglás, como referencia a los vitrales creados por Soulages para la Abadía de Sainte-Foy in Conques, situada en su pueblo natal. Publicado en inglés y chino, en sus páginas las imágenes van acompañadas de un ensayo a cargo de Brooks Adams, dos poemas de Sy Hoahwah y Virginie Poitrasson y varios escritos del propio artista.

  

Pierre Soulages. Outrenoir (2019). Alfred Pacquement y Camille Morando

La serie Outrenoir, comenzada en 1979 por Pierre Soulages en forma de work in progress, es probablemente su trabajo más conocido y profundo. Este catálogo se publicó con motivo de la exposición del mismo título organizada por la Galería Perrotin en Shangay, China. reúne una selección de 11 piezas pertenecientes a la serie, que se caracterizan por el uso en exclusiva de la pintura negra y su manipulación para crear distintos reflejos, cambios tonales y efectos de luz. Las reproducciones de las obras se acompañan de un ensayo a cargo de Alfred Pacquement, mientras que la cronología ha sido realizada por e Camille Morando.

 

Soulages, la plénitude du visible (2001). Jean-Michel Le Lannou. Ed. Kimé

Bajo el título “La plenitud de lo visible”, la editorial Kimé publicó el texto de Jean Michel Le Lannou en el que el autor analiza la potencia de las emociones que suscitan las obras del artista francés. Son obras que destilan poder, solidez y atemporalidad; frente a un mundo efímero, frágil e inconsistente, sus lienzos negros constituyen sólidas rocas a las que asirse. El escritor se plantea varias cuestiones acerca de la obra de Soulages: ¿Cómo consiguen envolver nuestra mirada en un espacio/tiempo sin distancia ni ausencias? ¿Cómo logran hacernos sentir su presencia evidente e inmemorial? A través de estas y otras preguntas, el lector se enfrenta a un análisis certero y profundo de la obra de un artista que llega a lo más profundo del espíritu humano.

 

 

- Pierre Soulages: Biografía, Obras y Exposiciones -                                - Alejandra de Argos -

La obra de Alex Katz se escapa de la aparente banalidad de su temática para analizar la relación entre la representación y lo representado; entre el color y la forma; entre la bidimensionalidad, y la tridimensionalidad. La pasión por el realismo ha marcado la trayectoria de Alex Katz. Pero hablamos de un realismo muy especial, que se aleja de la representación detallada

“Un día miré por la ventana y decidí que iba a pintar la ventana” 

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Foto: Alex Katz en el Museo Guggenheim de Bilbao. En elmundo.es

  

La pasión por el realismo ha marcado la trayectoria de Alex Katz. Pero hablamos de un realismo muy especial, que se aleja de la representación detallada y exacta de la imagen para incidir en aspectos más pictóricos que representativos. En este sentido, Katz se acerca a movimientos como el expresionismo abstracto americano, del cual se distanció consciente y explícitamente para crear un arte propio y singular. Durante su vida ha permanecido alejado de corrientes, escuelas y movimientos (entre ellos el Pop Art, con el que tantas veces han querido relacionarle), lo que le ha permitido crear una obra vasta, coherente y de enorme influencia en las siguientes generaciones de artistas. La obra de Alex Katz se caracteriza por las imágenes de personas, paisajes y escenarios plasmados en grandes planos de color, líneas recorte poderosas y una clara influencia del universo publicitario. Señalado a menudo como uno de los artistas que mejor han representado las rutinas y el ocio de la clase media norteamericana, sus obras se escapan de la aparente banalidad de su temática para analizar a fondo la relación entre la representación y lo representado; entre el color y la forma; entre la bidimensionalidad, y la tridimensionalidad.

