Alejandra de Argos por Elena Cue

La Tate Modern de Londres acoge este verano algunas de las más ambiciosas exposiciones que podemos encontrar en los principales centros de arte europeos.

Actualmente, se muestra una retrospectiva de una singular artista: Sonia Delaunay: The EY exhibition, que tendremos ocasión de visitar hasta el 9 de agosto.

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Recientemente inaugurada también, Fighting History, el reflejo de la historia de Inglaterra a través de sus mejores pinturas.

A finales de junio, nos sorprenderán con una nueva muestra: Barbara Hepworth: Sculpture from a Modern World, una repaso sin precedentes con el que contemplar las mejores esculturas abstractas de la artista.

Sonia Delaunay

La exposición dedicada a Sonia Delaunay se puede visitar en la Tate Modern hasta el mes de agosto. Se trata de una retrospectiva, pero no al uso, no vamos a encontrar una sala con una colección pictórica, porque Sonia Delaunay fue mucho más que una pintora,  tendremos ocasión de pasear por la intimidad de la artista, moviéndonos entre obras, textiles, apuntes ,pudiendo incluso escuchar su voz. En definitiva, una experiencia que sin duda cautivará al espectador que visite la muestra.

Pero, ¿Quién fue Sonia Delaunay?

 

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Sonia, nació en Kiev en 1885, con el nombre de Sara y fue criada por su tío, Henry Terk en San Petersburgo. Henry Terk era un poderoso abogado y coleccionista de arte, por lo que Sonia creció en un ambiente cultural exquisito, conociendo museos y viajando.

Cuando tuvo edad, y después de una breve estancia  en Alemania,  se instala en París, donde estudiará pintura en La Palette, una de las mejores academias de la capital francesa.

Por aquel entonces, París, gozaba de ser una de las capitales más modernas de la época y por sus bulliciosas calles comenzaban a escucharse los ecos de las vanguardias.

Corría el año 1905, y Sonia comienza a perfilar lo que serían sus primera obras, con fuertes influencias de maestros como Gauguin y Van Gogh, sintiéndose atraída también por el arte fauvista. Mientras, no deja de experimentar, en una búsqueda de su propio estilo.

Su biografía es apasionante e intensa. Fue una mujer adelantada a su tiempo que supo aprovechar cada momento y adaptarsea cada situación. No podemos pasar por alto que se convirtió en la primera mujer a la que se le dedicó una restrospectiva en el Museo del Louvre estando viva.

 

primera etapa2

 

En 1908 conoce a Wilhelm Uhde, marchante de arte, con el que vive un matrimonio de conveniencia, él era homosexual y ella sería su tapadera, a ella le serviría para poder introducirse en el mundo del arte parisino. Quid pro quo. Gracias a él, dueño de varias galerías, entra en contacto con artistas de la talla de Braque o Picasso.

Poco después, en 1910 conocería a Robert Delaunay, en una de las galerías que gestionaba su actual marido, al verlo, supo que ya no se separaría de él.

Tras divorciarse de Wilhelm Uhde, se casan, adoptando Sonia su apellido, pasando a llamarse como hoy se la conoce: Sonia Delaunay.

 

matrimonio

Del matrimonio nacerían un sinfín de ideas y proyectos artísticos que llevarían a cabo a lo largo de su intensa vida juntos, que sólo terminó cuando éste muere en 1941 debido al cáncer que padecía.

En 1911 nace su primer hijo, y Sonia, que empezaba a experimentar con el trabajo de las telas, le teje una manta con formas geométricas (que hoy se encuentra en el Museo Nacional de Arte Moderno de París). Sería el comienzo fortuito de su aventura textil.

La artista trabajaba mano a mano con su marido, aunque prefería mantenerse en un plano más discreto. Ambos coquetearon con el cubismo y la abstracción, pero son abanderados de una nueva tendencia bautizada como "orfismo". El Orfismo, fue una expresión artística que buscaba superar al cubismo, utilizando unicamente la luz y el color y prescindiendo de elementos figurativos. Tiene una lectura expresionista, contrastando colores no para que se fundan, si no para realzar su independencia. Debe su nombre al mito de Orfeo, y fue bautizada así ,por Apollinaire en la Galería Der Sturm de Berlín, en una exposición en la que varios pintores mostraban una obra en esencia cubista, pero con matices más que diferentes del primitivo movimiento. El orfismo tuvo importantes influencias en otras corrientes estéticas, pero sobre todo en el grupo de El jinete azul (Der Blaue Reiter) como podremos observar en cuadros de Klee o Kandinsky.

