Detalles

Escrito por Alejandra de Argos

Publicado: 24 Enero 2019

Última actualización: 31 Mayo 2017

Visto: 4301

Ivorypress inaugura "On Reality", una exposición cuyo proposito es invitarnos a una reflexión sobre la realidad, la imaginación, las percepciones y las fantasías del ser humano a través de las fotografías del alemán Thomas Struth (Geldern, 1954) en diálogo con las esculturas de Cristina Iglesias (San Sebastian, 1956).  Esta muestra forma parte del Festival PHotoEspaña y se abrirá al público el próximo día 28 de mayo.

Detrás de los pozos, las celosías y las naturalezas de Cristina Iglesias y con el agua y su sonido como elemento protagonista, se esconde todo un mundo de fantasía e imagenes para estimular nuestra imaginación y trasladarnos a otros lugares. Como una de sus piezas más interesantes, una celda suspendida en el aire conformada con letras de un texto de Arthur C. Clarke, The fountains of paradise que nos habla de un lugar en la Ionosfera donde van a parar los pensamientos humanos. Estas letras ejercen de estructura de la pieza formando una celosia. "Una fantasía, pero al final es un pabellón real, una escultura que te puede llevar a pensamientos y reflexiones que tienen que ver con los sueños, pero también con lo que tú tienes dentro" señala la artista.

La percepción de la realidad y la estimulación de la imaginación está muy presente también en la obra de Thomas Struth. “Quería repensar cómo funciona el proceso de la imaginación y la fantasía, cómo se hace realidad y se materializa algo que se ha construido en la mente de alguien”, señala el artista. Nos invita a que nos replanteemos las complejas estructuras tecnológicas que conforman nuestra realidad actual y el papel que juegan en nuestra fantasía e imaginación en relación con nuestra cultura e historia. Fotografías de Disneyland y otras relacionadas con la tecnología científica e industrial conforman esta muestra con los últimos trabajos de uno de los fotógrafos más interesantes de la escuela de Düsseldorf. 

Entrevista a Thomas Struth 

Elena C. : ¿La posibilidad de su reproductibilidad técnica perjudica la obra de arte o ensancha sus posibilidades como arte entendido de otro modo? En tal caso ¿de qué otro modo?

Dice Benjamin que "la naturaleza que habla a la cámara no es la misma que la que habla al ojo". ¿Cómo quedan modificados los conceptos de obra de arte, la figura del artista y la recepción de su obra por parte del público cuando las obras de arte pierden el aura que las hace únicas y se vuelven múltiples y cotidianas, como pasa con la fotografía?

En los años 80 inicia un proyecto de colaboración con el psicoanalista y amigo Ingo Hartmann que le encamina a realizar una serie de retratos de familia que posteriormente serían analizados por el paciente. ¿Cuál fue el resultado de esta colaboración y de que manera afectó esta experiencia de exploración psicológica del otro en su posterior trabajo fotográfico del retrato? 

¿De qué modo tu interés por el conocimiento de los otros, se puede concretar en conocimiento de uno mismo y del mundo que nos ha tocado vivir? ¿De qué forma te planteas la comunicación entre el artista y su público?

¿Crees que el arte debe servir a un fin moral, social, político o cultural?

Espacio y tiempo están muy presentes en tus fotografías de paisajes urbanos, de la exuberante naturaleza o de ambientes tecnológicos. ¿ Qué relación hay entre la elección de esos motivos y la soledad de los individuo en nuestra época, la falta de comunicación, la no aceptación de la muerte, etc...?

 En tu serie sobre los museos captando al espectador observando las grandes obras, el pasado de nuestra historia del arte es contemporalizado en tus fotografias. Crees que el arte ha sufrido una evolucion en el tiempo o que existe una sola linea atemporal? 

Entrevista a Cristina Iglesias

A lo largo de la historia, el vacío se ha entendido como el no ser o como la totalidad del ser en potencia. Con mucha frecuencia se interpreta el vacío como una ausencia o una falta, sin embargo también es la potencialidad de todo lo que no ha sido pero puede producirse.

¿Hasta qué punto estos lugares ilusorios que recreas de tu pensamiento y que nos llevan a otros imaginarios, son entendidos como la presencia de la ausencia o la potencialidad de esos nuevos lugares a los que te lleva ese lugar a través de la imaginación? 