 

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Blue Umbrella (1972). En cincodias.elpais.com

 

El arte en las venas: una pasión desde la infancia

Alex Katz nace en Nueva York en 1927, pero permanece poco tiempo en el barrio. En los albores de la Gran Depresión, su familia decide mudarse a St. Albans, una zona perteneciente a Queens que había emergido entre las dos guerras mundiales. Sus padres habían emigrado a Estados Unidos desde Rusia y conservaban una auténtica pasión por el arte en todas sus disciplinas: poesía, arte y teatro. De hecho, su madre había trabajado como actriz; este hecho la impulsó a intentar alejar a su hijo del mundo artístico, considerándolo una profesión poco estable. El padre de Alex Katz, por el contrario, le anima a seguir una carrera artística y decide matricularle en el Woodrow Wilson High School, un instituto donde las mañanas se dedicaban a la enseñanza estandarizada, mientras que por las tardes los alumnos se formaban en artes. En 1946 y a los 19 años Katz empieza a estudiar en la Cooper Union Art School de Manhattan, donde el destino le pone bajo la tutela de Morris Kantor. De su mano y junto con el resto de estudiantes entra en contacto con las vanguardias, las distintas teorías del arte y las técnicas más adecuadas para su práctica.

 

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Wildflowers in vase (1954-55). En locofineart.com

 

Ya desde sus primeras obras, fechadas a finales de los años 40, el joven artista demuestra un creciente interés por las composiciones sencillas, las formas planas y rotundas y los colores intensos. Durante sus años de aprendizaje en Manhattan Katz pinta a partir de láminas y reproducciones de artistas modernos; sin embargo, en 1949 su punto de vista epxerimentará un cambio radical. Ese año se gradúa en Cooper Union y obtiene una beca para realizar un curso de verano en la Skowhegan School for Painting and Sculpture de Maine. Es allí donde por primera vez se le impulsa a pintar al aire libre, a partir de la realidad que le rodea. Más tarde, comentará que el método au plein air de Skowhegan le daría “una razón para dedicar su vida a la pintura”. Uno de los aspectos que más le interesan de este tipo de pintura es su inmediatez, su conexión con la realidad y la libertad que le permite; cualidades que también admira en artistas tan diferentes de sí mismo como Jackson Pollock. Es entonces cuando pinta sus primeros paisajes: una temática que retomaría décadas después. S objetivo: atrapar las impresiones creadas por la luz y la energía generada por la pintura en sí, más que lograr un reflejo exacto de la realidad.

 

Los retratos. Una constante desde los años 50

 

En 1954, Alex Katz expone su obra en la Roko Gallery y comienza a crear un círculo de amistades, todas ellas relacionadas con la segunda generación de artistas pertenecientes a la Escuela de Nueva York. Entre 1955 y 1959 trabaja en el collage, siguiendo una técnica similar a la empleada por Matisse en sus últimos años: crea pequeñas composiciones (flores, figuras humanas en paisajes esquemáticos) empleando finas tiras de papel cortadas y pegadas con todo detalle. Pero Katz no se queda en el paisaje, y a mediados de los 50 prosigue con su exploración plástica. Su obsesión por la interacción entre lo reflejado y la superficie en la que se refleja, una especie de trasunto de “lo superficial y lo introspectivo”, le lleva a interesarse por el retrato.

 

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Portrait of Ada (1959). En arthive.com

 

Porque si bien no hay nada más profundo que un rostro humano, la explosión de la imaginería publicitaria de mediados del siglo XX (que tan bien supo reflejar y aprovechar el Pop Art) le da una nueva vida, más banal e intrascendente. Katz siempre se alejó de forma declarada de la estética pop, si bien está claro que su arte tiene fuertes influencias de la corriente (y viceversa). Es entonces cuando empieza a hacer retratos, centrándose sobre todo en el rostro y la figura de su mujer, Ada del Moro: será su inspiración y su musa, protagonizando cientos de lienzos que a día de hoy son mundialmente famosos. Es entonces cuando empieza a situar a sus modelos sobre fondos monocromos y vibrantes, un rasgo de estilo que anticiparía la estética pop y que se convertirá en un sello de identidad en la obra de Alex Katz.

