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Marlene Dumas es una artista sudafricana, nacida en Ciudad del Cabo en 1953. Durante su infancia residió en Kuilsrivier, Sudáfrica, donde hablaba su lengua materna Afrikáans. Se licenció en Artes Visuales en la Universidad de Ciudad del Cabo en 1975.
Recibió una beca de dos años y se trasladó a vivir a los Países Bajos, convirtiéndose el arte en su forma de expresión. Desde 1976 hasta 1978, trabajó impartiendo enseñanza en Ateliers '63, Haarlem y en otros institutos holandeses. Se dedicó a representar escenas o figuras a partir de archivos de fotografías propias, periódicos y revistas. Sus obras son auténticos retratos de la intimidad, en formatos pequeños, que despojaban los personajes de su entorno público, siempre con críticas de identidad o políticas.
Sus piezas son trampas figurativas que provocan desasosiego, un lenguaje del movimiento que se manifiesta en cada figura. Dibuja con insistencia y ambigüedad rostros de niños y adultos vivos, pero también muertos. En Dumas el grafo es una interpretación propia, con garabatos pero siempre seleccionados o subrayados, creando el sentido en cada color, como lo propone en su pieza “Waiting” de 1988.
Las obras producidas durante treinta años de trayectoria, fueron presentadas en una retrospectiva entre 2007 y 2009 llamada "Relaciones Íntimas". Es reconocida inicialmente en Japón y por primera vez en Sudáfrica, para finalizar en museos de arte de Nueva York, Los Ángeles y Houston.
Marlene Dumas en 1998 recibió el Premio Sandberg, junto a otras distinciones como el Premio de Arte Contemporáneo Coutts y el Príncipe Bernhard. En 2010 la Universidad de Rhodes Grahamstown, Sudáfrica, le otorgó el doctorado honorario de la Facultad de Humanidades y en 2011 recibió el Premio Rolf Choque. Sus creaciones forman parte de las colecciones de instituciones y museos internacionales, como el Centro Pompidou en París o la Tate Gallery, algunas de las cuales conservan sus piezas.
Comenzó a exponer en 1978 en el Museo Stedelijk, Ámsterdam, continuó en Basilea con Documenta 7 en 1982. Su primera exhibición individual fue en 1983 y un año más tarde en el Central Museum de Utrecht. Presentó su serie con collages, obras y textos de su autoría titulada "Ons Tierra Licht Lager dan de Zee", pero fue en 1985 cuando expuso sus pinturas “Ojos de las criaturas de la noche”. Dumas habla de sus piezas en “Dulce Nada” con nombres sorprendentes, textos y comentarios.
Participó en la exposición colectiva Arte de Europa en la Tate Gallery, en Londres durante 1987. Su obra se conoce en Europa y América en 1989 con su muestra “La pregunta de Pink Humano”, a la cual le siguió Documenta 9 en 1992. Con artistas contemporáneos como Gerhard Richter formó parte de Der Spiegel zerbrochene en 1993, y además expuso en Londres en la conocida Galería Frith Street con Thomas Schütte y Juan Muñoz. Representó a Holanda en la Bienal de Venecia en 1995 junto a otras dos mujeres, María Roossen y Marijke van Warmerdam. Participó en exhibiciones pictóricas colectivas relevantes en África y otros países, con “Pintura en el borde del mundo” en 2001 y “La pintura de la vida moderna” en 2007. La última década se ha destacado exponiendo en ciudades como Chicago, Venecia, Tokio, París o Nueva York entre otras.
Dumas se define como “coleccionista de imágenes”. Muestras como “Models” en Salzburgo y “Suspect” en Venecia, nos presentan imágenes de publicidad, modelos, cadáveres y objetos que se transforman en espectáculo. Agrupadas en categorías sus obras son naturalezas artificiales, parodias, deconstrucciones o comentarios, que se dibujan y pintan en acuarela o gouache. Una de sus piezas fue vendida por 2 millones de dólares, titulada "My mother before she became my mother" en el año 2011.
Actualmente tiene fijada su residencia en Ámsterdam, Países Bajos, donde continúa su labor artística. Marlene Dumas expone bajo el título “The Image as Burden” a partir de septiembre de 2014 hasta enero de 2015, en el Museum Stedelijk de Ámsterdam.
Es una gran pintora y artista, que enfatiza el cuerpo humano y el valor psicológico, pintando personas desde que nacen hasta que mueren. El ciclo de la vida manifiesta sus ideas sobre lo social, sexual o racial. Conserva apariencias sin concluir, con trazos de dibujos ligeros, casi ocultos, tal vez dramáticos. Dumas expresa imágenes prestadas, convirtiéndolas en confusas dentro de un terreno oscuro. Por los títulos de sus obras se comprende su grafismo y su lenguaje explícito, donde generalmente trabaja el retrato, además del desnudo que ruboriza al contemplar sus expresivas figuras. Marlene Dumas dice de su arte: "lo que está en juego… no es el medio artístico o su asunto, sino la motivación de los artistas, que se han vuelto sospechosos”.