¿Cuánto existe en tus esculturas de objeto que ocupa un espacio y cuanto de constructoras de espacios entendidas desde tu propósito de crear imágenes para estimular la imaginación?

Decía Heri- Levi que el erotismo es siempre un juego sutil, entre lo invisible y lo visible... velar y desvelar... La reserva más extremada y la desnudez repentina. En tu trabajo los contrarios están muy presentes, el velar y desvelar, el mirar y no ser visto, el ocultar, la luz y la sombra, el misterio. ¿Que hay de erotismo en tu obra?

(O platónica, la celda imaginada (poética, semántica a través de los signos, las palabras del texto) como imitación del objeto real que te conduce a las ideas puras y todo ello entendido como una metáfora) 

¿Cuánto existe en tus esculturas de objeto que ocupa un espacio y cuanto de constructoras de espacios entendidas desde tu propósito de crear imágenes para estimular la imaginación?

Existe un gran interés por tu parte hacía la ciencia ficción y has declarado que lo que haces es ficción (arquitectónica y escultorica), invención, (lugares imaginarios)  ¿Qué motiva esa huida de la realidad cotidiana en tus obras? ¿Qué contiene de misticismo? (experiencia espiritual, o percepción extrasensorial, o búsqueda de la perfección y conocimiento)

En tus piezas hay siempre una vuelta atrás, una memoria de las anteriores, ¿existe en tu obra un eterno retorno del que te retroalimentas?

 Las celosías, los pozos...

Tus obras requieren un esfuerzo intelectual que no está al alcance de todos por su complejidad y sus códigos. En una época bautizada por Vargas Llosa como civilización del espectáculo, de banalización del arte ¿Cómo te gustaría que el observador se acercara o entendiera tu trabajo? 

¿Hasta qué punto el arte es para ti una canalización de tus obsesiones?

 Entrevista a Thomas Struth. Borrador.

 Thomas Struth (Geldern, 1954)

¿La posibilidad de su reproductibilidad técnica perjudica la obra de arte o ensancha sus facultades como arte entendido de otro modo? En tal caso ¿de qué otro modo?

Has the option of mechanical reproduction had negative consequences for the artwork, or do you think it has offered increased opportunities? If the latter, in which ways has it done so?

Comenzó sus estudios como pintor bajo la dirección de Gerhard Richter en la Academia de Düsseldorf. Puede explicarme su relación con Richter y si ha tenido un gran ascendiente sobre usted?

You began your studies as a painter, under the guidance of Gerhard Richter in the Düsseldorf Academy. Could you describe whether your relationship with Gerhard has held any particular significance for you?

En los años 80 inicia un proyecto de colaboración con el psicoanalista y amigo Ingo Hartmann que le encamina a realizar una serie de retratos de familia que posteriormente serían analizados por el paciente. ¿Cuál fue el resultado de esta colaboración y de que manera afectó esta experiencia de exploración psicológica del otro en su posterior trabajo fotográfico del retrato? 

In the 80's you started a project in collaboration with the psychoanalyst and friend of yours, Ingo Hartman, who encouraged you to make a selection of family portraits that would later be analysed by the patient. What was the result of this collaboration?

¿Cómo esta exploración psicológica del otro ha afectado su trabajo posterior? 

How did this psychological exploration of the other affect your later work?

¿De qué modo su interés por el conocimiento de los otros, se puede concretar en conocimiento de uno mismo?

Does an interest in the knowledge of the other heighten the knowledge of oneself?

Espacio y tiempo están muy presentes en tus fotografías de paisajes urbanos, de la exuberante naturaleza o de ambientes tecnológicos. Por qué la ausencia de individuos?

Space and time are very present in your images of urban settings, the exuberance of nature and the mechanical enviroments. Why the human absence? 

En su serie sobre los museos captando al espectador observando las grandes obras, el pasado de nuestra historia del arte es contemporalizado en sus fotografias. Cree que el arte ha sufrido una evolucion en el tiempo o que existe una sola linea atemporal? 

In the photographs where you capture the viewer looking at the Old Masters, art history is contemporised in your photographs. Do you think that art has undergone a process of evolution or that it exists as one timeless continuum? 