 

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En 1913, Sonia, influenciada por su marido, comienza a trabajar en esas obras no figurativas y a experimentar con la superposición de colores. Las formas son las que dan movimiento a la composición, que cambia con la luz; como el propio Robert dice "nada vertical, nada horizontal, la luz lo deforma todo, lo desintegra todo".

 

cuaderno de sonia1

 

En 1914 mientras la familia Delaunay pasa sus vacaciones en nuestro país, estalla la guerra en Europa y deciden quedarse en España para no verse afectados por el conflicto.

Vivirían en Madrid y en la frontera galaico-portuguesa.

En Portugal, Sonia pintaría algunos de los lienzos que hoy se exponen en Londres, llenos de luz, que recuerdan más a una vuelta al impresionismo que empapaba sus primeras etapas.

También se interesa por el baile flamenco realizando en 1917 una serie de bailarinas.
Debido a la revolución Rusa, la artista no podía recibir dinero de su familia en San Petersburgo, lo que afectaría a la economía familiar.

 

sonia en su taller

En 1918 vuelven a instalarse en Madrid, y para tener ingresos añadidos a las pocas obras que vendían, Sonia, comenzó a dedicarse a las artes decorativas, y su interés por la moda le lleva a abrir una tienda en la capital: Casa Sonia, en ella,  vende trajes de su propia confección, inspirados en sus ideas orfistas, así como objetos antiguos que redecora a su gusto; la idea va teniendo éxito gracias a la ayuda de aristócratas que compraban en la tienda y hablaban maravillas de ella, haciéndose muy popular entre los barrios más burgueses, a pesar de que sus prendas se excedían en modernidad, para una España que vivía anclada en el pasado.

 

SoniaDelaunay bañadores

 

Su éxito llega a tal punto que confecciona los trajes para varios espectáculos, en los mejores teatros, como por ejemplo el del ballet ruso para la obra Cleopatra, o para la ópera Aida de Verdi en el Liceo.

 

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En 1920, una vez las cosas en el país galo parecían volver a su cauce, la pareja abandona la península y regresa a París, donde Sonia, animada por el éxito en España, inaugura otra tienda : Boutique Simultane. Convirtiéndose de nuevo en un éxito de ventas y popularidad.

Se dejará seducir por el dadaismo y el surrealismo, colaborando con grupos de artistas para la realización de proyectos de teatro y cine.

 

sonia taller vestido

En sus diseños de moda, muy en boga en el París de la época, llega a contar con las manos de Cocó Chanel para ayudarla. Pinta telas a mano dándoles un aspecto único.

Algunas de sus clientas fueron grandes actrices de la época como Greta Garbo.

Uno de los videos que se exhiben en la exposición, es precisamente un desfile de los años 20 con sus diseños.

 

boutique de Sonia Delaunay

A partir de la década de los 30, dedicada por completo a la pintura (dado que la crisis le obliga a cerrar la boutique) vuelve a colaborar de cerca con grupos que apostaban por la abstracción, siendo miembro fundador de Realités Nouvelles (1939).

En el año 1941 cuando Robert, su marido, fallece debido al cáncer, ella, como profundo homenaje, decide poner todo su empeño para que la obra de Robert se conozca.

En 1964, dona obras al Louvre, y el Museo le dedica una retrospectiva, convirtiéndose en la primera mujer de la historia en conseguirlo.

 

sonia obra

 

Nunca dejó de pintar, hasta la fecha de su muerte en 1979.

En París, ciudad que consideraba su hogar, fue enterrada junto a su marido, Robert.

A raíz de su muerte el mundo del arte comenzó a cuestionarse si el talento de esta mujer estuvo siempre oculto detrás de su marido y si había recibido la importancia que realmente se merecía. Ella misma en una entrevista llegaría a decir que vivió más para su esposo que para ella misma, de lo cual no se arrepentía en absoluto. 

El Tate Modern nos asoma, con esta muestra, por una ventana, a contemplar, a través de sus obras, la vida de una mujer luchadora, cosmopolita, vanguardista y valiente, artista en todos los sentidos que se adaptaba a los tiempos, y que supo poner su esencia en cada objeto que tocaba, convirtiéndolo en una obra de arte. 