 

Más allá de la bidimensionalidad: cut outs, color y escenografías

 

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Cut Outs de Alex KatzEn tulliehouse.co.uk

 

La apuesta que el artista hizo desde sus primeras obras en favor del realismo no supone un alejamiento de las técnicas de expresión más vanguardistas. Durante la segunda mitad de los años 50, Katz continúa profundizando en la separación entre silueta y fondo y lleva sus lienzos un paso más allá. En 1959 realiza su primer cut out, una silueta recortada de un lienzo previamente pintado y pegada luego sobre una madera recortada con la misma forma. Durante el resto de su vida continuará desarrollando este tipo de obras, que más adelante pintará directamente sobre madera y aluminio. El resultado: figuras, rostros y retratos que escapan a la bidimensionalidad y ocupan un espacio físico en el mundo real.

  

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El vestido negro (1960). En ctxt.es

  

Los primeros años 60 suponen una invasion de imágenes para la cultura occidental, y mucho más para la norteamericana. Son los años de la explosión de la publicidad y del éxito arrollador del cine y la televisión, que alcanzan hasta los últimos rincones del planeta. Al igual que los artistas del Pop Art, Katz experimenta la influencia de la publicidad y los medios de comunicación y empieza a reflejarla en sus obras. Son años de lienzos a gran escala, donde los rostros adquieren proporciones monumentales y muchas veces aparecen cortados. Los colores vibrantes se apoderan de escenas que no renuncian a la profundidad, pero que cada vez parecen más alejadas de la realidad y las leyes de la perspectiva. Al mismo tiempo, no renuncia a reflejar también la realidad social de las personas que le rodean: en sus cuadros aparecen a menudo las personas con las que se relaciona, en gran medida pertenecientes a ámbitos artísticos y literarios. En esa década Katz empieza también a diseñar escenografías y vestuario para el coreógrafo Paul Taylor, con quien continuará colaborando a lo largo de tres décadas.

 

07.The Red Smile 1963 

The red smile (1963). En vein.es

 

Fin del milenio: años de paisajes y luz

 

08. Alex Katz Lawn Party 1965 Oil on canvas 108 x 144 IN. Alex Katz. Collection of Michael Judy Ovitz

Lawn Party (1965). © Alex Katz. Colección de Michael y Judy Ovith. En ttamayo.com

 

Pasan las décadas y Katz continúa desarrollando su particular visión del realismo en pintura. Durante los años 70 prosigue con sus retratos en grupo, donde plasma a la gente que le rodea en actitud relajada, lejos de la pose y generando atención sobre el instante concreto. Las décadas finales del milenio suponen un giro a su interés por los rostros: la pintura de Katz se vuelve, en sus propias palabras, “ambiental”. Son años de grandes pinturas de paisaje que buscan generar un efecto envolvente sobre quien las contempla. Es el viejo conflicto entre fondo y superficie, que obsesiona a Katz desde sus inicios; el artista no deja de buscar nuevas formas plásticas para plasmar su inquietud. En estas pinturas los bordes se suavizan y difuminan, y la técnica pictórica cobra nuevo protagonismo. Katz también se interesa por la forma de plasmar la luz y su interacción con las siluetas, en este caso con los árboles: en el año 1986 realiza una serie de obras nocturnas que le obligan a buscar nuevos recursos. Este nuevo interés sobre el diálogo entre la luz y las ramas de los árboles se mantendrá en las décadas posteriores, apareciendo de forma regular en muchas obras realizadas por el artista en los 90 y en la primera década de los 2000.

 

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Forest. Litografía y grabado al linóleo. 2009. En moma.org.

 

 

Pintura, tecnología y plástica al servicio del arte

 

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Small Wave (2020). En ropac.net

 

Los retratos de Katz experimentan otra sutil variación en la segunda década de los 2000. A partir del 2020 los recortes se vuelven más drásticos en los rostros y los primeros planos individuales. Al mismo tiempo, empieza a realizar nuevos formatos de retrato múltiple a base de fragmentar las imágenes y colocarlas a modo de secuencia. El formato cut out responde perfectamente a esta línea de investigación: Katz sigue produciendo obra de este tipo sobre planchas de aluminio. Al igual que otros grandes artistas en constante evolución, como David Hockney, no se cierra a las posibilidades que ofrecen las nuevas tecnologías y decide utilizar su iPhone para tomar fotografías, imprimirlas y fijarlas en collages y cut outs. Es solo el primer paso del proceso: son solo bocetos que más tarde reproducirá al óleo, en lienzos a gran escala.