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Antoni Tàpies escultor y artista plástico nació en Barcelona en 1923. Perteneció a una acomodada familia catalana del siglo XIX con tradición librera que incentivó su amor por la lectura. Sufrió una enfermedad pulmonar que le hizo abandonar los estudios de Derecho y, en el comienzo de su andadura artística, hacia los años cuarenta, expuso sus primeras piezas, destacando su obra gráfica. Debido a los estragos de la II Guerra Mundial y al impacto de la bomba atómica, expresó su interés por el polvo, la tierra, la materia y los átomos a través de técnicas innovadoras, llegando a ser estos elementos parte fundamental de todas sus pinturas matéricas.
Imagen: Antoni_Tapies, disponible en http://totallyhistory.com/
Con influencias de Klee y Miró, aumentó sus composiciones iconográficas, incorporando mayor expresividad y comunicación con texturas intensas además de algunos elementos geométricos. En los años cincuenta su fama se consolida a nivel internacional y en los sesenta empiezan a aparecer en su obra los primeros elementos o señas de identidad como signos representativos de Cataluña, pisadas, escrituras y objetos cotidianos. Tápies fue un artista de reconocido compromiso político que dejaba que sus ideas se reflejaran en su arte, así denunció la dictadura en sus cuadros, hasta los ochenta donde se restauró el estado de derecho y renovó sus propuestas con técnicas en aerosol, barniz o goma-espuma, creando esculturas de bronce. En esta etapa se dejó influenciar por el arte y la filosofía oriental acentuando el énfasis en la identidad de la naturaleza y en el ser humano, pero también en la materia o el universo que planteaba la nueva generación de científicos.
Imagen: L´Espirit catalá, disponible en http://www.laverdad.es/, 7 de febrero de 2012
De Antoni Tàpies hay que destacar también su fundamental creación de libros y carpetas y su faceta como ensayista, colaborando con escritores y poetas como Bonnefoy, Bouchet, Dupin, Guillén, Mitscherlich, Valente o Zambrano. Sus publicaciones han sido traducidas en varios idiomas y, entre algunos títulos cabría señalar: “La práctica del arte” de 1971, “Memoria personal” o “La realidad como arte” y las más actuales “El arte y sus lugares” además de “Valor del arte” en 2001.
Respecto a las obras de Tàpies en 1955, la más importante fue “Gran Pintura Gris”, con un equilibrio que reveló su potencial en la III Bienal Hispanoamericana de Arte en Barcelona.
Imagen: Gran Pintura Gris, disponible en http://www.tiempodehoy.com/, 15 de febrero de 2012
En 1963 su pintura “Blanco con Signo Rojizo” se subastó en Christie’s, Londres por 1,2 millones de euros, convirtiéndose en el artista español más cotizado.
Imagen: Blanco con signo rojizo, disponible en http://www.tiempodehoy.com/, 15 de febrero de 2012
En su obra "Materia sobre tela y collage de papel", concebida en el Ecuador en 1964, destacan las superficies arenosas con grietas y materiales apelmazados. Es el momento en el que Tapies destaca en Cataluña junto con los dos grandes genios Dalí y Miró, conformando el imponente trío de artistas catalanes del último tramo del siglo XX.
Imagen: Materia sobre tela y collage de papel, disponible en http://www.tiempodehoy.com/, 15 de febrero de 2012
De 2008 y ya al final de su vida destaca “Grattage Rojo” pintado a los 84 años. En este cuadro observamos los pies cortados representando los miembros amputados de la memoria humana. Posteriormente en su obra trataráde transmitir su reflexión ante el dolor, atenuando los efectos con influencias del budismo y dando a conocer su pensamiento físico y espiritual.
Imagen: Grattage Rojo, disponible en http://www.tiempodehoy.com/, 15 de febrero de 2012
Las obras de Tapies que han alcanzado récords en precios de subasta son, además de su pintura de 1963, "Azul LXIX" en óleo y arena que aparenta una galaxia entre ruinas en tonalidades azules, vendida en Christie's en 1,10 millones de euros en la primavera de 2007, saltando a la portada de todos los periódicos. Así mismo, el collage “Tierra, Tela y Papel” con geometrías, cruces, flechas y piedras, que pretende manifestar el desgaste del proceso a medio hacer, fue vendido en 2011 también en cifras muy elevadas.
Imagen: Azul LXIX, disponible en http://www.tiempodehoy.com/, 15 de febrero de 2012
Antoni Tàpies ha expuesto en los mejores museos del mundo entre ellos en el Museum of Modern Art y en el Guggenheim Museum de Nueva York,. También en ciudades como Berlín, Los Ángeles, Zúrich, Londres y en el Centre Pompidou de París. En España los sitios más destacados donde realizó sus muestras son el Museu d’Art Contemporani de Barcelona y el Museo Reina Sofía de Madrid.
En Barcelona creó la Fundación que lleva su nombre con el fin de promover el conocimiento y el estudio del arte contemporáneo, basándose en el análisis de la conciencia del ser humano en la modernidad. Allí se conservan 300 de sus producciones donadas por el autor.
