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- Escrito por Marisa Carrero
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Muchos se preguntan cómo Richard Serra es capaz de transmitir calidez, belleza e intimidad con un material como el acero y unas dimensiones tan descomunales. Quizás sea el minimalismo de sus obras; quizás sea por «su audacia para vertebrar el espacio urbano», según el jurado del Premio Príncipe de Asturias; o quizás sea su peculiar forma de trabajar el acero corten; lo cierto es que el resultado final nos sobrecoge y nos impulsa a pasear entre sus creaciones, a tocarlas, a sentirlas.
Richard Serra, nacido en San Francisco en 1939, de padre español y madre rusa, se forjó entre los altos hornos de las fábricas de acero de Pitchburg, en donde entró para conseguir el dinero que le permitiera estudiar Literatura inglesa, y salió conociendo el manejo del acero y la forma de darle vida: «Mi madre tuvo una gran influencia en mí en el tema del arte. Fue una persona que inculcó en mí la idea de que podía llegar a ser artista».
Después de sus estudios de Literatura en la Universidad de California y de Arte en la de Yale, en las que conoció a artistas como Philip Guston, Jasper Johns, o Frank Stella, viajó a París y a Florencia, donde se vio envuelto en un mundo artístico y cultural que le llevó a cambiar sus inclinaciones artísticas: abandonó las letras y se entregó a la escultura, con la que ha llegado a ser «el más grande de los escultores vivos» según el arquitecto Norman Foster.
Sus primeros trabajos fueron totalmente abstractos, todavía lejos de sus grandes dimensiones posteriores, basados en el movimiento conocido como process art (arte en proceso) donde: «Lo importante de esos primeros tiempos era el proceso creativo, no el resultado final». En esta época, el artista se basó en cuatro principios para crear: to hurl, to split, to roll and to heap (arrojar, rajar, rodar y apilar), experimentando además con las propiedades plásticas de materiales como el cuero, el neón o el plomo. Surgen en estos años las series Prop (Apuntalar), con piezas apoyadas unas en otras, una explicación personal de los principios del equilibro; y Belts, cinturones suspendidos de un muro como figuras blandas y retorcidas, ambas expuestas en el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, en 1976.
Imagen (izquierda): Corner Prop Piece, disponible en http://ffffound.com/, 23 de mayo de 2009
Imagen (derecha): Belts, disponible en http://www.guggenheim.org/
Su primera exposición individual la había realizado, algunos años antes, en Roma, en la galería La Salita, demostrando su gran originalidad y también toda su rebeldía ante lo que se consideraba «exposición» ya que recreó el hábitat de varios animales vivos, encerrados en sus jaulas y lo llamó Live Animal Habitat y que, más tarde, prefirió no incluir en su catálogo de creaciones, por no estar dispuesto a reproducirlo de nuevo y por considerarlo fuera de su auténtica obra. Quizás por eso, la gran exposición auspiciada años después por el galerista Leo Castelli fue tan diferente. Serra realizó para su galería unas cien esculturas arrojando plomo derretido contra una pared y contra el suelo, para que el metal se estrellara antes de solidificarse y creara así las más puras formas.
Imagen (izquierda): Splashing1, disponible en http://www.meridiano180.com/, 13 de mayo de 2013
Imagen (derecha): Splashing, disponible en https://i.ytimg.com
Como los artistas no suelen conformarse con una sola faceta del arte, Richard Serra también probó suerte con el cine y realizó el corto Hands catching Lead (La mano cogiendo el plomo), continuando con el mundo del vídeo durante los años setenta. Sin embargo, no podía alejarse de sus esculturas y, tras ser galardonado con el Premio Theodoron en el Guggenheim de Nueva York, protagonizó una exposición individual para el Museo de Arte Pasadera, aunque sus inquietudes se dirigían más a los espacios urbanos. Es el momento en el que el artista se lanza a por la escala monumental. Su objetivo es relacionar al ciudadano con su espacio creando esculturas impactantes por su tamaño y también por su sencillez.
¿Tuvo algo que ver en esto la botadura de un petrolero, a la que asistió con su padre cuando solo tenía cuatro años? Es posible. Quizás el enorme tamaño de aquel barco, su gran peso o la sensación de inestabilidad que demostraba impactaron en el artista hasta el punto de buscar estos efectos en las obras monumentales posteriores.
En 1981, en el gran maestro del acero crea obras tales como el Tilted Arc (Arco inclinado) para la Plaza Federal de Nueva York, originando, sin embargo, una gran polémica entre los trabajadores de los edificios colindantes, que se quejaban de no poder atravesar directamente dicha plaza. Hasta tal punto llegó su oposición que, en 1989, se desmontó y trasladó la escultura a un parque público, perdiendo todo su poder y su sentido.
Imagen: På vej forbi Tilted Arc på Federal Plaza, disponible en http://www.kunsteder.dk/
Después de esta, vinieron otras grandes obras caracterizadas, sobre todo, por sus formas (grandes rollos en forma de láminas) y por su material (el acero corten), cuya composición química produce una oxidación que protege la pieza de la corrosión del exterior sin a penas perder sus propiedades. El artista, además, buscaba la manera de unir la obra con su ubicación en lo que se ha llamado land art, que trata de liberar a la escultura de los límites de la talla y el entorno. Surgen así piezas como la serie Snake (Serpiente), creada ex profeso para el Museo Guggemheim de Bilbao, en su inauguración, o Equal-Parallel-Guernica-Bengasi, para el Reina Sofía de Madrid, con el deseo de que el público que las visitara, las recorriera por entero, las atravesara, las «viviera».