Sotang dijo que " fotografiar gente es violarla, viendose como ellos nunca se han visto... se convierten en objetos que pueden ser simbolicamente poseidos... Por supuesto estas palabras fueron dichas antes de la dominacion de lo

Sontag famously wrote that "to photograph people is to violate them, by seeing them as they never see themselves... it turns them into objects that can be symbolically possessed." Of course, these words were written before the dominance of social media.  In light of this, how far do you agree with Sontag?

Haces un esfuerzo por buscar la inspiración o sus fotografias son  

Do you make an effort to look for inspiration or are your photographs ever whimsical? What feeds your creativity?

In your images of paradise, you depict a wild nature without human intervention, which you have described as a metaphor for life. What would your version of paradise involve? 

As a private commission for a hospital in Zürich, you made some photographs of  local landscapes and close-ups of various flowers. Your decision to highlight a particular aspect of each flower is an empathetic analogy for a patient's condition being brought into greater focus. To this end, do you believe that art has a pragmatic responsibilty? 

¿Crees que el arte debe servir a un fin moral, social, político o cultural?

Do you think art must serve a moral, sociopolitical or cultural end?

You once mentioned that it is not possible for the camera to lie. Does this explain why you continue to refuse methods of digital manipulation? 

What are you involved in now?

Dice Benjamin que "la naturaleza que habla a la cámara no es la misma que la que habla al ojo". ¿Cómo quedan modificados los conceptos de obra de arte, la figura del artista y la recepción de su obra por parte del público cuando las obras de arte pierden el aura que las hace únicas y se vuelven múltiples y cotidianas, como pasa con la fotografía?

La percepción de la realidad y la estimulación de la imaginación está muy presente también en la obra de Thomas Struth. “Quería repensar cómo funciona el proceso de la imaginación y la fantasía, cómo se hace realidad y se materializa algo que se ha construido en la mente de alguien”, señala el artista. Nos invita a que nos replanteemos las complejas estructuras tecnológicas que conforman nuestra realidad actual y el papel que juegan en nuestra fantasía e imaginación en relación con nuestra cultura e historia. Fotografías de Disneyland y otras relacionadas con la tecnología científica e industrial conforman esta muestra con los últimos trabajos de uno de los fotógrafos más interesantes de la escuela de Düsseldorf. 

El cambio de la pintura a la fotografia es debido a un interes mayor por el mundo exterior, sociopolitico que por su campo psicologico. Mas interesado por los procesos analiticos.

Analisis de las estructuras urbanas en el paisaje de posguerra. El resultado de todo lo que vino despues del holocausto. ser testigo de la estructura emblematica de las ciudades alemanas de posguerra. Esto llevo a la curiosidad por otros patrones de patrimonio historico y lugo por intuicion o accidente a la estructura familiar, es la estructura social elemental. Donde se aprende primeros pasos como ser social

 Estudio sociopolitico de la ciudadania moderna. identidad, globalizacion

Düsseldorf      (artistas, academia)

Richter            (influencia)

Ausencia         (urbanos,paraiso)

Arquitectura    (estructura social)

Familia            (estructura psicólogica)

Identidad         (retratos)

Paraiso             (natural)

Psicología         (estudio)

Imaginación      (fantasía, disney)

Tecnología        (estructura, realidad actual, ausencia)

Prado               (espacio, tiempo)

Inspiración       

Proyectos

Conclusión      (Análisis sociopolítico. Refleja nuestra realidad actual. Mostrar las partes de las estructuras sociales)

Detalles

Escrito por Marina Valcárcel

Publicado: 22 Mayo 2014

Última actualización: 06 Agosto 2022

Visto: 13794

Detalles

Escrito por Alejandra de Argos

Publicado: 16 Mayo 2014

Última actualización: 16 Abril 2024

Visto: 229740

Actualizado el 16 de abril de 2024

Comparto con vosotros lo que para mí, son las mejores y más interesantes exposiciones en París en este momento. Completo así la serie iniciada con las Exposiciones en Madrid, Nueva York y Londres. Al igual que en artículos anteriores os recuerdo, que podéis guardar esta página pues las exposiciones se actualizarán periódicamente.