Imagen: Cruz y Tierra, disponible en https://www.repro-arte.com/
Una prolífica carrera que señala a Tàpies como el gran renovador del arte contemporáneo español, así como un vanguardista del siglo XX. Murió en 2012 con 88 años. Siempre fiel a sus orígenes con un lenguaje pictórico diverso. Se inclina por temas tradicionales casi fetichistas, pero siempre revalorizando los materiales con obras permeables en lo social y político. Traduce a la perfección sus preocupaciones filosóficas, consolidando su pensamiento en el lenguaje artístico que se renueva en el tiempo.
Compartimos una entrevista del artista que nos permite conocer mejor su forma de pensar, una razón más para admirar su arte.
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Imagen (derecha): Cama, disponible en https://tallerdecartasdeamor.wordpress.com, 6 de enero de 2013
Imagen: Antoni Tàpies, disponible en http://trianarts.com/, 6 de febrero de 2015
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© 2014 Calder Foundation, New York/Artists Rights Society (ARS), New York
La Galería Gagosian presenta una amplia colección de acuarelas del artista Alexander Calder (Pennsylvania 1898, Nueva York 1976) en Nueva York. Estudió ingenieria mecánica y en 1923 se matriculó en una escuela de arte.
La colección que se ha dividido entre la galería de Madison Avenue y la que tiene Gagosian en Davies Street, Londres es una explosión de color donde las 58 piezas que se exhiben, contienen la restringida paleta de Calder; blanco, negro o brillantes colores primarios.
"ALEXANDER CALDER: Gouaches". © 2014 Calder Foundation, New York/Artists Rights Society (ARS), New York.
Alexander Calder es conocido por sus mobiles, bautizados así por Marcel Duchamp y consistentes en una técnica artística escultórica basada en alambres doblados y retorcidos con placas de latón que dibujan figuras en el espacio y que llevan un motor eléctrico o una manivela. Las estables fueron denominadas como stables por Jean Arp. Estas obras en movimiento le hicieron precursor del arte cinético. Durante su larga estancia en Aix-en-Provence en 1953 y al mismo tiempo que ejerce esta práctica escultorica, comienza a pintar estas acuarelas que continuará realizando a lo largo de su vida.
Motivos como las espirales, adornos arabescos, pirámides provenientes de Egipto o soles rojos de sus impresiones en Guatemala, entre otros, aparecen como evocacion del subconsciente.
"ALEXANDER CALDER: Gouaches". © 2014 Calder Foundation, New York/Artists Rights Society (ARS), New York. Photo by Mike Bruce
"What I produce is not precisely what I have in mind, but a sort of sketch, a man-made approximation. That others grasp what I have in mind seems unessential...as long as they have something else in theirs." Alexander Calder.
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Valeriano Cortázar. Palacio de Cibeles
El pasado 12 de Junio se inauguró en el Palacio de Cibeles de Madrid la exposición del artista Valeriano Cortázar. El Ayuntamiento de Madrid, a través de la cesión un espacio en sus oficinas, pretende acercar así el arte a los madrileños en su interesante programa "Correos con el Arte".
Este pintor madrileño, que dice sentirse cómodo en el informalismo y también en el surrealismo, ve en la pintura el método para expresar sentimientos y emociones libremente aunque tampoco abandona la representación de la figura, de la que dice querer expresar lo que tiene que ver con la actitud del hombre y sus creencias. Recurre entonces a figuras sin rostro, a las que distorsiona para potenciar su mensaje y cuyo volumen parece rozar casi la escultura.
En cuanto a los soportes y materiales reconoce no tener límites a la hora de seleccionarlos, tampoco a las influencias externas para dejar que las formas, las manchas y texturas vayan surgiendo libremente hasta concretarse en emociones y sentimientos.
"A veces un sentimiento místico me lleva a buscar la creatividad más pura, a una introspección donde surgen emociones y sentimientos que intento plasmar de forma sencilla y directa, sin adornos que distraigan al espectador de contemplar las texturas y los colores porque en esos componentes esta la fuerza y la verdad de lo que quiero expresar"
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Elizabeth Peyton, dibujante, pintora y fotógrafa estadounidense nacida en Danbury, Connecticut en 1965. Durante su infancia y la adolescencia vivó en su ciudad natal, allí su padre y madrastra tenían una tienda en la que fabricaban velas, amantes del arte le inculcaron sus gustos. Realizó sus estudios en Nueva York en la Escuela de Artes Visuales, donde aprendió a dibujar con la mano izquierda porque nació con dos dedos en la derecha. Trabajó como ayudante de Ronald Jones y también en una empresa de imágenes de archivos, en 1991 se casó con Rirkrit Tiravanija de quien se divorció en 2004. Actualmente reside y trabaja en la ciudad de Nueva York.
imagen: Ellizabeth intro, disponible en http://thegentlewoman.co.uk/
Artista destacada como retratista de personalidades famosas, basándose en fotografías históricas o actuales de revistas, así como propias. En 2006 fue premiada por el Aldrich Contemporary Art Museum, en cada obra logra plasmar la influencia que tuvieron en su vida personajes públicos como Oscar Wilde, Napoleón o John Lennon que fue vendido por una cifra récord de US $ 800.000. También trabaja sobre los menos conocidos como Craig, Ben o Spencer y la forma de titular sus pinturas es con el nombre del modelo sin más referencias.