Imagen: Equal-Parallel: Guernica-Bengasi, disponible en http://www.museoreinasofia.es/
Su relación artística con España comenzó en 1982 cuando vino para conocer de cerca la escultura mozárabe. Después, sus obras no han dejado de visitar nuestros museos, algunas para quedarse definitivamente. Este es el caso de la ante mencionada Snake y del conjunto La materia del tiempo, expuesto en 2005 y definitivamente instalado en la Sala Arcelor de este museo bilbaíno. Una experiencia que el artista definió como sobrecogedora y la creación más grande de su carrera. Otros la han definido como una increíble sensación de vértigo y de espacio en movimiento.
Imagen: Snake, disponible en http://minimalissimo.com/
Durante todos estos años, Richard Serra fue creando numerosas esculturas repartidas por todo el mundo, Fulcrum (1987) para la boca de metro de Liverpool, en Londres; Charlie Brown, para la nueva central de Gap Inc., en San Francisco (2000), o Tuileries and Obalisque, en París (2008).
Siguió participando en numerosas muestras y exposiciones, aunque no lo hiciera siempre con sus monumentales esculturas. Por ejemplo, en 2006, participó en la Bienal del Whitney Museum de Nueva York, con la obra Stop Bush, un dibujo negro de crayón que representaba a un preso de Abu Graib, y que luego utilizó la propia bienal para realizar los carteles publicitarios, aunque con el lema algo alterado (Stop B S).
Imagen: Tuileries-Richard Serra and Obalisque, disponible en https://janolssonart.wordpress.com
En 2007, protagonizó una de sus mayores exposiciones retrospectivas, la del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), titulada Richard Serra Sculpture: Forty Years, en la que se presentaron muchas de las obras de sus «cuarenta años» de carrera, desde sus primeros materiales hasta las últimas esculturas.
Ciudades de medio mundo e instituciones culturales del otro medio han reconocido su obra; unas ocasiones, exhibiendo sus esculturas, otras otorgándole diferentes premios y galardones. Es Doctor Honoris Causa por las universidades de Yale, Londres y Navarra. Es Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de Francia y España y, en 2010, fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes. Un curriculum realmente increíble para uno de los arquitectos más importantes del momento.
Actualmente, su obra está presente en la Galería Serra del Boijmans de Bruselas, hasta octubre de 2015, basada en los «secretos» de una de sus obras más conocida, la escultura Arcos crecientes (Waxing Arcs). Y, nuevamente en el Museo Guggenheim de Bilbao, se presenta durante todo este año La materia del tiempo.
Richard Serra, convertido en el mago del acero, en el estudioso del espacio, comenzó su andadura artística recorriendo Europa y visitando su arte. Una de esas visitas tuvo lugar en el Museo del Prado en donde el escultor sintió que algo cambiaba en él: «Viendo la obra de Velázquez me di cuenta de que quería explorar la relación entre objeto y sujeto. Quería colocar el sujeto en la percepción del movimiento de quien ve la obra. Ése fue el mayor descubrimiento de mi vida».
Imagen (izquierda): Richard Serra Cage, disponible en http://greg.org/, 19 de mayo de 2011
Imagen (derecha): Corner Prop, disponible en http://slamxhype.com/, 15 de mayo de 2010
Imagen: Richard Serra, disponible en http://www.fondationbeyeler.ch/
Imagen (izquierda): Stop BS, disponible en http://www.annexgalleries.com/
Imagen (izquierda): Serra, disponible en http://www.gibbsfarm.org.nz/
Cubism. The Leonard A. Lauder Collection. Metropolitan Museum, New York
El arte de hoy reviste a sus creaciones de una apariencia grandiosa, monumental, que sobrepasa todo lo concebido antes por los artistas de nuestra era. G. Apollinaire. Los pintores cubistas.
“It is an unreprodutcible collection something museum directors only dream about”. Con estas palabras el pasado año, en abril de 2013, Thomas A. Campell recibió en nombre del Metropolitan Museum la impresionante donación que Leonard A Lauder, Chairman Emeritus of Estée Lauder Inc. Companies acababa de hacer al Met. Más de ochenta obras cubistas de primer orden pasaban a formar parte de la colección de uno de los grandes museos del mundo. Lauder pensó que el Metropolitan necesitaba completar su colección de arte moderno y que mejor que obras de los cuatro grandes del cubismo, Picasso, Braque, Gris y Léger. Con este motivo hace unos días se inauguró la muestra que lleva por título Cubism The Leonard A Lauder Collection y que permanecerá abierta hasta el 16 de febrero de 2015, a la espera que el Met habilite las salas donde se ubicaran definitivamente las obras.
La historia del cubismo está íntimamente ligada a la figura de Daniel-Henry Kahnweiler, un joven alemán que llegó a París en 1907 con la ilusión de convertirse en marchante de arte. Pronto abrió su galería en la rue Vignon y se atrevió a colgar, en 1908, los cuadros que Georges Braque había pintado ese verano en L’Estaque, y que el Salón de Otoño había rechazado. Esta exposición marcó el punto de inflexión de una manera nueva de entender la pintura y de ver el mundo, el cubismo. Posiblemente, la revolución artística más radical producida desde el Renacimiento, al romper con las convenciones que se habían mantenido hasta entonces en la pintura occidental. Louis Vauxcelles al hacer la reseña de la exposición se refirió a “cubos” (expresión de la que derivó el nombre) a los cuadros de Braque. Kahnweiler pronto se convirtió también en el marchante de Picasso y pocos años después de Gris y de Lèger. En el Bateau-Lavoir, residencia de muchos de los artistas del momento, Kahnweiler conoció a Apollinaire y a Max Jacob y pudo codearse con los artistas más vanguardistas del momento. Allí trabajaban Picasso, Gris, Brancussi, Modigliani, Van Dongen, Hugé … Son los años en que Apollinaire se une al cubismo para trasladarlo años después a la literatura. Los círculos de la vanguardia parisina se llenan de creadores, marchantes, críticos y coleccionistas internacionales receptivos a esta manera nueva de expresarse.