Centro Pompidou

Brancusi

Hasta el 1 de Julio

El motivo de esta importantísima exposición no deja de ser curioso. La renovación de parte de los espacios del Centro Pompidou de París ha hecho indispensable el traslado completo del Taller Brancusi, una circunstancia que se ha aprovechado para montar la exposición más ambiciosa realizada hasta la fecha sobre la figura de Constantin Brancusi, considerado uno de los padres de la escultura moderna. Junto con el impresionante legado recibido por el Estado francés en 1957, la muestra también permitirá admirar conjuntos escultóricos nunca expuestos hasta la fecha en París, gracias a los préstamos de otros museos internacionales. En esta ocasión, los visitantes descubrirán la obra del gran artista rumano desde un nuevo punto de vista: tendrán la oportunidad de ver también fotografías, dibujos preparatorios, audiovisuales, material de archivo e incluso herramientas y mobiliario que formaron parte del taller del escultor, alrededor del cual gira toda la exposición.

Museo de Montmartre

Auguste Herbin, el maestro revelado

Hasta el 15 de Septiembre

En los ámbitos artísticos, se suele considerar que la pintura de Auguste Herbin es uno de los secretos mejor guardados dentro del arte de vanguardia. Si bien su nombre no es tan conocido como el de muchos de sus contemporáneos, su obra es parte esencial de los movimientos rupturistas que cambiaron la forma de crear y de entender el arte de la primera mitad del siglo XX. Herbin transitó por todos los movimientos de la época, creando un lenguaje pictórico propio que los hizo suyos, personales y únicos. El Museo de Montmartre es el primero en organizar una gran retrospectiva sobre su trabajo, que recorre los siete periodos de creación que lo articulan: el postimpresionismo, el fauvismo, el cubismo, los objetos monumentales, la nueva figuración y la primera y segunda abstracción. La muestra es una magnífica oportunidad para descubrir a uno de los artistas más deslumbrantes y desconocidos de la época, y otorgarle el reconocimiento que merece.

Museo d'Orsay

París, 1874. Inventando el Impresionismo

Hasta el 14 de Julio

Con el nombre de 'Hambrientos de independiencia', en la primavera de 1874 se inauguró una exposición en París que resultó crucial para el devenir del arte posterior, a nivel mundial. Monet, Renoir, Degas, Morisot, Pissarro, Sisley y Cézanne decidieron liberarse de las cadenas impuestas por los museos y los centros de arte y montaron su propia exposición, fuera de los circuitos oficiales. En ese momento nació uno de los movimientos artísticos más importantes, populares e influyentes de todos los tiempos: el Impresionismo. PAra celebrar el centenario de la legendaria muestra, el Museo dOrsay de París organiza esta temporada una gran exposición con cerca de 130 obras de los artistas que pusieron en marcha la revolución. Junto con piezas maestras de los siete pintores mencionados, el centro expone también obras de otros veinticuatro artistas menos conocidos, como Berthe Morisot, Eva Gonzalés o Paul Dubois, entre otros. 

Museo de L'Orangerie

Foto: Cortesía David Zwirner. Robert RYMAN © Adagp, Paris, 2023 / Kerry McFate 

Robert Ryman. Le Regard en Acte

Hasta el 1 de Julio

El pintor norteamericano Robert Ryman falleció en 2019, dejando un legado fundamental dentro de la pintura minimalista. Su profunda investigación sobre los límites del lienzo, la interacción del contenido y el entorno de la obra y las peculiaridades específicas del medio pictórico se convirtió durante su vida en algo casi obsesivo, que permite establecer una relación entre su trabajo y el de Claude Monet (cuya obra maestra, "Los Nenúfares", se encuentra expuesta en el museo). Si bien el propio Ryman rechazó durante su vida la influencia de otros artistas, el museo francés ha decidido homenajear su trabajo con la exposición, 'La mirada en acción', la primera retrospectiva sobre su obra realizada desde 1981. La muestra se estructura sobre las nociones de superficie, límite, espacio, luz y tiempo, y desvela la profundidad que alcanza la pintura de Ryman cuando se contempla como el propio artista quiso: de la manera mas simple.

Museo Nacional Picasso-París

El apartamento de Léonce Rosenberg. De Chirico, Ernst, Léger, Picabia...

