Alejandra de Argos por Elena Cue

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Dos vidas paralelas en el tiempo, dos formas de entender el mundo cercanas y un “papel” que unió para siempre a dos grandes creadores de la primera mitad del siglo XX. Me estoy refiriendo, a Paul Klee (1879-1940), a Walter Benjamín (1892-1940) y a esa pequeña obra de apenas 32x24 cms, titulada Angelus Novus, realizada en 1920.

Paul Klee

Angelus Novus

 

"Desde tiempos de Homero los grandes relatos han seguido las huellas de las grandes guerras, y los grandes narradores han emergido de ciudades destruidas y paisajes devastados". H. Arendt

Dos vidas paralelas en el tiempo, dos formas de entender el mundo cercanas y un “papel” que unió para siempre a dos grandes creadores de la primera mitad del siglo XX. Me estoy refiriendo, a Paul Klee (1879-1940), a Walter Benjamín (1892-1940) y a esa pequeña obra de apenas 32x24 cms, titulada Angelus Novus, realizada en 1920.

Durante una visita a Munich en junio de 1921, Walter Benjamin, acompañado de su gran amigo Gerschom Scholem, visitó la galería de Hans Goltz en la Odeonplatz para comprar el Angelus Novus, aquel cuadro que tanto le había impresionado un año antes en Berlín. 

 

Paul Klee1

 

Klee llevaba tiempo buscando nuevos métodos de representar la realidad y nuevas posibilidades formales. En sus Confesiones Creativas, fechadas en 1920, comienza diciendo: "El arte no reproduce lo visible, sino hace lo visible". La naturaleza de la gráfica conduce fácilmente- y con razón- a la abstracción. Lo esquemático y fantasioso del carácter imaginario viene dado y se manifiesta al mismo tiempo con gran precisión.

Para Klee la forma se convirtió en el elemento generador que surge de manera natural y directa desde la imaginación para dar rienda suelta a una nueva libertad creadora que busca la expresividad y la inmediatez. Lo formal debe confundirse con la concepción del mundo (1916). La naturaleza crea a través del artista.

Los ángeles son una forma de expresión directa, próximos a una naturaleza sin corromper, en un intento de compensar el mundo del progreso y de la tecnología con el mundo del espíritu, del que luego hablara Benjamin. Constituyen un recurso simbólico para plasmar la indignación que sentía por todo lo que estaba ocurriendo en unos años llenos de incertidumbre y donde las certezas habían perdido su valor. Necesitaba fantasear y los ángeles eran un vehículo para ir más allá de una realidad demasiado prosaica. "Para sacarme a mí mismo de entre las ruinas, tendría que volar. Y volé. En ese mundo destrozado ya sólo vivo en el recuerdo, así como a veces se piensa en algo pasado. Por eso soy abstracto con recuerdos" (1915). Las mismas ruinas que más tarde se amontonaran sobre los pies del ángel de la historia.

“Cuanto más terrible se hace este mundo, como ocurre ahora, tanto más abstracto se hace el arte” (1915). Ese año murió su amigo y compañero Franz Marc en el frente de Verdun. Klee y Benjamin compartieron un mundo convulso que marcó su vida y su trabajo. Ambos buscaban el camino para dar forma a su pensamiento. Para klee lo que percibimos es una proposición, una posibilidad, la verdad autentica está en el fondo, por lo pronto invisible (1916). Para Benjamin la verdad está en las representaciones más insignificantes de la realidad.

“Algo nuevo se anuncia, lo diabólico se mezcla en simultaneidad con lo celeste, el dualismo no será tratado como tal, sino en su unidad complementaria. Ya existe la convicción. Lo diabólico ya vuelve a asomarse aquí y allá, y no es posible reprimirlo. Pues la verdad exige la presencia de todos los elementos en conjunto.” (10 de junio 1916). De nuevo la imagen del ángel se nos aparece.

Benjamin hace su propio relato interpretativo del cuadro de Klee, sin corromper un ápice las intenciones del artista sobre las imágenes de esos ángeles contemporáneos que tanto le interesaron y donde caben tantas ideas.

La imagen del Angelus Novus se convirtió en una obsesión recurrente del pensamiento de Benjamin. Siempre ocupó un lugar destacado en su estudio y parece que lo colocó junto a una reproducción del retablo de Isenheim del pintor alemán Mathias Grünewald, obra de un tremendo dramatismo que deja al desnudo la miseria humana. ¿encontró algún paralelismo entre ambas imágenes?