 

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Flowers (2020). En ropac.net

 

Durante los últimos años Katz ha renovado el interés por la pintura al aire libre de sus inicios, reproduciendo escenas de naturaleza (flores de gran tamaño y paisajes) de parajes como Pensilvania, donde realizó una serie con más de 50 pinturas durante el verano de 2020, en plena pandemia. A día de hoy sigue viviendo en Maine, EEUU, y continúa trabajando en su obra.

 

Exposiciones

 

Give me tomorrow. Tate St. Ives, Cornwall (2012)

 

 

Esta exposición reunió más de 30 piezas fundamentales de la obra de Alex Katz, incluyendo lienzos, obras gráficas y sus célebres cut outs. La galería, situada en un ámbito costero, decidió elegir como leitmotiv de la muestra las escenas de verano y playa que tan bien supo reflejar Katz: marinas, arenales, escenas de vacaciones familiares y paisajes al sol. Las obras se acompañaron de una serie de piezas propiedad de la Tate Collection, realizadas por otros artistas y elegidas por el propio artista para dialogar con su trabajo.

 

 

Paisajes. Museum Haus Konstruktiv, Zurich (2013)

 

 

El Haus Konstruktiv fue el primer museo de Suiza en dedicar una gran retrospectiva a Alex Katz. Para ello el centro escogió la temática del paisaje, recurrente en la obra del pintor norteamericano. Paisajes entendidos más como territorio humano que como escenarios naturales, y que en la muestra coexistieron con distintos retratos y pinturas de figuras humanas realizados por Katz desde 1959 hasta entonces.

 

 

Aquí y ahora. Museo Guggenheim Bilbao (2015-16)

 

 

35 obras mostradas “tal y como se sienten y perciben en el momento presente, ahora”. Así definieron su contenido los responsables de esta exposición, que analizó el desarrollo de los paisajes y los escenarios en la obra de Alex Katz desde sus inicios hasta la fecha. En la muestra el museo decidió dar relevancia a los paisajes por encima de los retratos, mucho más conocidos. 

 

   

Cut Outs. Galería Paul Kasmin, Nueva York (2018)

 

 

Los cut outs de Alex Katx son una parte fundamental de su producción artística. Figuras recortadas y pintadas o impresas, son imágenes que escapan de la bidimensionalidad de la pared para ocupar un espacio físico en el mundo tridimensional. La exposición se centró en la investigación desarrollada por el artista acerca de las propiedades de la percepción visual y de la relevancia que adquieren las superficies cuando se convierten en figuras humanas.

 

 

Flowers. Thaddeus Ropac, Seúl (2022)

 

 

En el verano de 2021, Alex Katz se dedicó a pintar flores de gran tamaño en su casa de Maine (EEUU). El objetivo: conseguir que las pinturas crearan la misma sensación que ver una flor real. La misma “brillantez”, en sus propias palabras. Al año siguiente, el Museo Thaddeus Ropac de Seúl organizó una exposición con las obras pintadas durante ese periodo.

 

   

Alex Katz. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid (2022)

 

 

La exposición sobre la obra de Alex Katz organizada por el Museo Thyssen de Madrid tenía como objetivo zanjar una deuda que la ciudad tenía con el artista: inaugurar una retrospectiva de su obra. Decenas de lienzos, esculturas, grabados y cut outs del artista americano se dieron cita en las salas del centro para conformar una visión global de su obra, perfecta para redescubrir a uno de los pintores contemporáneos más influyentes de la actualidad.