 

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The EY Exhibition: Sonia Delaunay se puede visitar en la Tate Modern de Londres hasta el 9 de agosto.

 

 - Sonia Delaunay: The EY Exhibition -                           - Página principal: Alejandra de Argos -

 

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El nuevo camino que ha tomado Miquel Barceló en la exposición que presenta en la galería Thaddaeus Ropac nos sumerge en los fondos marinos que él tan bien conoce: sus grandes, pero al mismo tiempo, livianas pinturas salen del fondo del mar para mostrar las belleza que solo unos pocos han tenido la fortuna de disfrutar al natural. «Cuando salgo del taller es para tirarme al agua. Siempre estoy sumergido. Menos respirar agua de mar, lo he hecho todo, también beberla», explica.

 

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Con L´inasséchement, el artista nos muestra un universo de agua, de contornos de carbón que recuerdan los pigmentos del arte rupestre. En estos lienzos de gran formato pintados en su isla de Mallorca, recurre a un mundo submarino salpicado de pintura que todo lo difumina, de relieves de arena y restos de especies marinas, incorporando al propio animal en ocasiones, incluso utilizando tinta de calamar. Como si de un enclave arqueológico se tratase, consigue reflejar las huellas del paso del tiempo en la naturaleza y, al mismo tiempo, retrotraernos a nuestros los orígenes.

 

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Este apasionado del buceo ha conseguido que quien visite esta exposición, sienta la sensación de sumergirse en el mar, de bucear contemplando los fondos rodeado de las diecisiete grandes telas que la componen, como Double Apnée o La Dinamique de l'Inassèchement. Al igual que ocurre bajo el agua, las figuras parecen diluirse entre el fondo. Él mismo desvela sus sensaciones al crear su arte: «He estado buceando durante largo tiempo. Cuando trabajo en grandes pinturas en el suelo, es como si yo buceara libremente. Me sumerjo. Hago los movimientos adecuados, o al menos lo intento. Aguanto la respiración, contrarresto la presión... Entonces salgo soplando agua de mar a través del esnórquel... o como si... Este sería el ritmo de mis pinturas; los sucesivos minutos de contener la respiración».

 

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Si hay un factor fundamental en la obra de Barceló es el tiempo: el que tardan sus obras en secarse o, como en su serie cadaverina (cajas con pequeños animales en descomposición), la transformación que produce en su obra. O la ausencia de él pues, como dice Barceló en el prólogo del catálogo confiado a Enrique Vila-Matas: «A veces veo a Miró pasar en taxi por el paseo marítimo» como si volviese a sus años de juventud que coincidieron con la estancia del maestro catalán en Mallorca. Visión alegórica que, sin duda, sirve de reconocimiento al gran artista con el que mantuvo tan buena relación. Y, desde luego, se adivina la influencia de aquel reinventada con la técnica que solo el artista mallorquín es capaz de aplicar.

 

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Los parisinos están de suerte y, quien no tenga la oportunidad de visitar L´inasséchement, en la primavera de 2016, en el Museo Picasso y en la Biblioteca Nacional de Francia, tendrá lugar una gran exposición de la obra de Barceló.

 

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L'inassèchement

Galerie Thaddaeus Ropac. París

Del 25 de abril al 31 de mayo de 2015.

 

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Ver también: 

 

- Miquel Barceló. L´inasséchement -                              - Página principal: Alejandra de Argos -


0 Blanca-Mu-oz-MMA-2015-Completo-52

 

Blanca Muñoz, la escultora que moldea el rígido acero inoxidable como si de arcilla se tratase, vuelve a la Galería Marlborough para exhibir algunas de sus obras más recientes. La pieza principal, Tornasol, una escultura monumental que da título a la exposición, está acompañada por otras obras de menor tamaño, pero no menos sugerentes. El proceso que este trabajo en acero inoxidable exige es complejo y costoso: el material laminado y lacado se consigue en el Reino Unido, se perfora en España y se monta en su taller de Rumanía. Por ello agradece el soporte económico de la Fundación BBVA, con su Ayuda a Investigadores y Creadores Culturales, que ha hecho posible la creación de una obra de tal magnitud.