La exposición del Metropolitan es posiblemente una de las muestras más excepcionales que se puedan ver sobre este momento crucial de la pintura. La mayoría de las piezas proceden de colecciones privadas y solo de manera puntual el gran público ha podido disfrutarlas.
Lo increíble de esta donación es que el Met seguirá recibiendo obras cubistas gracias a la generosidad de Lauder. Un ejemplo es la última adquisición hecha, meses después de la donación, de un cuadro de Juan Gris , Still life Checked Tablecloth de 1915. A la donación hay que añadir la creación de un Centro de Estudios de Arte Moderno (Leonard A. Lauder Research Center for Moder Art) en el museo con fondos del propio Lauder, que pone de relieve el compromiso y la pasión de este filántropo con el arte y su difusión.
Todo lo que he hecho —primero para el Whitney, luego para el Met— no ha sido por gloria personal, sino como muestra de lo que considero que debe ser el papel de los coleccionistas privados en la actualidad: conservar, no poseer. (…) Los museos deben buscar nuevas fórmulas para animar a los coleccionistas a hacer donaciones, de esta manera el día de mañana habrá muchos más.
La exposición recorre las obra que Leonard Lauder ha ido coleccionando a lo largo de más de 40 años de los grandes maestros del cubismo y abarca un periodo relativamente extenso, prácticamente el primer cuarto del siglo XX. Oportunidad única para explorar el lenguaje artístico más influyente de la modernidad, no solo en la pintura sino también en la arquitectura y en las artes aplicadas. La obra, cronológicamente hablando más temprana, es un dibujo sobre papel de Pablo Picasso, titulado Tres Desnudos, de 1906, que se encontraba entre los papeles del pintor cuando abandonó París. Si se observa con un poco de detenimiento se pueden ver en el papel restos de apuntes anteriores. Debajo del desnudo femenino que aparece de pie en el centro de la composición, hay otro dibujo de mujer que recuerda al retrato de la escritora americana Gertrude Stein que Picasso pintó ese año, y que también es propiedad del museo americano. La última es un dibujo a carboncillo de Léger, de 1924, Two figures in the City donde aparece retratado del propio Léger junto al marchante Léonce Rosemberg en medio del denso ambiente de ciudad industrializada que tanto le gustaba.
Frente a la naturaleza sensorial del color y de la luz de Matisse, de la pasión expresionista de Van Gogh, los cubistas rinden culto a la forma, abordan la realidad desde aspectos intelectuales, buscan la esencia de los objetos frente a la mera apariencia. Estos se descomponen en múltiples imágenes y el color se convierte en un componente más de la forma. Se cuestionan las raíces de la representación y se crea una nueva existencia.
Las diferentes secciones (siete salas) de la muestra van encadenando e interrelacionando unos artistas con otros y su evolución. Desde las imágenes más pioneras de este movimiento hasta el legado que recoge Léger. Aproximadamente la mitad son pinturas y la otra mitad obra sobre papel, incluidos los collages, y dos esculturas de Picasso.
Lo primero que nos encontramos al entrar son tres obras de Braque que dan paso a la gran sala dedicada a Picasso, para llegar a la sala de Gris con la última adquisición y culminar con 15 obras de Fernand Léger.
Hablar de algunas de las obras y dejar otras fuera sería injusto, pero tiempo y espacio son las condiciones que limitan nuestra propia existencia y dos de las ideas centrales planteadas por el cubismo.
Las obras a las que a continuación me voy a referir son claves para entender la ruptura que supuso la construcción de un nuevo lenguaje artístico. Trees at l’Estaque y The terrace at the Hôtel Mistral son dos piezas fundamentales de este periodo todavía muy influidas por la pintura de Paul Cézanne no solo por el uso geométrico de las formas sino también por el cromatismo de la paleta. Este es el periodo que se define como precubista (1907-1909).
A este momento pertenecen también algunas de las obras de Pablo Picasso, Nude with Raised Arm and Drapery (Study for les demoiselles d’Avignon), perteneciente a una de las series más representativas conceptual y pictóricamente hablando del artista. Vemos a una mujer tumbada desnuda, con el cuerpo girado noventa grados y un brazo levantado formando una composición llena de fuerza expresiva en un juego de formas y líneas que se plasmará en el gran cuadro Les Demoisilles d’Avignon (1907), hoy en el MoMa.