 

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La crucifixión. Tabla central del Retablo de Isenheim. Matthias Grünewald. Museo de Unterlinden, Colmar, Francia

 

El Angelus Novus, tiene la cabeza cubierta por un llamativo pelo rizado y es desproporcionada en relación con el tamaño del cuerpo, los pies son como los de un pájaro y las alas están unidas a las manos. El cuerpo esconde un péndulo dentro de una torre, ese elemento armónico y silencioso que marca el movimiento y el tiempo y que tanto le interesó a Klee y que tanto atormentó a Benjamin. Los ojos muy abiertos y enormes fijan la mirada más allá de nuestra vista. La boca entreabierta, parece que va a decir algo. El Angelus Novus trae un mensaje y espera la respuesta a través de sus enormes orejas. Todo parece encajar para Benjamin, es el Ángel de la Historia. Las cosas se le revelan en su significado secreto.

Hay un cuadro de Paul Klee llamado Angelus Novus. En este cuadro se representa a un ángel que parece a punto de alejarse de algo a lo que mira fijamente. Los ojos se le ven desorbitados, tiene la boca abiertas y además las alas desplegadas. Pues este aspecto deberá tener el ángel de la historia. Él ha vuelto el rostro hacia el pasado. Donde ante nosotros aparece una cadena de datos, él ve una única catástrofe que amontona incansablemente ruina tras ruina y se las va arrojando a los pies. Bien le gustaría detenerse, despertar a los muertos y recomponer lo destrozado. Pero, soplando desde el Paraíso, una tempestad se enreda en sus alas, y es tan fuerte que el ángel no puede cerrarlas. Esta tempestad lo empuja incontenible hacia el futuro, al cual vuelve la espalda mientras el cúmulo de ruinas ante él va creciendo hasta el cielo. Lo que llamamos progreso es justamente esta tempestad.

Este es el texto completo de la tesis IX del ensayo Sobre el concepto de Historia. Las XVIII tesis que lo componen son una reflexión sobre la idea del progreso y sus consecuencias dentro del concepto de historia, pieza angular del pensamiento de Walter Benjamín, donde cuestiona el tiempo de la modernidad y la idea de progreso en él sustentada, a través de esa capacidad de dar forma material a lo invisible. Escrito durante sus últimos meses en Paris, en vísperas de la ocupación alemana y concluido días antes de abandonar la ciudad, a un exilio fallido. Su plan era atravesar España, camino de Lisboa para embarcarse rumbo a Estados Unidos donde le esperaban sus amigos, Max Horkheimer y Theodor W. Adorno y el Instituto de Estudios Sociales.

Preocupado por un futuro demasiado incierto, antes de abandonar la capital francesa, confió a su amigo George Bataille, una maleta con sus posesiones más preciadas, el dibujo del Angelus Novus y sus últimos escritos, entre los que se encontraba el manuscrito de Las Tesis sobre la Filosofía de la historia, con el encargo de que si algo le pasaba se lo hiciese llegar a Theodor W. Adorno. El ensayo lo publicó Adorno en un numero especial del Instituto de Estudios Sociales en 1942, gracias a la copia que Benjamin había entregado a Hanna Arendt y que ella, con muchas reticencias, entregó a Adorno. El cuadro terminó en manos de Gerschom Scholem, por expreso deseo de Benjamin. El libro de Scholem, Las corrientes fundamentales de la mística judía había sido una inspiración fundamental para sus trabajo. Actualmente forma parte de la colección del Museo de Jerusalén.

El Angelus Novus en una representación excepcional del valor del movimiento en el devenir y de la importancia de la mirada al pasado para construir el futuro. La distancia histórica ha aumentado su poder y ha decidido su inmortalidad.

 

Klee Benjamin

 Walter Benjamín y Paul Klee 

 

- Paul Klee -Angelus Novus- Walter Benjam -                        - Alejandra de Argos -

Pablo Picasso es, sin lugar a dudas, uno de los artistas plásticos más famosos del mundo. Su obra trasciende todo tipo de fronteras y de clasificaciones; tan vasta y diversificada como única, supuso un antes y un después en la producción artística a nivel mundial. Polémico, controvertido, con un talento sin límites y una insaciable necesidad de crear, su frase más conocida refleja fielmente su personalidad: “cuando llegue la inspiración, que me encuentre trabajando”.