 

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Y es que lo que en su origen eran varillas rectas y chapas planas de acero inoxidable perforadas, la escultora madrileña consigue transformarlas con un acabado impecable pese a la dificultad que encierra el trabajo con este material, consiguiendo el fin que persigue: explorar la transformación de la materia. Esto se ve perfectamente en piezas como Revoltosa, Escarlata o Tabú, en las que la versatilidad se logra gracias a la luz que reciben y las sombras que proyectan que, dependiendo de cómo y dónde se coloquen, hacen que la obra cambie completamente. Es aquí donde toma sentido la elección del término que da título a la exposición y que indica el reflejo que la luz hace en algunas telas o superficies muy tersas.

 

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La obra de Blanca Muñoz siempre se ha inclinado hacia la escultura, incluso cuando en sus comienzos se dedicaba al grabado (consiguió Premio Nacional de Grabado en 1999), pero se fue enriqueciendo con las influencias recibidas en los países en los que estuvo viviendo (Roma, México y Reino Unido), y con las técnicas y las diferentes escalas con las que ha trabajado: tan pronto realiza joyas como esculturas monumentales de arte urbano. Fue durante su estancia en México, tras dos años en Roma como becaria, cuando, debido al cambio de latitud, se modifica su percepción de la sombra y en sus esculturas empieza a interesarse por la orientación del sol, fundamental para determinar la posición de los objetos en el espacio, lo que le hizo evolucionar desde la gráfica plana a la escultura.

 

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Obras como Atrapada, Enlazada o Flamenca parecen líneas trazadas en el aire que definen, por medio de las sombras que se crean al incidir la luz sobre ellas, la unión entre la materia y la nada.

 

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Áurea (I-II) y Albina (I–II) muestran una nueva línea de trabajo combinando varillas de acero inoxidable con cerámica, que recuerdan a las primeras esculturas surgidas de su trabajo en el grabado.

 

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La artista consigue crear volúmenes cambiantes que no dejan a nadie indiferente, dotando de movimiento el frío acero. Por medio del troquelado de las planchas y del uso de colores que, debido a su rareza, debe encargar en el Reino Unido, consigue el efecto mágico que ella misma explica: «Al observar una escultura de chapa perforada en color a gran escala se genera un puntillismo dinámico, un objeto estático que parece moverse, un volumen que se transforma cuando el espectador lo rodea y que continuamente cambia con la incidencia de la luz».

 

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Sus formas deben ser vistas en movimiento, desde distintos ángulos, pues lo que ella intenta transmitir es el sentimiento de unidad del ser humano con la naturaleza y que nuestra posición está determinada por los astros: lo que puede parecer una vuelta al pensamiento primitivo, se trata en realidad de una reflexión muy evolucionada.

 

Blanca Muñoz. Tornasol. Sala Marlborough. Del 26 de marzo al 30 de abril

 

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0 William Tucker

 

Figura destacada del movimiento minimal, el artista de origen británico, William Tucker, expone por primera vez en solitario en España una amplia representación de su obra. La selección ha corrido a cargo de un experto en estas lides, el catedrático Kosme Barañano, comisario de la muestra compuesta por más de cien piezas realizadas entre los años ochenta y principios del dos mil, que permiten al visitante comprender el proceso creativo de su obra, gracias a las maquetas y dibujos que se exhiben entre las esculturas.

 

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Alguna de estas piezas, que a simple vista pueden parecer abstractas, en realidad son un regreso a la escultura figurativa, solo que a simple vista no se aprecia: es necesario que el espectador gire en torno a ellas, que las observe detenidamente para darse cuenta de que se trata de una interpretación que ha simplificado el concepto que representa. Según afirma el comisario en el catálogo «son masas primordiales al borde de la figuración, como grandes meteoritos caídos sobre la tierra».

 

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Inspirado por Auguste Rodin o Medardo Rosso, a quienes dice admirar, reproduce temas clásicos de la historia y de la mitología y los reinterpreta dejando el protagonismo a la materia… y de ahí el título de la exposición de Bilbao: Tucker. Masa y figura. Del primero elogia que «era un artesano, que sabía cómo hacer sus propias esculturas. No era como la gente actual que tiene una idea y le pide a alguien que se la haga».

 

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En sus inicios, allá por los años setenta, el artista dio preferencia a lo abstracto sobre lo orgánico mediante el uso de nuevos materiales, como el plástico. Sin embargo, a comienzos de los ochenta, vuelve a la escultura figurativa dando una interpretación simplificada. Estas son las obras que Barañano ha elegido para mostrar la forma de trabajar de Tucker: 24 obras de tamaño grande y mediano, 24 maquetas y 57 dibujos; con ello, el visitante podrá comprender cómo se ha abordado el modelado y cómo ha hecho para extraer la esencia de la materia, la fuerza vital de la masa.