imagen: John 1971, disponible en http://www.moma.org/, 2015
Publicó su libro "Craig" en 1998 combinando notas periodísticas con fotos y dibujos, con el objetivo de acercar las celebridades como Lady Di o Johnny Rotten al mundo más íntimo, dotándolos de un aspecto casi angelical. Elizabeth Peyton comenta sobre su arte: “la belleza viene de muchas cosas y no es fácil de conseguir”. En cada retrato capta el espíritu de la persona en su aspecto más humano acercándolo al espectador como si fuese un familiar, despojándolos de ese aire lejano. Concibe a los personajes en un espacio transformándolos como a los objetos en algo familiar y cercano, "la celebridad, en sí misma, no es tan interesante para mí… Pienso en el arte y lo que significa para la sociedad" comenta en sus entrevistas.
imagen: Elizabeth Peyton 1, disponible en http://www.simonettaatrezzoeinteriorismo.com/, 2009
Otro factor en sus creaciones es la música en especial el rock, inspiración que dan sentido a la atmósfera en la que envuelve a los retratos, un ejemplo de ello es la portada del álbum compilatorio de "The Best of Suede". Algunos de sus perfiles son de músicos como Elvis Presley, Kurt Cobain, Pete Doherty, Keith Richards o David Bowie, pero también lo son miembros de familias reales como la de Gran Bretaña con los príncipes.
Imagen: September (Ben) (2001), disponible en http://blog.visitlondon.com/, 11 de Septiembre de 2009
En los años 90 sus realizaciones presentan colores más claros, trazos certeros, con aire romántico y composiciones más expresivas. En 2001 se traslada a Manhattan donde trataba con modelos en vivo en vez de fotos de revistas o periódicos, con una paleta más relajada. Ilustró con escenas de películas y bodegones como “Pati” en 2007, “Flowers and Diaghilev” en 2008, “Houdini” “Flowers. Lichtenstein, Parsifal” en 2009, fusionando su estado de ánimo con objetos estáticos.
Imagen: Flowers. Lichtenstein, Parsifal, disponible en https://elizabethpeyton.wordpress.com, 27 de febrero de 2013
Elizabeth Peyton continúo con personas de su ambiente y figuras de gran fama en los años 2010 y 2011, pero con un colorido más brillante, un estilo más maduro y reflexivo. Sus lienzos se pueden apreciar en museos muy importantes como el Centro Pompidou, en París, Bellas Artes en Boston o el New Museum, Nueva York, entre otros.
Su primera muestra individual se llevó a cabo en la galería “Althea Viafora” en Broadway en el año1987, continuando con sus exposiciones hasta la actualidad. Las más recientes son en 2012 "Secret Life" junto a Jonathan Horowitz realizada en Londres, donde apuesta por la naturaleza muerta integrando la psicología con las plantas y "Regen Projects" en Los Ángeles, EEUU. En 2013 presentó "Klara" con 13 obras y "Here She Comes Now" en, Alemania. Este año expone "Street posters in The Centre of Arles", en la Fondation Vincent Van Gogh en Francia.
Imagen: Live to Ride, disponible en http://whitney.org/
Imagen: Klara, disponible en http://www.glasstire.com/, 29 de abril de 2012
Elizabeth Peyton no elabora sus pinturas en base a cánones de belleza, sino que busca afirmar la vida de las personas como forma de vivenciar lo bello de modo intangible, inspirándose en modelos pero invitando a partir de los conocimientos, trasladando a lo más sublime de la hermosura absoluta. La crítica señala sobre ella que “hizo la crónica de sus círculos artísticos; y las abstracciones sugerentes de O’Keeffe”.
La artista expresa: “Me gusta todo lo que hago. Trabajar con fotografías, directamente del natural o utilizando la memoria.... desde la proximidad la vida tiene un sentido más inmediato, emocionante, como en caída libre, porque todo pasa ahí mismo y ahora. Las fotografías poseen un tipo de saturación en el color y una sensación de deterioro, que no se ve en la vida real, que también me gusta mucho”.
Imagen: Irises, disponible en http://www.artnews.com/, 30 de mayo de 2013
Imagen (izquierda): ws-peyton, disponible en http://painternyc.blogspot.com.es/, 29 de abril de 2012
Imagen: David Bowie (2012), disponible en http://fr.phaidon.com
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Después de su impactante trabajo en "The Afronauts", Cristina Middel (Alicante, 1975), nos sorprende en La New Gallery con su último proyecto PARTY, una combinación de textos manipulados del Pequeño Libro Rojo: Citas del Presidente Mao Tsetung y las imágenes tomadas por la artista durante sus viajes a China. Con ellos, esta fotorreportera afincada en Londres y con una de las carreras más sólidas del panorama fotográfico internacional, nos ofrece un acercamiento personal a la sociedad china contemporánea y su debate entre la occidentalización capitalista y el régimen comunista.