Fruit dish and Glass de Braque (1912) es posiblemente el primer collage cubista y origen de una nueva comprensión pictórica, la apuesta más arriesgada del cubismo. Braque utilizó carboncillo para dibujar el vaso y el plato de fruta, y papel pintado de pared con textura de madera veteada para conseguir el color. Transposición de las imágenes reales frente a lo “real” del papel pintado, los materiales se descontextualizan, y se incorpora la realidad sin imitarla. Estamos ante el llamado cubismo sintético. Pero la obra más importante de este período es Woman in a chemise in an armchair (1913-1914) de Picasso. De nuevo la mujer es el centro de su atención en una composición donde los elementos principales, la figura femenina y la butaca interactúan en una complejidad de planos que queda acentuada por la tensión cromática de claros y oscuros reforzada por un fondo sereno que ayuda al espectador a fijar la atención en ciertos elementos como los senos, el periódico, el brazo izquierdo …
Cuando Juan Gris llegó a París en 1906 lo primero que hizo fue visitar el taller de Picasso, allí conoció a muchos de los artistas que pronto se convertirían en sus amigos. Comenzó a trabajar en el cubismo analítico para evolucionar hacia el collage, el color y el cubismo de síntesis. La exposición refleja con fidelidad en dos de sus obras más representativas esta idea: Pears and grapes on a table (1913), Checkerboard and playing Cards (1915). Otra constante del trabajo de Gris en la exposición es su interés por los bodegones marcados por un extraordinario rigor geométrico y una preocupación por las descripciones matéricas de los objetos.
El cuarto de los grandes cubistas, Fernand Léger definió la pintura como ordenamiento de los tres grandes componentes plásticos: las líneas, las formas y los colores. Composition (The Typographer) es un reflejo de estos planteamientos. El cuadro,de grandes dimensiones, recuerda a los cartelones que se adueñaron del París de postguerra. La composición sufrió muchos cambios y Léger no la dio por finalizada hasta 1919. En el centro de la imagen aparece un personaje vuelto al espectador, colocando letras blancas y rojas. Lleva un sombrero de colores, se le ve la oreja izquierda en color gris y las dos figuras rojas de la parte inferior dan forma al torso del trabajador. La composición adquiere fuerza al quedar enmarcada por un fondo negro que se hace visible en los laterales. La interacción de volúmenes y colores convierte al cuadro en una artefacto de difícil definición. A Léger le interesa la solidez geométrica y la cualidad escultural de sus figuras para dar significación pictórica a su trabajo.
Esta exposición es un homenaje al cubismo y un reconocimiento internacional a la labor de uno de los grandes mecenas de la historia del arte contemporáneo. ¡Ojalá, existieran muchos personajes como Leonard A Lauder!, seguro que el mundo sería mejor.
El arte es la tarea suprema y la actividad propiamente metafísica de esta vida.
F. Nietzsche
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- Escrito por Marisa Carrero
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Contemplar la obra de Goya siempre es un regalo. Podemos hacerlo por nuestra cuenta o podemos dejarnos llevar de la mano de algún experto. Esta es la opción que nos propone Desvelarte los fantasmas de Goya, un grupo de profesionales que nos citan a los pies de la escultura del artista, esa imponente estatua que se encuentra en la entrada norte del Museo del Prado, para empezar aquí una singular ruta a través de las pinturas que decoraban la llamada «quinta del sordo», la casa en la que vivía Goya a las afueras de Madrid. Su intención es estimular «tanto tu mente como tu mirada al contacto directo con estas obras».
En una noche que está llena de misterio, de sombras y de fantasmas, el grupo Desvelarte, nos propone adentrarnos en las sombras de las pinturas negras de Goya, entre sus claroscuros, sus imágenes distorsionadas y la plasmación de los temores que atormentaban al artista.
Durante una hora y treinta minutos, nos prometen un emocionante recorrido, en medio de una luz tenue y misteriosa, por las diferentes salas en las que habitan estas pinturas; una forma diferente de mirar y de sentir esta serie de pinturas con las que el artista convivió durante años mientras decoraban las paredes de su casa.
A lo largo de 1819, y terriblemente enfermo, Goya se sintió impulsado a dibujar escenas esperpénticas, rostros desencajados, actos infames, abrumado, no solo por su enfermedad, sino también por la situación política del momento. El artista aragonés las realizó directamente sobre el muro cubierto de yeso, con la técnica llamada óleo al secco, y permanecieron prácticamente desconocidas durante más de cincuenta años, hasta que Salvador Martínez Cubells las traspasó al lienzo bajo el patrocinio del barón Èmile d'Erlanger, siendo cedidas finalmente al Museo del Prado en 1881.
Este viernes 31 de octubre, podremos sentir la mirada de Las Parcas armadas con sus temibles tijeras; también podremos pasear entre El aquelarre, repleto de brujas y sombras, mientras intentamos librarnos de un Duelo a garrotazos; trataremos de evitar la desquiciada mirada de Saturno devorando a sus hijos y contemplar la extraña marcha de la Peregrinación a la fuente de San Isidro.
El grupo Desvelarte, en su empeño por mostrarnos el arte y la cultura de una forma diferente, organiza todo tipo de eventos que nos aproximan a los museos y a los artistas siguiendo un camino nuevo y original, desvelando «los secretos que esconden las calles, las plazas y las obras de arte que tantos nos fascinan».
Desvelarte los fantasmas de Goya
Viernes 31 de octubre de 2014
Horario: A las 11:00 h. y a las 17:00 h.
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- Escrito por Marina Valcárcel
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"Aquello que aparece solo sugerido es más real que lo plenamente definido" Cecily Brown.
Las paredes de la galería Gagosian se han teñido estos días de colores pastel, desde los rosas suaves a los verdes brillantes, en un guiño alegre a los cuadros impresionistas. Es una selección de las nuevas obras de Cecily Brown (Londres, 1969). En su primera exposición en solitario en París.