 

Libros

 

Alex Katz:. Pinturas recientes (2005). Ed. Gestión Cultural y Comunicación

Este catálogo se publicó con motivo de la exposición sobre Alex Katz organizada en el año 2005 por el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga. En sus páginas es posible admirar múltiples obras del autor reproducidas a toda página, incluyendo paisajes y retratos. Un libro esencial para descubrir algunas de las últimas obras realizadas por Katz a principios del milenio, y para conocer de cerca la investigación realizada por el artista sobre sus temas plásticos más recurrentes.

  

Alex Katz: An American way of seeing (2010). VV.AA. Ed. Kerber

'Una manera de ver americana': así subtitulan sus editores este libro sobre la obra de Alex Katz, uno de los más importantes sobre el artista. Considerado un cronista fundamental de la vida moderna en Norteamérica, además de un precursor, Alex Katz se dedicó a retratar de forma expresiva y minimalista los rostros de Nueva York y sus paisajes desde la década de los 50. Sus obras son enigmas más que retratos, que a menudo interrogan en lugar de contar. El libro incluye reproducciones de obras célebres pintadas a partir de 1968, incluyendo pinturas, grabados, cut outs y obras con formato multipanel.

 

Alex Katz: Flowers (2019). Con poema de James Schuyler. Richard Gray Gallery 

La galería Richard Gray organizó en 2019 la exposición Alex Katz: Flowers, que también viajaría a Seúl. Con motivo de la muestra, los responsables decidieron publicar un catálogo que recoge las pinturas al óleo a gran escala que conformaron la selección de la muestra. Los lienzos reproducen lirios de gran tamaño, y dialogan con una serie de íntimos bocetos sobre tabla. El libro aporta una mirada más a fondo sobre el interés declarado de Katz por la pintura al aire libre, en el entorno natural. La publicación reúne las trece obras de la exposición y las acompaña del poema 'Salute', de James Schuyler.

 

Leer más:

 

 

- Alex Katz: Biografía, Obras y Exposiciones -                                - Alejandra de Argos -

Wayne Thiebaud es célebre por sus cuadros donde revive la esencia de Norteamérica en forma de mostradores de pastelerías, paisajes y retratos. Su obra se aleja de la escuela pop para marcar un camino personal y único, con una evolución permanente que parte de la observación y la imaginación

“Es en la sombra donde tiene lugar toda la luz” (Wayne Thiebaud) 

00.Wayne Thiebaud California College of Art

Wayne Thiebaud. En voorlinden-nl

  

Si algo son las pinturas de Wayne Thiebaud, es precisamente eso: luz, color y presencia. A pesar de ser un artista cuya obra no ha tenido mucha difusión en Europa, en Estados Unidos está considerado una figura emblemática del arte del siglo XX y principios del XXI. Thiebaud, fallecido en 2021 a los 101 años de edad, fue muchas veces incluido en la escuela del Pop-Art; sin embargo, él nunca se consideró parte del movimiento y renegó de la obra de algunos de sus máximos exponentes (Andy Warhol, sin ir más lejos). Desde sus primeros tiempos como dibujante de viñetas en los estudios Disney hasta sus últimos años de vida, el artista no dejó de buscar la esencia de objetos, personas y paisajes a través del color, la pincelada y una engañosamente banal elección de los temas. En los años 2020 y 2021, dos de sus obras se vendieron en subasta por 8,4 y 19 millones de dólares, respectivamente: el mercado se rindió por fin a la excelencia de un creador cuya humildad, esfuerzo y pasión por el arte y la enseñanza rigieron toda su vida. 