Cristina de Middel censura aquí partes del texto que han quedado obsoletas en la sociedad China actual y, al resaltar otras, da lugar a frases rotundas que acompaña con fotografías que se acercan mucho a lo documental y que, en ocasiones, también nos sugieren una visión de alto contenido poético.
"La fotografía se ha popularizado mucho, estamos insensibilizados hacia ciertos temas de tanto que nos lo han contado de la misma manera y, en la búsqueda de nuevas formas de expresión de lo mismo, el reportaje está cediendo cada vez más al valor estético. El resultado es una invasión de bellísimas imágenes que documentan terribles tragedias y así el debate está servido y esa línea de la que hablas queda oficialmente difuminada. En mi opinión, para recuperarla, la línea que separa lo documental de lo artístico no debería estar marcada por la estética sino por la intención del trabajo" dice la artista.
Cristina de Middel. Party. La New Gallery. Carranza, 6. Madrid. Hasta el 19 de julio.
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Banksy es el seudónimo con el que se conoce al artista más representativo del Street Art (arte callejero) en la actualidad. Aunque no se tienen datos biográficos sobre él, se cree que nació en una localidad cercana a Bristol en 1974 y que después se trasladó a la ciudad, en donde pasó su juventud. Un estudio reciente de la Universidad Queen Mary de Londres identifica al artista como Robin Gunningham y confirma que nació y se crió en Bristol.
disponible en widewalls.ch
Según el ilustrador y diseñador gráfico Tristán Manco, uno de los que más ha investigado sobre el arte urbano, el polémico artista se preparó para ser carnicero y se metió en esto del grafiti en los años 80, en lo que se ha llamado el boom del aerosol. En la década de los 90 formó parte de la banda Bristol’s DryBreadZ, conocidos como DBZ. Desde entonces su fama empezó a correr como la pólvora, sobre todo por sus enfrentamientos con el grafitero «jefe» en aquellos momentos, Robbo, cuyo grafiti del canal de Camden fue «redecorado» sucesivas veces por Banksy, hasta que el estado de coma del primero hizo que Bansky terminara el enfrentamiento y le rindiera un sincero homenaje.
Imagen: Robbo inc, disponible en streetartlondon.co.uk
El 12 de julio de 2008 el periódico Mail on Sunday anunció haber descubierto su identidad, identificándolo como Robin Gunningham, hecho que él siempre ha negado. Según otros medios, su nombre real podría ser Robert Banks o Robin Banks, pero esto parece más una mala interpretación de una broma acerca de la semejanza entre este último nombre con la expresión inglesa robbing banks (robando bancos).
Sea como fuere, el misterio sigue rodeándole. Según Will Simpson, secretario del club de fútbol de Bristol Easton Cowboys and Cowgirls, el artista les acompañó en una gira por México en 2001, en donde jugó contra los Luchadores por la libertad zapatista y donde pintó un mural en apoyo a su causa. De este hecho hay una foto en la que aparece pintando dicho mural, con el rostro cubierto por un pañuelo, sin que se pudiera adivinar nada más sobre su identidad. Estas imágenes fueron publicadas en el libro Freedom Through Football: The Story Of The Easton Cowboys & Cowgirls.
Imagen: Banksy painting a mural in Mexico, disponible en www.12ozprophet.com
En su libro Wall and street cuenta cómo empezó en la pintura callejera, usando espray aplicado directamente sobre la pared. Pero esta técnica requería tiempo, lo que la hacía muy arriesgada ya que se trataba de un arte ilegal. Debido a ello, comenzó a utilizar plantillas de cartón creadas por él mismo que rociaba con un espray para coches y que le daban la rapidez que necesitaba en la realización de los murales, haciéndolos más impactantes.
El Street Art es el término inglés que describe el arte urbano que engloba todo tipo de expresión artística realizada en la calle de forma ilegal. En un principio, estas pinturas se desarrollaban en muros y vagones de tren y recibieron el nombre de grafiti. Su origen se sitúa en el Nueva York de los años 60, en los guetos afroamericanos y latinos como reacción a la situación de opresión que vivían. Los primeros grafiteros compartían gustos en la música, el baile y la vestimenta. Nace en la calle el llamado movimiento hip-hop. Posteriormente derivaron en técnicas más artísticas como el stencil (estarcido), el póster, las plantillas o las pegatinas.
Normalmente este tipo de arte lleva implícito mensajes políticos y crítica social, las principales características de Banksy y sus obras: «Una pared es un arma muy grande. Es una de las cosas más desagradables con las que puedes golpear a alguien».
Pocas imágenes explican mejor esta idea que su mural Maid in London, en el cual una criada guarda la basura por detrás del muro: lo que no gusta se esconde.
Imagen: Maid in London, disponible en academics.skidmore.edu
Banksy comenzó pintando ratas que llenaron las calles de Bristol, las cuales servían como instrumento a sus críticas burlonas hacia el sistema. Influido, entre otros, por la banda de punk Crass, y por el movimiento Ad Jammmers, basado en deformar imágenes publicitarias y transformar así el mensaje original de las mismas, su obra ha buscado siempre la crítica social y moral, de forma irónica y satírica, utilizando la escritura, la técnica del stencil (estarcido) y el grafiti.