En sus últimos cuadros, esta pintora contemporánea que viene del mundo expresionista, nos seduce con su habitual diálogo con los grandes momentos de la tradición pictórica universal. Su obra está llena de referencias e influencias de otros artistas desde Veronés a Rubens, o desde Goya a Willem de Kooning, pasando por Francis Bacon. Y así, en esta exposición nos encontramos con cuadros como Hollyhocks that aim too high (2013), basada en la obra de Degas, o Combing The Hair (2013), en una clara alusión a los cuadros intimistas o de boudoir del siglo XIX.
La pintura de Cecily Brown nos lleva hasta el terreno de lo fantástico. En sus cuadros no hay perspectiva, todo sucede en la superficie. Parecen inmensos jardines al óleo, hechos de manchas de color en los que se mezclan la historia de la pintura, la ferocidad del instinto sexual y los dramas inherentes a la naturaleza en unas imágenes que se funden sin aparente criterio jerárquico. Así, sus cuadros se convierten en una suerte de organismo vivo en el que resalta la maestría de la pincelada de la artista, rápida y vigorosa, dotando a sus obras de una sensualidad y vitalidad magnéticas.
Entre estos jardines imaginarios pinta desnudos muy diferentes, desde los que aparecen solo sugeridos, a los más sólidos y claramente identificables. A través de ellos, el deseo surge como algo incontrolable, con sus propios márgenes y leyes. Cada uno de los lienzos de Brown es como una composición en movimiento. En ellos condensa el sujeto y el contexto mezclándolos con un colorido muy personal, de tintes brillantes y contradictorios. El resultado es la representación de una naturaleza que conmueve y desorienta, llevando al espectador hasta algo parecido a un juego en el que se encuentra así mismo buscando entre los brochazos del cuadro para descubrir aquí una cara, allí un brazo, un personaje o incluso un estilo como si de un cuento de niños se tratara.
Lo mismo sucede con los títulos de sus cuadros, también enigmáticos y aparentemente escogidos al azar, entre las palabras sueltas entresacadas de las letras de canciones o entre algún recorte de una revista.
En los últimos diez años, Cecily Brown ha expuesto sus trabajos en importantes galerías y museos de Europa y Estados Unidos: Guggenheim Museum de Nueva York, Whitney Museum of American Art de Nueva York y la Tate Gallery de Londres.
Exposiciones individuales: "Instrucciones: Cecily Brown" Museo Hirshhorn y Jardín de Esculturas, Washington DC (2002); MACRO, Roma (2003); Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (2004); Museo de Arte Moderno de Oxford (2005); Kunsthalle Mannheim (2005-06); Des Moines Art Center, New York (2006); Museo de Bellas Artes de Boston (2006-07); Deichtorhallen, Hamburgo (2009); "Basado en una historia real" Kestner Gesellschaft, Hannover (2010, viajó a GEM, Museo de Arte Contemporáneo de La Haya); y Galleria Civica d'Arte Moderna e Contemporanea, Turín.
Cecily Brown vive y trabaja en Nueva York.
Gagosian Gallery
4, Rue de Ponthieu
75008 París
Cecily Brown: Del 19 de octubre, al 20 diciembre 2014.
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- Cecily Brown, Gagosian Gallery, París - - Página principal: Alejandra de Argos -
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- Escrito por Marisa Carrero
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Para este escultor nacido en Bombay (1954) y residente en el Reino Unido, el origen o las raíces nada tienen que ver con la obra de un artista: «No creo en la idea del origen étnico (...). Para mí, ser un artista español, americano o inglés viene a ser igual. Lo importante es la obra». Esto sorprende sobremanera cuando Anish Kapoor es hijo de padre hindú y de madre judía, criado en la India y formado en Gran Bretaña, sin embargo, nunca ha querido reducir su obra a las peculiaridades de sus orígenes porque, para él, lo realmente importante son las cualidades símbolicas y formales de su trabajo. Pero lo cierto es que no ha podido desvincularse de los colores brillantes de su tierra natal. Sus primeros años los pasó estudiando en la Doon School de Bombai y, más tarde, en 1973, se trasladó a Londres para estudiar en la Chelsea School of Arts and Design.
Para este escultor nacido en Bombay (1954) y residente en el Reino Unido, el origen o las raíces nada tienen que ver con la obra de un artista: «No creo en la idea del origen étnico (...). Para mí, ser un artista español, americano o inglés viene a ser igual. Lo importante es la obra».
Esto sorprende sobremanera cuando Anish Kapoor es hijo de padre hindú y de madre judía, criado en la India y formado en Gran Bretaña, sin embargo, nunca ha querido reducir su obra a las peculiaridades de sus orígenes porque, para él, lo realmente importante son las cualidades símbolicas y formales de su trabajo. Pero lo cierto es que no ha podido desvincularse de los colores brillantes de su tierra natal.
Sus primeros años los pasó estudiando en la Doon School de Bombai y, más tarde, en 1973, se trasladó a Londres para estudiar en la Chelsea School of Arts and Design. Siendo todavía estudiante, participó en diferentes concursos y muestras como la exposición Art into landscape, en 1974, en la Serpentine Gallery de Londres. Se fraguaba ya la figura de uno de los máximos representantes de la denominada nueva escultura británica, junto a otros artistas como Richard Deacon y Toni Cragg. Son los años en los que el artista experimenta con los pigmentos y también cuando empieza a crear esculturas abstractas hechas con materiales naturales como el granito, la piedra caliza, el mármol o el yeso: «Soy escultor, no tengo elección, me interesan los objetos». Surgen así obras como 1000 Nombres (1, 000 Names) que luego expondría en la Galerie Patrice Alexandre de París, en 1980, en su primera exposición individual.
imagen: 1000 names, disponible en http://www.museoreinasofia.es/
Aquí empezó su éxito, engrandecido después por otros logros obtenidos en diferentes exposiciones en Gran Bretaña y Estados Unidos, en las que, en ocasiones, sus obras se vendían incluso antes de la inauguración, como fue el caso de la que realizó en la Barbara Gladstone Gallery de Nueva York. Después llegaron los premios y reconocimientos como el Premio Duemila al Mejor Artista Joven, por su participación en la 44 Bienal de Venecia, en 1990, en representación del Reino Unido y, años más tarde, (1991), el prestigioso Premio Turner.