 

El artista más influyente de la Historia contemporánea

 

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“La línea del destino. Pablo Picasso en Vallauris”, 1952. Fotografía de Robert Doisneau.En bcn.cat/museupicasso/es

 

Pablo Picasso es, sin lugar a dudas, uno de los artistas plásticos más famosos del mundo. Su obra trasciende todo tipo de fronteras y de clasificaciones; tan vasta y diversificada como única, supuso un antes y un después en la producción artística a nivel mundial. Polémico, controvertido, con un talento sin límites y una insaciable necesidad de crear, su frase más conocida refleja fielmente su personalidad: “cuando llegue la inspiración, que me encuentre trabajando”. El arte de Picasso es multiforme y cambiante; el artista se nutrió del pasado y del presente para crear sus obras, anticipando lo que vendría años e incluso décadas después. Porque el arte contemporáneo jamás sería lo que hoy es sin la influencia de Pablo Picasso: un artista que pasó por su época como un tren sin frenos, arrollando las fronteras del arte del siglo XX y abriendo nuevos e insospechados caminos creativos.

 

El despertar del talento: los primeros años 

Pablo Ruiz Picasso nace en Málaga en 1881. Según Pierre Cabanne, uno de sus biógrafos, fue un niño independiente y con carácter. Con tan solo dos años de edad se traslada con su familia a la casa de su abuela materna, donde también residen dos de las tías del niño. Durante su infancia la presencia femenina fue una constante; en muchas ocasiones, Picasso fue el centro de atención. En su libro “Mi vida con Picasso” Françoise Gilot, una de sus parejas, citaba estas palabras del artista: “Cuando yo era niño, mi madre me decía: ‘Si llegas a ser soldado, serás general. Si cuando seas mayor eres monje, llegarás a ser Papa’. Pero en lugar de todo eso fui pintor y terminé siendo Picasso”. Su padre, José Ruiz y Blasco, era pintor y trabajaba como ayudante de dibujo en la Escuela de Bellas Artes de Málaga. También era Conservador del Museo Municipal. Su influencia fue determinante para encauzar la carrera del niño hacia el arte; de hecho, fue el primer profesor que tuvo el futuro artista durante su infancia y su juventud.

 

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“Ciencia y caridad", 1897. Museo Picasso de Barcelona. En wikiart.org

 

Pablo Picasso demostró desde el principio su talento para el dibujo y la pintura. Hoy se conserva una obra suya pintada a los seis años, El pequeño picador amarillo, en donde ya se vislumbra su dominio de los volúmenes y el color, así como la originalidad de su punto de vista y su planteamiento de las escenas. Durante la adolescencia empieza a pintar obras realistas de magnífica factura como La primera comunión, donde aparece su hermana Lola, o Ciencia y Caridad (1897), un impresionante interior que parece prefigurar su siguiente etapa, el Periodo Azul. En los años siguientes Picasso se matriculará en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Sin embargo, sus biógrafos coinciden en señalar que el artista acudía rara vez a las clases; en su lugar, pasaba la mayor parte del tiempo en el Museo del Prado analizando la obra de maestros como Zurbarán, Velázquez, Goya o El Greco.

 

París, suicidio y precariedad. La Etapa Azul

En 1900, la pintura de Pablo Picasso ya ha experimentado una evolución sorprendente que le hace destacar por encima de la mayoría de sus coetáneos. Sin embargo, el reconocimiento de su talento y de su arte todavía estaría por llegar. Los inicios del siglo XX son años de precariedad para el artista, que por entonces vive en Barcelona y frecuenta el café Els quatre cats. El establecimiento reunía por entonces a los intelectuales y artistas más vanguardistas de la ciudad; es precisamente en este local donde organiza la primera exposición de sus obras. El año siguiente viaja a París y queda deslumbrado por el Museo del Louvre y el Museo de Luxemburgo, así como por la obra de Toulouse-Lautrec o Degas, entre otros. Ese mismo año tiene lugar su primera exposición en la capital francesa; en los tres siguientes crea las obras pertenecientes a la Etapa Azul.