Hasta el 19 de Mayo

En 1928, el apartamento del marchante y coleccionista Léonce Rosenberg de París fue el protagonista de una "obra de arte total". Doce grandes figuras del arte de la época intervinieron en su decoración, entre ellos artistas como Picasso, Francis Picabia, Giorgio de Chirco y Max Ernst; el objetivo, dar vida a las paredes del espacio con una combinación de cubismo, surrealismo y abstracción. El montaje solo duró unos meses, pero quedó reflejado en fotografías y testimonios de la época que le han servido al Museo Picasso-París para recrearlo, permitiendo al visitante experimentar la sensación que generaba entonces entre los asiduos a las reuniones de Rosenberg. La exposición incluye obras maestras tan espectaculares como las famosas 'Transparencias' con las que Picabia decoró la habitación de Madame Rosenberg, o los 'Gladiadores' de Giorgio de Chirico, diseñados para el hall de entrada.

Centro Pompidou

Vera Molnár - Parler à l'oeil

Hasta el 26 de Agosto

En el año 2023 falleció la artista Vera Molnár a los 99 años de edad. Hasta sus últimos meses, Molnár trabajó en busca de la representación artística a través de la cibernética y la informática, desde sus primeras pinturas de 1946 hasta su último trabajo, 'La Vie en M', especialmente creada por ella para esta exposición. Fue la primera artista de Francia que realizó dibujos digitales empleando un ordenador y un plóter; en los años 60, llegó llegó incluso  a desarrollar un modo de producción propio al que llamó 'machine imaginaire'.  El Centro Pompidou le dedica ahora una gran retrospectiva, que recorre toda su trayectoria: desde sus primeros dibujos hasta la mencionada última pieza, pasando por los polípticos creados en los 80, las esculturas de los 90, su obra fotográfica y el monumental 'Journal Intime', veintidós cuadernos escolares llenos de escritos, dibujos y recortes que constituyen un documento único sobre su trabajo. 

Bourse de Commerce

El mundo como va

Hasta el 2 de Septiembre

"Como una vertiginosa espiral en la que se generan imágenes, hablan entre ellas y se examinan entre ellas, [las obras] enfatizan la pasión y el compromiso de François Pinault con el arte contemporáneo". Así describe el comisariado de la exposición 'El mundo va como va', una icónica selección de piezas procedentes de la Colección Pinault y que se puede ver este año en la Bourse de Commerce. La muestra reúne obras realizadas entre los años 80 del siglo XX y la actualidad, cuya temática alude al tumulto y la turbulencia de los acontecimientos actuales; tiempos en lo que los puntos de referencia estables parecen estar desapareciendo en todo el planeta. El título de la muestra alude a un texto de Voltaire, en el cual un ángel enviado a la Tierra por los dioses para evaluar a los seres humanos termina decidiendo que "el mundo va como va", confiando en que estos tomen su propio destino en sus manos.

Petit Palais

El París Moderno. 1905-1925

Hasta el 14 de Abril

Tras sus exposiciones dedicadas al París Romántico y el París del Entretenimiento, el Petit Palais inaugura el 14 de noviembre de 2023 su tercera muestra dedicada a las vanguardias artísticas de la ciudad. En este caso, la selección de obras se centra en los años que van desde la Belle Époque a los Felices Veinte. En aquella época, la capital era el centro de la innovación artística y cultural del mundo; en ella se dieron cita figuras de la talla de Robert Delaunay, Sonia Delaunay, Marcel Duchamp, Marie Laurencin, Fernand Léger, Tamara de Lempicka, Amedeo Modigliani, Chana Orloff, Pablo Picasso y Marie Vassilieff, entre muchos otros y otras. La selección de piezas incluye pintura, escultura, fotografía, dibujo y cine, pero también diseños de vestuario de Paul Poiret y Jeanne Lanving, joyas de Cartier e incluso un automóvil, cedido para la ocasión por el Musée national de l’Automobile in Mulhouse.

Detalles

Escrito por Maira Herrero

Publicado: 15 Mayo 2014

Última actualización: 05 Junio 2014

Visto: 30590

La Tate Modern de Londres reúne en  catorce salas la obra más particular del genio francés del siglo XX, Henri Matisse, sus Cut-Outs, sus recortables con papeles de colores.