Sus trabajos continuaron exponiéndose en museos de todo el mundo como la Tate Gallery o la Hayward Gallery de Londres, el Deutsche Guggenheim de Berlín, el Reina Sofía de Madrid, o el Kunsthalle de Basilea, y en todos ellos iba evolucionando e innovando. Durante estos años, Kapoor realiza algunas de sus obras más representativas como En el centro de las cosas (At the Hub of Things), que se considera obra cumbre de los conocidos como «vacíos» y que da paso también a la serie de esculturas que realizaría después en piedra, entre las que destaca Adam (1988), considerada una de sus obras fundamentales ya que supone la plasmación de sus estudios e ideas sobre el espacio, una de las constantes preocupaciones de su trabajo.
Para él, una obra no debe guardar marcas de su manofactura o de su proceso de creación; debe ocupar su propio lugar y tener su propio valor, más allá del artista que la ha hecho, porque lo que importa es su contemplación.
Imagen (derecha) : It is Man, disponible en http://www.museoreinasofia.es/
No contento con la simple escultura, decide dar a sus obras un carácter arquitectónico y en su obra Descenso al limbo (1992), con la que participa en Documenta IX, necesitó, por primera vez, la construcción de un edificio que la albergara. Después vinieron una serie de pequeñas realizaciones independientes que demostraron aun más el interés del artista por el control del espacio. De hecho, su primera visita a nuestro país, en 1992, fue para colaborar con el arquitecto David Connor en la creación de Edificio para un vacío, en la Expo de Sevilla. Pero su espíritu inquieto necesitaba de nuevas expresiones y será también en estos años cuando empiece a experimentar con los espejos, tal y como hace en su obra Poniendo el mundo bocabajo (Turning the World Upside Down), de 1995.
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En estos primeros años de la década de los noventa, el artista parece especialmente interesado en las dimensiones, en cómo aumentarlas, en cómo incluir al espectador en ellas: «La escala lo es todo en escultura. No temo hacer piezas grandes pues la enormidad es una de las herramientas de la escultura. Por eso es importante tener en cuenta el significado y el sentido de una pieza que nos seduce con su poesía».
Esta búsqueda, esta inquietud fue evolucionando hasta desembocar en una de sus obras más representativas, Marsyas, creada para la Tate Modern de Londres, para la serie Unilever, de la Sala de las Turbinas, en 2002. Con ella, el artista juega descaradamente con la escala humana haciendo que sus dimensiones hagan imposible verla desde un solo ángulo, de manera que el espectador deba caminar a su alrededor. Su intenso color rojo y su nombre, relacionado con la mitología griega, son el aspecto terrenal y, al mismo tiempo, espiritual de ese juego de contrarios que caracteriza la obra de este artista.
Imagen (izquierda): Ben Hoyle, disponible en http://www.thetimes.co.uk/
Imagen (derecha) : Marsyas, 2002, disponible en http://www.museoreinasofia.es
Mientras, con su título de Comandante de la Orden del Imperio Británico bajo el brazo en reconocimiento por su contribución a las artes, da otro salto más en el estilo de su obra y crea Mi patria roja (My Red Homeland) (2003) donde el color de una enorme masa roja lo inunda todo, mientras un rodillo arrastra la cera muy lentamente formando un enorme círculo que se crea y se destruye a la vez, en una especie de autocreación que lleva al origen de las cosas: «Siento que soy realmente un artista abstracto y que hago arte abstracto. Una de las condiciones de la abstracción es precisamente su idoneidad para ir hacia el principio de las cosas (...). Es por eso por lo que me interesa que los objetos se autocreen, aunque sea una ficción».
Imagen: My Red Homeland, disponible en http://www.guggenheim-bilbao.es/
Un año después, Anish Kapoor realizará su primera obra de carácter público en los Estados Unidos. Se trata de la famosísima Puerta de las nubes (Cloud Gate), instalada en el Millenium Park de Chicago. Creada a base de placas de acero inoxidable, muy pulidas, se convierte en un gigantesco arco que refleja y distorsiona a la vez el entorno en el que está. Es casi imposible sustraerse a ella y los visitantes del parque sienten una atracción especial que les empuja a traspasarla, a rodearla, a acercarse a ella. Después de esto, su prestigo le lleva a protagonizar numerosas exposiciones alrededor del mundo: en Nueva York, en Italia, en Tokio, en Brasil, sin dejar nunca de buscar nuevas formas de impactar en el espectador y de alterar los espacios en los que este se mueve.
Y así surgió otra de sus grandes obras creada para un espacio público, Espejo del cielo (Sky Mirror), situada en el Rokefeller Center de Manhattan en 2006. Muchas fueron las interpretaciones que trataron de definir esta obra: un espejo que reflejaba el cielo, el cielo traído a la tierra; pero la realidad era, nuevamente, que el artista volvía a jugar con el espacio y con la percepción del mismo: a la habitual marabunta de tráfico y personas se contraponía el espacio de un cielo atrapado en el centro cóncavo del espejo, mientras en la parte convexa, los transeúntes podían verse a sí mismos.