 

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"La habitación azul”, 1901. Colección Phillips. En Wikipedia

 

El imaginario picassiano de este periodo se decanta por figuras estilizadas y delgadas, con una clara influencia de artistas como El Greco. Los tonos son fríos, especialmente azules y verdes en distintas gradaciones. Se puede percibir la influencia de pintores como Gaugin en los duros recortes y perfiles de las zonas de color, así como la temática social que también se refleja en las pinturas de Manet o Tolouse-Lautrec. En 1901 se suicida Carlos Casagemas, artista de talento e íntimo amigo de Picasso (de quien se había distanciado tras una discusión). Aunque el pintor no estaba presente en el momento del suicidio, le afecta profundamente. Como él mismo comentaría más adelante: “empecé a pintar en azul cuando me enteré de la muerte de mi amigo”. Fueron años difíciles para Picasso, cuya sensibilidad hacia los más débiles y sus propias dificultades para vender su obra hacen que se encuentre inmerso en una época oscura, sombreada por la depresión, que queda reflejada en sus trabajos.

 

La Etapa Rosa: primeros pasos hacia la abstracción

En el año 1904, el siempre cambiante arte de Pablo Picasso experimenta una transformación progresiva que lleva a sus pinturas a adquirir nuevas tonalidades. De los tonos fríos y sombríos de su periodo anterior, las imágenes pasan a adquirir matices rosados, rojizos y anaranjados, cálidos y mucho más “confortables”. Es la Etapa Rosa de la pintura de Picasso, que abarca los años entre 1904 y 1906 (coincidiendo con su relación con Fernande Olivier, considerada una de las personas que más influyó en la evolución de su pintura). Los años de depresión parecen haber quedado atrás: el imaginario del artista se puebla de familias y troupes de artistas circenses, así como de personajes sacados de la Comedia del Arte italiana. Estas referencias llegan para quedarse: Picasso volverá a esta temática de forma recurrente a lo largo de su vida.  

 

picasso family of Saltimbanques wikipedia 

"Familia de saltimbanquis”, 1905. National Gallery of Art, Washington DC. En Wikipedia

 

Aunque las obras de la Etapa Rosa parecen abandonar el espíritu sombrío de los años anteriores, los personajes siguen mostrando actitudes melancólicas e introspectivas. Sin embargo, este periodo supone una importantísima evolución en el arte de Picasso: las imágenes ya no se centran en el tema reflejado, sino que el tema empieza a ser un mero vehículo para el desarrollo de la pintura en sí. El estilo único del artista empieza a cobrar vida propia; formas y volúmenes de color empiezan a fluir en pos de una esencia mucho más abstracta. Si bien el realismo sigue muy presente en esta etapa (sobre todo en rostros y detalles), las zonas de color casi planas, la línea negra que subraya los volúmenes y los fondos difuminados de las obras avanzan muchas de las claves del arte abstracto y el cubismo que vendrían décadas después.

 

El arte africano y el Cubismo Analítico/Sintético

 

Les Demoiselles dAvignon wikipedia

“Les demoiselles d’Avignon”, 1907. Museum of Modern Art, NY. En Wikipedia.

 

El arte africano, y muy especialmente las máscaras talladas y decoradas procedentes del continente, ejercieron una enorme influencia sobre muchos artistas de vanguardia de la primera mitad del siglo XX. Las expediciones que se realizaban a distintos puntos del planeta, y muy especialmente a las regiones más apartadas de África, propiciaron el interés de la sociedad occidental por el arte y la cultura de las regiones más remotas. Pablo Picasso descubre estas máscaras en casa de su amigo Henri Matisse, y muy especialmente en una exposición organizada en el Palais de Trocadero de París. El interés que despiertan en él es equivalente al que entonces generaban en otros países y movimientos, como el Dadá en Zúrich y Berlín o el expresionismo alemán de Die Brücke (El puente). Entre los años 1907 y 1909 Picasso crea una serie de obras influenciadas por los rasgos duros y marcados de estas máscaras. Es la época de Les demoiselles d’Avginon (1907), una de las pinturas más importantes de la trayectoria del artista y uno de los puntos de inflexión clave de su transición hacia el cubismo.

 

Pablo Picasso 1912 Les oiseaux morts Los pájaros muertos oil on canvas 46 x 65 cm Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

"Les oiseaux morts", 1912. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. En Wikipedia

 

En realidad, esta etapa está fuertemente unida a la del cubismo analítico. Son muchos los expertos que las consideran un solo periodo, aunque también hay numerosos investigadores que establecen una separación a partir del año 1909. De hecho, en 1907 Pablo Picasso y su amigo y colega Georges Braque empiezan a trabajar para asentar las bases del cubismo, del que serían generadores y máximos exponentes junto con artistas como Juan Gris. En esta etapa sus obras se visten de colores neutros, grises y tierras. Por primera vez, ambos empiezan a incorporan a sus lienzos una técnica fundamental: el collage, muchas veces pictórico (periódicos, trozos de madera y otros materiales pintados en imitación a los auténticos).  