En 1941 su salud sufrió un duro revés que le dejó en una silla de ruedas, pero que no le impidió seguir con el mismo espíritu creativo de siempre. Enfocó su creatividad hacia un nuevo lenguaje  al que llamó “pintar con tijeras”, nunca este trabajo significó para el artista una renuncia a la pintura, sino un paso más en su creatividad.

Un nuevo lenguaje visual, elaborado a base de recortes de papeles pintados en tonos brillantes, fueron la razón de su actividad en unos años en los que Europa estaba ensombrecida por la Segunda Guerra Mundial. Sus asistentes, dirigidos por Lydia Delectorskaya, pintaban hojas en blanco con gouache de vivos colores y, siguiendo las instrucciones del maestro, las pegaban en las paredes del estudio y de su habitación. 

Matisse dedicó muchas horas a meditar sobre el juego de las combinaciones antes de utilizar las tijeras. Elaboró numerosos sketches y estudió los distintos puntos de vista antes de dar forma definitiva a sus collages.

Varias películas a lo largo de la muestra nos acerca al trabajo de Matisse. Ver como recorta con  manos fuertes y seguras esas formas improvisadas, imposibles de definir, e indicarle a Lydia Delectoskaya el lugar donde debe colocarlas, confirman la grandeza del genio.

En los cut-outs volvemos a ver las imágenes que siempre han sido una constante en su vida artística, las escenas de baile llenas de movimiento, (sinfonía nº 1 de Shostakovich), los fondos marinos con peces, corales, hojas (recuerdos de su viaje a Tahiti), las series de desnudos azules, los mosaicos moriscos, …

El Libro Jazz es una de las piezas claves de la exposición, contiene 20 láminas de papeles recortados con motivos circenses y textos escritos por el propio Matisse. El libro se considera una de sus obras más innovadoras.

En 1947 decoró la capilla del Rosario de las dominicas de Vence. Es la obra que mejor expone su tendencia simplificadora hacia formas más planas. Matisse puso mucho empeño en este encargo, trabajó más de cuatro años y sus diseños se extienden a diversos campos: la composición de  las vidrieras de la iglesia, la ropa del sacerdote para la liturgia, los murales de las paredes, el diseño del altar…. El artista quedó muy satisfecho del trabajo, que definió como “the result of all my active life”.

Las últimas salas de la exposición están dedicadas a las obras de mayor tamaño, realizadas todas ellas en los primeros años de 1950, poco antes de su muerte, El Periquito y la Sirena, El caracol, Memoria de Oceanía y La gran decoración de Máscaras que son en realidad una sola obra que se muestran juntas por primera vez en Londres, desde su creación en 1953.

Esta exposición reconforta al visitante ante la vitalidad que desprende todo el trabajo de este genio del siglo XX. Como diría Benjamin, aquí el aura está presente.

¡Felicidades a Nicholas Serota, director de la Tate Modern, y a todo su equipo!

Henri Matisse. The cut-outs. Tate Modern de Londres. Hasta el 7 de Septiembre de 2014.

Detalles

Escrito por Maira Herrero

Publicado: 14 Mayo 2014

Última actualización: 16 Junio 2014

Visto: 9170

Construida en 1927, y diseñada por el arquitecto parisino Robert Mallet Stevens (1886-1945). Es una joya arquitectónica. Mallet Stevenses junto con Le Corbusier fue uno de los arquitecto más influyentes del movimiento moderno francés. En 1929 fundo la “Union des Artistes Modernes” para reunir a la vanguardia artística parisina de la primera mitad del siglo XX,  Jean Prouvé, Le Corbusier, Charlotte Perriand, …

La casa forma parte de una pequeña urbanización diseñada por Mallet Stevens. Sobre el volumen cilíndrico del hueco de la escalera, que asoma por encima de la terraza, giran los distintos espacios que configuran el complejo programa que demandaron sus propietarios. Figuras geométricas se ensamblan con absoluta limpieza y forman un conjunto armónico. Rue Mallet-Stevens nº 10 . 75016 Paris

Gracias  al galerista Eric Touchaleaume, (Gallerie 54) hoy podemos ver delante de la casa Martell la fuente luminosa de hormigón realizada por Mellet Stevens para  el casino La Pérgola de Saint-Jean-de-Luz. Un ejemplo mas de como este arquitecto extiende su trabajo a la escultura y al diseño.

www.admagazine.fr/architecture

www.connaissancedesarts.com