 

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Se podrá ver, por ejemplo, la maqueta de Maia, un torso femenino se brota de la tierra, cuyo original está colocado en el Paseo Abandoibarra de Bilbao, y que sugiere, como Demeter o Eve, la primitiva idea de la fecundidad.

 

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Representando el tema de las cabezas, Homage to Rodin, Emperor o The Hero at Evening. También se hayan presentes otras cuatro cabezas denominadas Our Leader, Good Soldier, Persecutor o Sleeping Musician, o  varias cabezas de caballo, denominadas simplemente Horses.

 

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Entre las reinterpretaciones de otras obras clásicas, se han traído Night, revisión de La Noche de Miguel Ángel en la Capilla Medici, The Void, de las Manos sosteniendo el vacío de Giacometti o Chimera, inspirada en un yeso de Brancusi. Tethys, Kronos y Rhea son tres masas que representan las fuerzas telúricas y que, mediante el recurso a sus nombres míticos, Tucker consigue recrear unas fuerzas primarias antes de ser caracterizadas con sus atributos.

 

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A lo largo de la exposición el espectador puede hacerse idea de la forma de trabajo del artista, especialmente gracias a las maquetas y a los dibujos que utiliza para ensayar y perfeccionar la obra escultórica. El autor modela en yeso o arcilla piezas que parecen inacabadas y que el espectador ha de descubrir tras una atenta observación. Barañano comenta, acerca de estos dibujos, que la distancia y la perspectiva desde la que se ven determina lo que el observador capta: «Si se aleja, puede ver manos, torsos y cabezas, pero si se acerca al dibujo, solo contempla una serie de líneas abstractas, aparentemente sin sentido».

 

8 Masa

 

Ha conseguido que, lo que en un primer vistazo podría parecer un simple pedazo de material inerte, mediante una reinterpretación primitiva, se conviertan en fragmentos de formas que emiten una verdadera fuerza vital… ahí están sus torsos, manos, pies o cabezas para demostrarlo.

 

Tucker. Masa y Figura
Del 9 de junio al 14 de septiembre de 2015
Sala BBK

 

 

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- William Tucker: Biografía, Obras y Exposiciones -                  - Página principal: Alejandra de Argos -

¿Una nube? ¿Un iceberg? ¿Un barco? Quizá lo de menos sea qué representa e importe más lo que a cada uno le sugiera... al menos así lo afirma Bernard Arnault, el magnate francés que ha financiado el imaginativo edificio diseñado por Frank Gehry y que, como Museo de la Fundación Louis Vuitton, alberga ya parte de su colección de arte, en concreto, las obras de la segunda mitad del siglo XX.

 

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El espectacular edificio, enclavado en el Bosque de Bolonia en París, nace con la idea de convertirse en espacio dedicado a promover la creación artística y para ser la sede de su colección permanente y de exposiciones temporales; cuenta con un espacio multidisciplinar que podrá utilizarse como auditorio o sala de eventos, un centro de documentación interactivo y un café.

 

2 Edificio FLV


Este espacio se ha convertido ya en punto de atracción turística de París, y no solo por su contenido. Fruto del talento extraordinario de Frank Gehry que, como todos sus proyectos, supone un desafío técnico y un hito estético, este edificio, que asemeja una nube suspendida entre los árboles, se ha construido con 13.500 m2 de paneles de vidrio hechos a medida que se ondulan entre la exuberante vegetación del Jardín de Aclimatación, situado en el emblemático parque parisino, y al que se abren multitud de terrazas con vistas panorámicas. El arquitecto no ha descansado hasta «diseñar un magnífico buque en París que simboliza la vocación cultural de Francia» - Así explica Gehry su intención - «A imagen del mundo que está en constante cambio, queríamos diseñar un edificio que evolucione en función de la hora y la luz para crear una impresión de fugacidad y cambio continuo».