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Encased cakes (2010-11).En sothebys.com

 

Adolescencia y juventud en California. Disney y la II Guerra Mundial

Wayne Thiebaud nace en Mesa, Arizona en 1920. Sin embargo, su infancia y su adolescencia están íntimamente ligadas a Long Beach, la localidad costera de California a donde su familia se mudó cuando Thiebaud solo contaba con 6 meses de edad. Sus pinturas parecen bañadas por el sol californiano, y vibran con colores y formas inspirados en los drugstores y los puestos de helados y perritos calientes que acompañaron sus primeros años de vida. El futuro artista demuestra desde muy joven su pasión por el arte: con tan solo 15 años empieza a trabajar a tiempo parcial como diseñador de carteles para funciones teatrales. Un año después consigue un trabajo de verano como becario en los Walt Disney Studios. Su misión era dibujar lo que se conoce como in-betweens, fotogramas empleados en las películas animadas para crear como Goofy, Pepito Grillo o Pinocchio. Ya en su adolescencia, Thiebaud aprende el valor del esfuerzo y del trabajo; aspectos que no dejaría de aplicar a su obra posterior, y que transmitiría incansable a los miles de alumnos que pasaron por sus clases.

 

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El Cabo Wayne Thiebaud dibujando su tira cómica, Aleck, en 1943. Foto: cortesía de Wayne Thiebaud para sactownmag.com.

 

Los años de la depresión provocaron que la trayectoria del joven creador se enfocara hacia el arte comercial, aunque su atracción por las artes plásticas era más que patente. Thiebaud se forma en la Long Beach Polytechnic School y en el Frank Wiggins Trade School, actualmente Los Angeles Trade-Technical College. Sin embargo, el estallido de la II Guerra Mundial le obliga a enrolarse en las Fuerzas Aéreas, donde permanece lejos de la línea del frente gracias a su talento para el dibujo. Gracias a su experiencia con Disney, Thiebaud es asignado al Departamento de Servicios Especiales para trabajar como ilustrador y humorista gráfico. Más adelante pasará a formar parte de la Unidad de Películas de la First Air Force, comandada por aquel entonces por el actor y futuro presidente Ronald Reagan.

 

Los años 50 y 60: pasteles, golosinas y escaparates

 

Finalizada la Guerra, Wayne Thiebaud se reincorpora a su actividad como artista comercial. Siguiendo el consejo del artista expresionista abstracto Robert Mallary decide terminar sus estudios de arte. Por aquel entonces tiene ya 30 años y está casado; en 1945 y 1951 nacerían sus dos hijas. Para mantener a su familia sin tener que abandonar sus estudios, Thiebaud empieza a trabajar como profesor de arte. La docencia se convirtió en una de sus pasiones, y no la abandonaría hasta los años 90. Esto no impidió que entre 1956 y 1957 decidiera tomarse un año sabático en Nueva York, donde entraría en contacto con grandes artistas de la época como Robert Rauschenberg o Jasper Johns, entre otros. Es en este momento cuando empieza a explorar su propio camino como pintor: sus conocimientos de arte comercial, su pasión por el color y la luz y su talento para el dibujo realista le empujan a realizar sus primeras obras. En ellas queda ya patente el interés de Thiebaud por retratar imágenes de comida, repostería y escaparates.

 

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Around the cake (1962). En artblot.wordpress.com

 

A su regreso a Sacramento, California, el joven artista no encuentra suficientes galerías donde exponer sus nuevos lienzos. Decide mostrar su obra en tiendas, restaurantes e incluso en la cafetería de un teatro. Aunque su experiencia neoyorquina le inocula unos intensos deseos de seguir pintando y desarrollando su estilo, Thiebaud no se siente integrado en el mundillo artístico de la Gran Manzana; aun así, es esta ciudad la que le ofrece la tan esperada oportunidad. En 1962, el galerista y marchante Allan Stone acepta representarle: es el comienzo de una larga relación, tanto laboral como de amistad. Stone no duda en describirle como “un gran pintor, cuyo toque mágico solo se ve superado por su auténtica modestia y su genuina humildad”. Además de exponer en la galería de Stone, la obra de Thiebaud es incluida en dos exposiciones colectivas fundamentales para comprender el devenir del Pop-art norteamericano (aunque él nunca se consideró un artista pop). Hablamos de la célebre New Painting of Common Objects, organizada por el Pasadena Art Museum, y la International Exhibition of New Realists en la Sidney Janis Gallery.