Pero si alguien ha sido el auténtico maestro de Banksy, la verdadera influencia del artista, ese ha sido Blek le Rat, un grafitero parisino que llenó las calles de París con sus grafitis allá por los ochenta. De él tomo la técnica de la plantilla y el aerosol como medio de expresar sus críticas y sus denuncias: «cada vez que creo que he pintado algo ligeramente original, me doy cuenta de que Blek le Rat lo hizo mejor, sólo que veinte años ante».
Imagen: If graffiti changed anything – It would be illegal, disponible en news.fitzrovia.org.uk
A los primeros años que Banksy pasó pintando las calles de Bristol con esas ratas que fotografiaban a los viandantes o que oían música les siguieron otras imágenes que continuaron criticando las hipocresías sociales y que aparecían en buzones de correos, en alcantarillas, en portones. Su creación Desnudo todavía puede verse en el muro de la clínica de Park Street dedicada a enfermedades sexuales. Pero no fue la única. Toda una serie de pintadas decoraron los muros de Bristol primero y de Londres después. Creaciones tan conocidas como los policías que se besan, la Monalisa con el bazuca o los indígenas perseguidos por un carrito del super.
Imagen: Mona Lisa con lanzagranadas de Banksy, disponible en nohaycomolodeuno.blogspot.com.es
Por entonces, ya colaboraba con el que se consideraba su agente, Steve Lazarides, un antiguo fotógrafo que había documentado las primeras hazañas de Banksy durante su juventud y con quien compartía la tarea de gestionar el portal de Internet en el que ambos colgaban todas las «hazañas» que realizaba el artista, gracias a lo cual se conocen muchas de las que ya han sido borradas. Lazarides, confiesa haber ayudado a organizar los famosos stunts (actos-atentado) que consistían en colarse en los museos más famosos del mundo y plantar sus obras de forma clandestina, como sucedió en el Museo de Historia Natural de Londres donde colocó una rata disecada y pegada a un cartel. Pero esto no fue todo. En el Museo Británico consiguió colocar una pieza de aparente arte rupestre que incluía un carrito de supermercado en una escena de caza. En el MOMA de Nueva York incluyó el retrato de una mujer de época que llevaba una máscara anti-gas: «El arte no será ni la belleza ni la novedad, el arte será la eficacia y la perturbación», informó el artista.
Su trabajo trascendió al exponerse en cuatro museos neoyorquinos (Metropolitan, Brooklyn, Historia Natural y Arte Moderno), donde instaló sus creaciones de forma clandestina y también cuando se comenzaron a ver sus obras en varias ciudades importantes del mundo como Melbourne, París, Nueva York, ect. De pronto, en el año 2000, decide organizar una exposición individual. Lo hace en un barco-restaurante, el Severnshed, consiguiendo así diferenciarse de otros artistas callejeros. Después, en 2003, vendrá otra exposición en Londres y más adelante, en 2005 y 2007, una de sus creaciones más impactantes realizada en los muros de Gaza y Cisjordania.
Imagen: Banksy, disponible en prospectornow.com
El conocido como «Muro de la vergüenza» en Cisjordania fue cubierto por las pinturas del artista. Para Banksy, suponían «la mayor cárcel del mundo al aire libre» y sus grafitis no fueron otra cosa que una larga lista de mensajes en contra. Las imágenes de niñas intentando escapar del muro mediante globos o las imágenes de un cielo azul y de paisajes maravillosos que se cuelan a través de rotos o de pequeños huecos son una llamada de atención en contra de esta construcción. Su repercusión ha sido tal que incluso, hoy en día, existe una ruta turística alternativa para disfrutar de estas obras.
Imagen: Girl and Soldier by Banksy, disponible en www.stencilrevolution.com
Después de esto, sus trabajos se encontraban ya por ciudades de todo el mundo como Londres, Los Ángeles, San Francisco, Barcelona. Llegó a imitar obras de arte emblemáticas como el David de Miguel Ángel, al que agregó un chaleco antibalas, o Los Girasoles de Van Gogh totalmente marchitos. En 2006 representó a un niño negro con la corona de una conocida cadena de comida rápida.
Entre sus éxitos destaca la exposición de Bristol en 2009 titulada Banksy Versus Bristol Museum para la cual incluso se llegó a cerrar el centro durante tres días en los que el artista pudo montar en secreto su exposición, creando los espacios necesarios para mostrar adecuadamente sus obras. La ironía de exponer financiado por la misma institución que le había perseguido le hizo declarar: «este es el primer espectáculo que monto en el que el dinero de los contribuyentes se utiliza para colgar mis obras en vez de para borrarlas».