Imagen: Cloud Gate, disponible en http://www.cityofchicago.org/
Imagen (derecha): My SkyMirror, disponible en http://newyorkdailyphoto.com/
Llegados a este punto, cualquiera puede comprender que Anish Kapoor no renuncia a ninguna vía; ninguna posibilidad esta descartada en su imaginación. Pasa de la piedra a la cera y de esta al acero más puramente bruñido, creando obras de cualquier tamaño imaginable y traspasando cualquier barrera que podamos imaginar. ¿Cómo si no fue capaz de idear, en 2008, su proyecto Valle de los Soportes Gigantes (Tees Valley Giants)? Solo alguien que no teme al espacio y a la percepción crea una escultura llamada Temenos (en griego, «terreno sagrado») que quedaría instalada en 2010; una enorme red «cazamariposas» de 55 metros de altura y 110 de longitud como primera de una serie de esculturas públicas repartidas por Teeside, al nordeste de Inglaterra, y que realiza en colaboración con el ingeniero Cecil Balmond. Sin duda, nos está invitando a que vivamos experiencias nuevas y únicas con su arte, lleno de incertidumbre y de sorpresas e irremediablemente impactante.
Imagen (izquierda): La Mayor Obra de Arte del Mundo(1): Kapor, disponible en http://es.paperblog.com/
Imagen (derecha): La Mayor Obra de Arte del Mundo(2): Kapor, disponible en http://es.paperblog.com/
Estos logros le llevan al encargo de realizar la gran Órbita ArcelorMittal (ArcelorMittal Orbit) para las Olimpiadas de 2012 de Londres, otra vez junto al ingeniero Cecil Balmond, creando una enorme torre de acero que gira sobre sí misma y de la que se puede descender por una enorme escalera de caracol. Todos los estudios, reflexiones y cálculos los hizo el artista al tiempo que organizaba diferentes exposiciones por todo el mundo. Sus obras se mostraron al público en Londres, San Petesburgo y Bilbao. Aquí, su exposición de 2011 en el Museo Gugenheim llenó de color las salas con obras tales como Amarillo o Mi patria roja, y el exterior, con sus reflejos, que se plasmaron en El gran árbol y el ojo, hecha a base de enormes bolas de acero inoxidable.
Imagen (izquierda): ArcelorMittal Orbit, disponible en http://anishkapoor.com/
Imagen (derecha): Tall Tree & Eye, disponible en http://www.guggenheim-bilbao.es/
¿Qué podía ser lo siguiente? ¿Que nueva obra vendría a sorprender de nuevo al espectador? Leviathan: «Un monstruo marino es grande, amorfo, incontrolable y provoca emociones". Y esto es lo que provocó Kapoor, todo tipo de emociones al crear otra enorme construcción de goma roja en forma de globos concebida expresamente para la cuarta edición del Grand Palais de París. Con el nombre del monstruo bíblico, estas enormes esferas dejaban al visitante pasear por su interior como si hubieran sido engullidos por un organismo vivo, las entrañas del propio monstruo. Por fuera, vemos unas enormes esferas que intentan buscar hueco entre los hierros y el vidrio de la enorme sala del museo parisino. El éxito de su exposición lo dedicó al artista Ai Weiwei que, en aquel momento, estaba detenido por las autoridades de Pekín.
Imagen (izquierda): Leviathan disponible en http://anishkapoor.com/
Sus creaciones han seguido recorriendo el mundo, llenando con sus «vacíos» tanto los espacios públicos como las salas de los museos. En 2012, lo vimos en la Lisson Gallery de Londres, en una retrospectiva de su carrera, tras las tres décadas de colaboración entre ambos. Después en Seul, en Sidney, en Estambul. Y en 2013, lo encontramos en Matsushima (Japón) con un enorme auditorio móvil para albergar los conciertos solidarios del festival Ark Nova, surgido tras el tsunami de 2011. Un ambicioso proyecto realizado en colaboración con el arquitecto japonés Arata Isozaki y que ha supuesto un nuevo concepto de edificio público: una gran membrana inflable que puede desmontarse tras el espectáculo y trasladarse a otro espacio.
Imagen (izquierda): Ark Nova Isozaki, disponible en http://www.uncubemagazine.com/
Imagen (derecha): Ark Nova, disponible en http://www.dezeen.com/
En su afán por investigar y experimentar con nuevos materiales y técnicas, ha llegado a colaborar con la empresa española Factum Arte para el desarrollo de una impresora 3D en cemento que deposita este material siguiendo el escaneado de un modelo previo. Y, actualmente, experimenta con un nuevo material de reciente creación, llamado Vantablack que el artista define como «un material alucinante, tan profundamente negro que tus ojos no pueden realmente abarcarlo todo».
Es muy probable que mientras lo consigue, Sir Anish Kapoor se pasee por las salas de su estudio de Peckham, en Londrés, en donde trabaja con sus colaboradores: «Aquí experimentamos con materiales, superficies, hacemos formas y texturas sin saber cuál será el resultado final. De todo ello emerge eso que llaman arte».