 

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Two seated figures (1965). En flickr.com/photos/dnet/31664876138

 

Wayne Thiebaud se divorcia en 1958. Poco después se vuelve a casar con la cineasta Betty Jean Carr, y nace su hijo Paul, quien años después abrirá su propia galería. Entonces se convertirá en representante de la obra de su padre, tras el fallecimiento de Allan Stone en 2010. A mediados de los años 60 el artista entra en contacto con el mundo de las artes gráficas, realizando sus primeros grabados en Crown Point Press. Lejos de seguir el camino de otros artistas de la escuela pop como Warhol, en lugar de crear imágenes inspiradas en la publicidad decide centrar su obra sobre papel en los retratos y los paisajes. Obras,como Palms (1965) lucen una radical ausencia de color y de trazo que las acerca a la pura abstracción y a otras escuelas que vendrían décadas más tarde, como la minimalista. Durante los años siguientes, Wayne Thiebaud continuará desarrollando su carrera artística sobre lienzo y papel, manteniéndose fiel a sus temas centrales: los retratos, la comida y los paisajes, muchas veces cercanos al trabajo de otros artistas icónicos norteamericanos, como Edward Hopper.

  

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Palms (1965). En flickr.com/photos/rocor/31558690895

  

Memoria, imaginación y observación. Una obra tan rica como extensa

 

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Sunset Streets (1985). En sfmoma.org

 

El [arte] es una maravillosa combinación de memoria, imaginación y observación directa. Tiene mucho que ver con el anhelo. […] Lo que me interesa y siempre me ha interesado es la maravillosa búsqueda de las posibilidades de la pintura, así como estar dispuesto a correr riesgos y a probar cosas que pueden no parecer lógicas”. Estas palabras, reflejadas en el catálogo de una de sus últimas exposiciones, reflejan a la perfección la esencia de la obra de Wayne Thiebaud. Durante los años 80 y 90 y las dos primeras décadas del siglo XXI continúa trabajando y desarrollando nuevos puntos de vista, cercanos incluso a la abstracción geométrica (como se puede comprobar en obras como Sunset Streets, pintada en 1985). 

 

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Counter Woman (2015). En artbasel.org 

 

Al mismo tiempo, como artista sigue investigando las posibilidades del realismo más cotidiano en sus pinturas de escaparates y repostería, cada vez más precisas, elegantes y personales. Todo, sin renunciar a su interés y pasión por el dibujo y el grabado, en los que refleja el mundo comercial que siempre le fascinó junto con la soledad inherente al ser humano. Rasgos que quedan patentes en obras como el sobrecogedor grabado a punta seca Counter Woman, de 2015. Wayne Thiebaud fallece en 2021 a los 101 años de edad, dejando una obra sólida y relevante que, cada vez más, se revela como uno de los cimientos de la pintura contemporánea.

 

Exposiciones

 

Wayne Thiebaud: Prints and works on paper (2015)(2003). Sims Reed Gallery

 

 

La prestigiosa galería londinense centrada en obra impresa y sobre papel dedicó en 2015 una exposición al trabajo gráfico de Thiebaud. Sorprendentemente, se trata de un artista cuya obra se ha expuesto pocas veces en Europa, algo que muchas galerías e instituciones han decidido solucionar en los últimos tiempos. Thiebaud pensaba que no existe ninguna jerarquía que dé más importancia a las obras sobre lienzo, frente a las ejecutadas en papel. De hecho, consideraba que este soporte tiene “una belleza y una eficacia únicas y muy especiales”.

 

 

Wayne Thiebaud, Dibujante (2018). The Morgan Library & Museum, NY

 

 

La obra de Thiebaud no consiste únicamente en coloridas imágenes de postres o de paisajes urbanos. El artista también desarrolló un importante trabajo de dibujo sobre papel, un talento que demostró desde su juventud, cuando trabajó como ilustrador y dibujante de animación. En esta exposción, la institución cultural y artística neoyorquina realizó una gran selección de obra que incluyó imágenes de mostradores de pastelería, figuras solitarias en las calles de San Francisco y otras escenas clásicas del imaginario del artista. Todas ellas, rebosantes de poesía y nostalgia. 