  

harlequin 1915

“Arlequin”, 1917. Museum of Modern Art, NY. En moma.org

 

Los años transcurridos entre 1912 y 1919 implican una constante evolución en las obras cubistas de Pablo Picasso. Lejos de asentarse en un estilo y un movimiento que le garantizaba éxito y reconocimiento, el artista sigue investigando y alterando las imágenes de sus lienzos. Las obras continúan incluyendo la técnica del collage y empiezan a reflejar la figura humana: el tema del arlequín vuelve a aparecer, mientras que las sucesivas parejas del artista posan para modelos en distintas obras (Mujer con guitarra, 1911). En esa época son muchos los artistas que dejan su trabajo para luchar en el frente, durante la I Guerra Mundial. Él, por el contrario, permanece en su estudio y no abandona su producción.

 

 Del Neoclasicismo al Guernica

 

Pablo Picasso 1921 Nu assis sessuyant le pied Seated Nude Drying her Foot pastel 66 x 50.8 cm Berggruen Museum

"Un assis s’essuyant le pied", 1921. Berggruen Museum. En Wikipedia

 

La obra de Picasso es viva, cambiante y siempre evolutiva. Sin encasillarse jamás en un estilo (una actitud abrazada por muchos de sus colegas), nunca dudó en recabar inspiración de todos los movimientos, escuelas y tendencias que le rodeaban o le precedían. Tras acercase a la abstracción a través del cubismo, finalizada la I Guerra Mundial Picasso empieza a crear obras de inspiración claramente neoclásica. Son imágenes figurativas donde la presencia humana es poderosa, con volúmenes marcados y potentes juegos de luces y sombras. Aunque estas obras parecen significar un paso atrás en la evolución de su arte, no es así; la influencia surrealista provoca un nuevo acercamiento al primitivismo por parte de Picasso, que realiza piezas tan trasgresoras como Les trois danseuses (Las tres bailarinas, 1925). 

  

picasso guernica reina sofia

"Guernica", 1937. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. En Museoreinasofia.es

  

En 1927 Picasso conoce y se enamora de la adolescente Marie-Therese Walter, quien será la modelo de una de sus series de grabados más conocida: la Suite Vollard, finalizada en 1937. La colección está formada por un centenar de piezas de inspiración neoclásica en las que aparece por primera vez una de las figuras más icónicas del artista, el Minotauro. A continuación, el artista regresa a la inspiración primitiva, cubista (e incluso expresionista) para pintar la que es probablemente la más famosa de sus obras: Guernica (1937), una poderosa denuncia de los horrores de la guerra inspirada en el ataque a la localidad vasca por parte de bombarderos alemanes e italianos durante la Guerra Civil española.

 

Las tres últimas décadas: de 1940 a 1973

 

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"Cabeza de toro", 1942. Museo Picasso de Málaga. En museopicassomalaga.org

 

Durante la II Guerra Mundial, Pablo Picasso permanece en un París ocupado por la Alemania nazi. Su producción sigue siendo constante; a la pintura, la escultura y el grabado se les suman la poesía y la dramaturgia (escribió dos obras teatrales). Tras la liberación de la capital francesa en 1944 el artista se centra en la escultura: una disciplina en la que comienza trabajando la alianza entre objetos, en la línea del concepto ready made iniciado por Marcel Duchamp. Esta investigación da como fruto obras como Cabeza de Toro (1952), y más adelante, La Cabra (1950). El original de yeso de esta escultura esconde distintos objetos de desecho recuperados de un vertedero: las ubres del animal son jarrones de terracota; el vientre, una cesta de mimbre; el lomo, la hoja de una palmera… Posteriormente el artista encargaría su fundición en bronce, en la cual los objetos quedan perfectamente integrados.