- Anish Kapoor: biografía, obras y exposiciones - - Página principal: Alejandra de Argos -
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- Escrito por Marisa Carrero
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No queda mucho tiempo para disfrutar de la pasión, de los fuertes sentimientos nacidos de lo más profundo del ser humano. No queda mucho tiempo para enfrentarnos a todo lo que nos ofrecen y nos cuentan las imágenes que se encierran en las obras de la pintora Anka Moldovan en el museo Casa de América de Madrid, al menos, no físicamente.
La segunda edición de la exposición Arte en la red. De lo virtual a lo físico, que organiza este museo, traslada a sus salas las obras de diez artistas que han triunfado en su galería virtual. Ha sido el público que ha disfrutado de estas obras en Internet, quien ha decidido con sus votos qué artistas estarían presentes en esta exposición; al jurado solo le ha quedado seleccionar las obras de cada uno de ellos.
Entre estos artistas destaca Anka Moldovan, una pintora de origen rumano que lleva lo suficiente en nuestro país como para considerarse «una nueva madrileña, más que una inmigrante».
Los que conocen su obra hablan de «impulso visceral», de «historias y relatos» contados en cada lienzo, de «creación de ambientes» con una atmósfera distinta, entre nieblas, asfaltos y personajes impactantes que, unas veces nos miran directamente a los ojos y otras nos dan la espalda, no sabemos si buscando algo mágico.
Para ella: «Lo que siempre me ha inspirado, sin duda alguna, ha sido la figura humana, su silueta. El factor humano me fascina en todas sus facetas y vertientes». «Para mí todas las personas somos contenedores en nuestro interior, donde acumulamos muchas cosas, y con una apariencia muy distinta».
Los estados anímicos de las creaciones de Anka Moldovan han traspasado, sin lugar a dudas, las fronteras virtuales de la Red para presentarse ante nosotros llenas de historias cotidianas y cercanas al ser humano «con mayúsculas».
Nacida en Cluj-Napoca, Rumanía, en 1976, es licenciada en Historia del Arte por la Universidad Autónoma de Madrid y lleva ya a sus espaldas numerosas exposiciones, tanto individuales como colectivas, en ciudades como Nueva York, París, Berlín, Oporto, Bolzano, Sevilla, Santiago, Madrid...
Ella sigue exponiendo sus obras en Arte en la Red, para que todos podamos disfrutar y sentir con lo que nos cuenta. Internet y las redes sociales son el medio.
Sus obras y las de los demás artistas están repartidas por los diferentes espacios del museo: en el jardín, en la entrada, en la sala Diego Ribera, hasta el 8 de noviembre.
Del 2 de octubre al 8 de noviembre de 2014.
CASA DE AMÉRICA. Sala Diego Rivera
ANKA MOLDOVAN en Arte en la Red. De virtual a exposición física
- Anka Moldovan. De la Red a la Casa de América - - Página principal: Alejandra de Argos -
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- Escrito por Marisa Carrero
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Con la original idea de buscar los puntos comunes entre artistas contemporáneos y aquellos pertenecientes a la colección permanente del museo, los responsables de la institución Phillips's Collection de Washington han organizado una nueva e interesante serie dentro de sus Phillips Collection’s Intersections, tal y como llevan haciendo desde 2009. Se trata de NO/Escape y, en esta ocasión, el artista protagonista es el mallorquín Bernardí Roig, quien ha montado seis increíbles esculturas con las que traza el paralelismo entre su trabajo y las litografías de mediados del XIX del pintor francés Honoré Daumier, ambos mostrando conmovedoras y difíciles situaciones sociales.
¿Cómo lo lleva a cabo? Roig desafía la percepción de los visitantes llenado los espacios del museo con sus esculturas a tamaño real, hechas de yeso blanco e iluminadas con diferentes tipos de luz. Sus figuras, cargadas de ansiedad y soledad, aparecen presentadas en las más difíciles situaciones, tanto físicas como psíquicas, retorciéndose de dolor, acorraladas o atrapadas bajo decenas de alargados tubos fluorescentes, símbolos de la ceguera producida por la sobrestimulación a la que estamos todos sometidos: «Todos estamos sometidos a la luz, una luz que disuelve el contorno de las cosas, una luz blanca dentro de la cual todas las cosas fluctúan».
Para el artista mallorquín, vivimos en un mundo saturado de imágenes por todas partes, hasta tal punto que cada vez es más difícil darles significado, ya que su masiva producción hace que pierdan intensidad y expresividad. Así, sus figuras Man of the Light (2005) y Mauroner (2008), están situadas estratégicamente, dentro y fuera del museo, para provocar en el espectador el sentido de dualidad del hombre contemporáneo: prisión y libertad, ceguera e iluminación, ausencia y presencia.
Además, el artista ha creado, ex profeso para esta exposición, la obra White Cage, situada en la esquina de la 21 con Q Street, con la que pretende rememorar uno de los sensacionales actos de escapismo del gran Harry Houdini, a principios del siglo XX, empujando al visitante a pensar en el encarcelamiento y el escape.
INTERSECTIONS CONTEMPORARY ART PROJECTS
Intersecciones es una serie de proyectos de arte contemporáneo, llevados a cabo por la Phillips Gallery desde 2009, que trata de explorar las intersecciones entre viejas y nuevas tradiciones, los espacios del museo y las intervenciones artísticas. Ya sea para comprometerse con la colección permanente o con los diversos espacios del museo, estos proyectos presentan nuevas relaciones incluyendo sus propias sorpresas.
INTERSECTIONS: BERNARDI ROIG
NO/ESCAPE
OCTOBER 25, 2014 - MARCH 8, 2015
- NO/Escape y Bernardí Roig - - Página principal: Alejandra de Argos -