 

 

Wayne Thiebaud (2018). Museo Voorlinden, Holanda

 

La difusión de la obra de Thiebaud en Holanda no se quedó en la iniciativa de Londes. El mismo año, el Museo Voorlinden de Arte Contemporáneo de Holanda presentó la primera retrospectiva del artista, del que señalaban “colocó la vida cotidiana norteamericana en el núcleo de su práctica”. La muestra reunió un total de sesenta obras, realizadas entre 1961 y 2018.

 

 

Wayne Thiebaud: Clowns (2021). Laguna Art Museum, California

 

 

En diciembre de 2019, Wayne Thiebaud expuso por primera vez una selección de obras de su serie sobre payasos en la galería de su hijo, Paul Thiebaud. La muestra que inauguró en 2021 el Laguna Art Museum de California cogió el testigo de la galería para su muestra Clowns, formada por más de 40 piezas. A lo largo de 12 años el artista realizó docenas de pinturas, dibujos y grabados protagonizados por payasos, personajes a los que empezó a admirar de niño durante las funciones que el Circo Ringling Brothers celebraba en Long Beach.  

 

Wayne Thiebaud 100: Paintings, Prints, and Drawings (2021-22).

The McNay Museum, San Antonio, Texas

 

 

El título de esta exposición se refiere a las 100 obras seleccionadas por el museo, a través de las cuales el público pudo recorrer la trayectoria y la vida del artista como piezas icónicas y representativas. La muestra incluyó todos los temas, soportes y técnicas empleados por Wayne Thiebaud a lo largo de su carrera. 

 

Libros

 

Wayne Thiebaud. 70 years of paintings (2007). Gene Cooper. Edición: Laguna Art Museum & Palm Springs Art Museum

En el año 2007, el Laguna Art Museum de EEUU inauguró una gran exposición retrospectiva con piezas seleccionadas de la producción de Wayne Thiebaud, desde sus inicios hasta la fecha. Con motivo de la muestra, el museo editó y publicó este catálogo de 110 páginas en las que se reproducen las 84 piezas que formaron parte de ella. El libro incluye también un prólogo de Bolton Colburn, y un ensayo escrito para la ocasión por el comisario de la exposición, el Dr. Gene Cooper.

  

Wayne Thiebaud. Lectures on Art and Drawing (2018). Wayne Thiebaud y L.G. Williams. CreateSpace Independent Publishing Platform.

Durante cuatro décadas, Thiebaud ejerció como professor en la University of California Davis hasta su jubilación a los 70 años. La docencia fue siempre una de sus pasiones, junto con la pintura y el tenis; como profesor, el artista ayudó a miles de estudiantes a comprender e interiorizar la maravilla de la creación artística. Este libro recoge por primera vez las famosas conferencias impartidas por Thiebaud durante sus años docentes, incluyendo Iniciación al Dibujo, Dibujo Descriptivo, Dibujo del Natural, Iniciación a la Pintura, Grabado y Teoría y Crítica.

 

Delicious Metropolis: The Desserts and Urban Scenes of Wayne Thiebaud (2019). Chronicle Books

Delicious Metropolis hace dialogar dos de los temas más habituales y celebrados de la obra de Wayne Thiebaud: los postres y los paisajes urbanos. Cuando se confrontan en las páginas del libro, emergen fascinantes yuxtaposiciones en las que las capas de un pastel napolitano reflejan las sombras que caen sobre una calle a última hora de la tarde… Y los tonos pastel de los bizcochos helados reproducen las casas de mil colores de los paisajes californianos. A través de las imágenes, el lector es guiado por una serie de ensayos escritos por comisarios, críticos y artistas: una forma refrescante, profunda y accesible de aproximarse a la obra de uno de los artistas más relevantes y sólidos de la Norteamérica de los siglos XX y XXI.

 

 

- Wayne Thiebaud: Biografía, Obras y Exposiciones -                                - Alejandra de Argos -

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