disponible en www.plataformadeartecontemporaneo.com
Uno de los aspectos que ha levantado más ampollas entre los seguidores y detractores del artista ha sido el precio alcanzado por algunas de sus obras. Para un artista que presume de antisistema y que critica el capitalismo brutal, resulta irónico que sus obras sean de las más caras del mercado, por eso algunos artistas callejeros le acusaron de venderse a ese poder que criticaba. El artista que declaró: «El éxito comercial es un fracaso para un grafitero» vio como la casa Sothesby's subastó en 2006, un juego de impresiones que tenían como modelo a Kate Moss y que reproducían el retrato de Marilyn hecho por Warhol y que alcanzó 80 mil dólares. A esta se sumó otra subasta más, en abril de 2007, en la que su obra Space Girl & Bird (una pintura realizada con spray sobre lámina de acero) se vendió en más de medio millón de dólares. Meses más tarde, ese mismo año, la casa de subastas Bonhams vendió diez obras suyas por un total de medio millón de libras, unos 700.000 euros. Y su valor seguía subiendo. Sin embargo, en 2013, Banksy decidió abrir un puesto callejero en Central Park con lienzos originales firmados por él, vendidos a unos 60 dólares cada uno. Curiosamente, solo se vendieron ocho de esos lienzos.
Imagen: Kate Moss, disponible en www.banksy-prints.com
Durante su gira por Nueva York ese mismo año, Banksy realizó una exposición ilegal llamada Better out than in (Mejor fuera que dentro) en la que cada día creaba una obra diferente en las calles de la ciudad. El propio artista tuiteaba: «Deseando mancharme las manos esta noche». Y de hecho lo hizo, a través del grafiti, la escultura, incluso el video, pero todas ellas llenas del sarcasmo y el humor crítico que lo caracterizan.
Envuelto siempre en la polémica, son muchos quienes le han criticado por sus creaciones; para algunos, puro vandalismo, pura hipocresía que critica el capitalismo mientras trabaja para grandes empresas como Puma o la MTV. Para otros, como Gareth Williams, jefe del departamento de Arte Urbano de la casa de subastas Bonham de Londres: «lo más increíble del fenómeno Banksy no es su ascenso meteórico, ni las importantes sumas que se pagan ya por sus obras, sino el hecho de que el mismo establishment al que satiriza, le haya acogido entusiasmado».
Imagen: Rat Photographer, disponible en www.whatsonyourwall.com
Es en este punto cuando se hace obligatorio hablar acerca de toda la polémica creada en torno al documental que realizó el artista en 2010, titulado Exit Through the Gift Shop. Muchos esperaban descubrir todo lo que había permanecido oculto sobre el artista, pero todo quedo en eso, una esperanza. El documental fue nominado a los Oscar, entre otros premios como el Independent Spirit Awards o los premios BAFTA, además de conseguir excelentes críticas en periódicos como Los Ángeles Times o el Chicago Sun-Times. En él Banksy presentaba a Thierry Guetta, un francés afincado en Los Ángeles, cuya única obsesión es grabarlo todo con su cámara de vídeo. Así conoce al propio Banksy quien decide darle la vuelta a la cámara y grabar a Guetta, al que anima a colarse en el mundo del arte urbano con el alias de Mr. Brainwash, convirtiéndose él mismo en toda una celebridad.
Extractos de Exit through the gift shop (Thierry, Banksy: ¿Puede el marketing crear un artista?)
Y aquí es donde surge la polémica. ¿Es cierto lo que se cuenta en el documental sobre Mr. Brainwash? ¿Es un personaje ficticio o es real ? Para muchos es solo un montaje del propio Banksy con el que pretende reflejar en lo que se ha convertido el street art, un producto más para el consumo, un objeto de especulación que ahora acumulan las clases altas. Thierry Guetta o Mr. Brainwash no son otra cosa que el alter ego del propio grafitero. Para enmarañar más el misterio, aparecieron unas declaraciones del artista Ron English, quien tenía contacto con Banksy, y que afirmaba que Thierry Guetta era totalmente real y que el propio Banksy le había explicado los motivos para realizar este film: ridiculizar a Guetta por su egoísmo al no querer compartir cientos de horas de grabación con el artista en acción.
Girl with a pierced Eardrum encontrado en Banksy.co.uk
En octubre de 2014 Banksy plasmó un nuevo mural, llamado Girl with a Pierced Eardrum (Chica con un tímpano perforado), una parodia del cuadro Girl with a Pearl Earring, de Johannes Vermeer, en la que cambió la joya por una alarma de seguridad de la fachada de un estudio de grabación, en Hanover Place, en Bristol. La obra tuvo bastante atención mediática, sobre todo porque se realizó en la ciudad donde creció el grafitero, poco después de que comenzara a correr un rumor de su supuesto arresto. A las 24 horas de su aparición, la obra fue manchada con pintura negra en un claro acto de vandalismo y crítica hacia Banksy. No sería la primera vez que sus trabajos sufrirían este tipo de daños; Su pieza Art Buff, en Kent, fue vandalizada con un enorme pene. Debido a la trascendencia que este artista ha logrado en los últimos tiempos, algunas de sus obras han sido protegidas con fibras de vinilo, lo que permite que puedan ser reparadas y restauradas con mayor facilidad.