 

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Pues bien, desde el 17 de diciembre de 2014 hasta el 30 de marzo de 2015, se puede visitar en las galerías superiores de la fundación la segunda fase de la presentación de la colección del multimillonario Arnault, que se ha ido formando desde 2006 bajo la dirección de Suzanne Page, directora artística de la Fundación Louis Vuitton. En esta exposición se muestra una importante selección de obras de quince artistas de diferentes nacionalidades y generaciones. La muestra gira en torno a dos temas: uno, de enfoque expresionista, se centra en nuestra relación con el mundo en su contexto social y político, y en nuestros miedos y dudas; el otro tema explora una dimensión más poética y contemplativa.

 

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Entre los primeros, la polifacética alemana Isa Genzken (Alemania, 1948), con cuya obra intenta responder, de forma crítica y mediante la fantasía, al contexto urbano y social. Con su particular concepto de naturaleza muerta, su conocida Rosa II (2007) de 8 metros de altura, hecha en acero inoxidable y aluminio, da la bienvenida al visitante en el hall de entrada.

 

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En la Galería 7, están expuestas las obras del pintor abstracto Ellsworth Kelly (Estados Unidos, 1923), reconocido internacionalmente, que lleva a cabo su trabajo mediante la comunicación entre las formas y colores: líneas limpias y colores vibrantes y puros son el único contenido de su obra, pero integrado a la perfección en el entorno arquitectónico. Green Relief (2009), Red curve in relief (2009), Concorde relief (2009), Blue diagonal (2008), Purple curve in relief (2009) son cuadros que siguen el mismo principio: cada uno está compuesto por dos lienzos unidos, uno de ellos en color y otro blanco. Así mismo, al artista se le encomendó un trabajo específico para el edificio, concretamente para el auditorio: una serie de cinco paneles monócromos, que acompañan al telón formado por otros doce paneles, creados a partir de su parisina serie Spectrum de 1953 y hechos para resaltar la estructura del edificio.

 

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Mediante formas cómicas unas veces, angustiosas otras, pero siempre provocadoras, Maurizio Cattelan (Italia, 1960) denuncia la situación social de su tiempo. Por el momento retirado de la creación artística, su mensaje sigue vivo en sus obras, que intentan poner de relieve la incongruente intervención del ser humano en la naturaleza. Charlie don't surf (1997) es una más de las numerosas obras que, con el nombre de Charlie (en referencia al grito de guerra en la película Apocalipsis Now), representan el sufrimiento y el fracaso, en este caso el del propio autor en la escuela.


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Valiéndose de materiales del arte pobre (peluches, cojines, trozos de tela, papeles), objetos cotidianos y de desecho, e incluso de animales disecados, Annette Messager (Francia, 1943) recrea un mundo entre la ficción y la realidad, donde lo infantil y lo grotesco se mezclan para remover la conciencia del espectador, denunciando las contradicciones del mundo. Le masque rouge, La petite ballerine (2011) y Mes transports nº 7 (2013), algunas de sus obras más recientes, crean una atmósfera de inquietud y humor macabro.

 

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Interesado en la tecnología de la imagen de alta definición y sonido envolvente, Ed Atkins (Reino Unido, 1982) produce imágenes que él mismo describe como "ridículamente vivas y completamente muertas", representa una nueva humanidad híbrida que no tiene otro fin que desestabilizar el ánimo del espectador. En el vídeo US dead talk love (2012,) dos cabezas del propio artista modelado en 3D, desde dos pantallas paralelas, establecen un diálogo en el que reflexionan sobre el amor y la muerte. Even Pricks (2013) es el resultado de pensamientos en serie sobre la depresión y sus analogías físicas y psíquicas.

 

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Entre los contemplativos, Thomas Schütte (Alemania, 1954), para quien el tema de la figura humana es primordial, no importa ni el material ni el tamaño, todo le sirve. Empezó haciendo maquetas arquitectónicas y de ahí saca muchas de sus figuras, como L'Homme dans la boue (2009), un motivo repetido en su obra y que contiene una gran fuerza simbólica: representa por primera vez a un hombre atrapado, un zahorí, que, al estar hecho en yeso blanco y debido a su monumentalidad, se presenta ante el espectador como una aparición que simboliza las ansias de exploración del artista.


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Estas y muchas obras esperan a los amantes del arte contemporáneo, que ya tienen un nuevo aliciente para visitar la capital francesa y, si no es en esta ocasión, durante la primavera de 2015 tendrá lugar la tercera presentación, con temas de la colección de Arte Pop y trabajos relacionados con la música.

 

- Fundación Louis Vuitton: presentación de la colección, segunda fase -       - Página principal: Alejandra de Argos -

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