Una de las obras de Banksy antes de ser troceada en tres piezas y trasladada a la exposición. Foto banksy.co.uk
Una de las últimas exposiciones sobre el artista, realizada por The Sincura Group y titulada The Stealing Banksy, tuvo lugar en Londres durante el mes de marzo, y mostraba siete de sus trabajos callejeros que serían subastados después de la exposición. Nuevamente, Banksy saltó de su asiento para rechazar esta muestra que, según los organizadores, se había hecho con el consentimiento de los dueños de los edificios. Para el artista era simplemente «repugnante que se permita que cualquiera pueda quitar arte de las paredes sin permiso».
Banksy's Dismaland foto publicada en Flickr por Peter Gasston
En agosto de 2015 Banksy inaugura la instalación temporal Dismaland, a modo de parque temático, que realizó en colaboración con otros 58 artistas. Cuando la instalación cerró sus puertas, el equipo encargado de su montaje se traslado al campo de refugiados de Calais donde construyeron varias viviendas temporales y un parque de juegos para los refugiados. Tras la reciente evacuación forzosa del campamento, en la página web oficial de Dismaland (http://www.dismaland.co.uk/) se puede leer el siguiente mensaje: "Dismaland Calais has now closed".
El hijo de un inmigrante de Siria (2015) encontrado en Banksy.co.uk
En diciembre del mismo año apareció un nuevo mural de Banksy, que muestra al fallecido Steve Jobs en el anteriormente citado campo de refugiados. La foto, que muestra a Jobs mochila al hombro y un ordenador Macintosh en su mano, tiene como título El hijo de un inmigrante de Siria y es una rotunda denuncia a las condiciones de los refugiados sirios en el infame campamento "La jungla” de la ciudad portuaria francesa.
Encontrado en banksy.co.uk
En enero del presente año persiste su crítica a la situación y aparece el primer grafiti interactivo de Banksy. Sobre un tablón de madera en la fachada de la Embajada de Francia en Londres, en el barrio de Knightsbridge, plasmó a Cosette, la niña del cartel del musical Les Misérables, con la bandera francesa rasgada a sus espaldas y lágrimas en sus mejillas causadas por un bote ficticio de gases lacrimógenos. Un código QR en la parte inferior de la pieza conduce a un vídeo en Youtube que muestra a la policía usando gases lacrimógenos para desalojar el campamento en Calais, situación ocurrida el pasado 5 de enero. Las imágenes de la obra se hicieron virales rápidamente, y 42 horas después unos ladrones intentaron robarla. La policía Metropolitana de Londres se vio obligada a intervenir para evitar su robo y contribuir a su protección.
En febrero el tramo de pared fue cubierto por completo por trabajadores de la Cheval Property Management Limited, propietaria del terreno donde se halló el grafiti. Sin embargo, los responsables de la medida han asegurado que es temporal, ya que deben decidir sobre "los planes de futuro para la obra".
Del 13 de enero al 29 de febrero de 2016 se realizó la primera exhibición de la obra de Banksy en Estambul, titulada The art of Banksy, con el apoyo del Ministerio de Cultura de Turquía. La muestra, con cuyo montaje se inauguró la nueva galería Global Karaköy, fue preparada durante cerca de un año por un grupo de 80 expertos, quienes se dieron a la tarea de encontrar, recoger y curar obras que el misterioso artista ha realizado en los últimos 15 años. «Banksy tiene muchísimas obras. La mayoría de estos trabajos nunca han sido vistos por muchas personas. Yo los he conseguido gracias a coleccionistas que han hecho grandes esfuerzos por revelar las piezas de Banksy», expresó Steve Lazarides, curador de la exposición, quien aseguró que es la más amplia que se ha realizado hasta ahora sobre la obra del esquivo artista.
Esta muestra fue disfrutada de una manera peculiar por parte de sus visitantes, pues incluía una exhaustiva recreación de las calles de Londres y del taller de Banksy, lo que permitió a los asistentes asomarse de cerca al contexto en el que fueron creados los grafitis, y experimentar en su entorno y de forma más vivida la energía poética, crítica y humorística de las creaciones del controvertido grafitero.
Independientemente de todo lo que rodea a Banksy, es innegable que es el artista más cotizado, controvertido y admirado en este tipo de arte. No necesita publicidad ni busca aprobación, porque sus creaciones hablan solas, buscando la reflexión de quienes las miran. Muchos han intentado vencerlo arruinando sus obras, destruyéndolas o robándolas para luego venderlas a un precio desorbitado. Son muchas las pinturas suyas desaparecidas como por ejemplo las relacionadas con los juegos olímpicos de Londres. Sin embargo, otros muchos siguen sus enseñanzas, intentan seguir sus pasos y buscan imitar su estilo.
Banksy obras y biografía en video
Banksy : The Antics Roadshow (en inglés)
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Libros
- Wall and Piece (en ingés): Sus mejores trabajos fotografiados con comentarios por el propio Banksy.
- Banksy You Are an Acceptable Level of Threat and if You Were Not You Would Know About It (Carpet Bombing Culture) (Inglés)
Galería de obras de Banksy, haz click en las fotos para verlas ampliadas
https://www.alejandradeargos.com/index.php/es/todos-los-articulos?start=322#sigProGalleria6c503b98d4