 

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"La cabra", 1950. Museum of Modern Art, NY. En slobidka.com

 

Al tiempo que trabaja en su producción escultórica, Picasso no abandona la pintura. Su admiración por el trabajo de Velázquez, uno de los artistas que más estudió durante sus visitas de juventud al Museo del Prado, dará lugar a la serie Las Meninas (1957): un total de cincuenta y ocho lienzos que analizan, recrean y diversifican el original. La suite incluye también nueve obras que reflejan un palomar y un retrato de Jacqueline Roque (con quien se casó en 1961), realizado posteriormente. La idea del artista no era copiar o remedar a Velázquez, sino investigar las posibilidades de la obra original vista por otros ojos. Acerca de esta serie, Picasso declaró: “Si alguien se pusiese a copiar Las Meninas, totalmente con buena fe, al llegar a cierto punto y si el que las copiara fuera yo, diría: ¿Y si pusiera esta un poquito más a la derecha o a la izquierda? Yo probaría de hacerlo a mi manera, olvidándome de Velázquez”. 

  

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Las Meninas (serie) 1957). Museo Picasso de Barcelona. En Wikipedia

 

Durante los últimos años de su vida, Picasso se inspira en su esposa Jacqueline Roque para realizar más de setenta retratos. La producción del artista en su última etapa mezcla y combina todos los estilos desarrollados a lo largo de su vida. Es una producción compulsiva que se traduce en un constante flujo de creatividad, y que en algunos casos llega a avanzar algunas de las tendencias que llegarían tras su muerte en 1973. A día de hoy, la influencia de su trayectoria artística se refleja en todos los órdenes y las disciplinas del arte actual: desde la pintura a la escultura hasta la arquitectura, la instalación y la creación multimedia.

 

Exposiciones

Picasso (2008)

 

Esta exposición, organizada por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid en colaboración con el Museo Picasso de París, reunió más de cuatrocientas piezas realizadas por Pablo Picasso. La muestra fue entonces una oportunidad única para admirar un cuerpo de obra de un tamaño realmente espectacular, formada en su mayor parte por los “picassos de Picasso”, es decir, las piezas de las que el artista nunca quiso desprenderse. Con el Guernica como protagonista y centro de atención, la exposición se concibió en cuatro secciones estructuradas de forma cronológica que abarcan la obra de Picasso desde sus 14 años hasta el año 1972, previo a su fallecimiento.

 

Esculturas de Picasso (2015)

 

En el año 2015, el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) organizó la exposición Picasso Sculpture alrededor de esta faceta creativa del artista malagueño. Picasso realizó cientos de obras tridimensionales en técnicas que iban desde el object trouvé hasta la cerámica. La muestra reunió más de un centenar de piezas realizadas durante toda la vida del artista, haciendo especial hincapié en la utilización de los materiales y el desarrollo de sus procesos.

 

Retratos de Picasso (2016)

 

El retrato y el autorretrato fueron géneros pictóricos que Pablo Picasso exploró en numerosas ocasiones. Desde los primeros intentos realizados en su adolescencia, con el protagonismo de su madre y de otros miembros de su familia (incluido él mismo) hasta sus famosos retratos de Jacqueline, pintados en los últimos años de su vida, la evolución de los mismos refleja claramente la propia de la pintura de Picasso. La National Gallery de Londres reunió un importante número de obras de este tipo, realizada con distintas técnicas: dibujo, pintura, escultura y grabado.

 

Piedad y terror en Picasso. El camino a Guernica (2017)

 

El Guernica es una de las obras pictóricas más famosas del mundo. En 2017, el Museo Centro de Arte Reina Sofía (a cuya colección pertenece) organizó una exposición sobre la gestación, el desarrollo y la influencia de esta pieza articulada en torno a ella. Durante la década anterior a su realización, Pablo Picasso desarrolló un cuerpo de obra impregnado de una visión desolada y extraña sobre la humanidad. El sufrimiento de seres humanos y animales presente en el impactante escenario del cuadro se refleja en los bocetos y en otras de las pinturas del artista, que formaron parte de la muestra.

 

Picasso y el museo (2018)

 

A pesar de que el título de esta exposición hablaba sobre la relación de Picasso y las instituciones museísticas, la muestra no se realizó en un museo sino en el Círculo de Bellas Artes de Madrid; concretamente, en las salas Picasso y Goya. La selección de obras permitió a los visitantes descubrir la influencia de los grandes maestros de los mejores museos del mundo (con especial atención al Museo del Prado, un lugar de referencia para el artista malagueño y la influencia más importante durante su juventud).

 

Calder-Picasso (2018)

 

El diálogo entre obras de artistas es siempre enriquecedor y ayuda a descubrir matices imposibles de detectar en solitario. Para generar esta interacción, el Museo Picasso de Málaga organizó una exposición a finales del 2019 y principios del 2020 con obras de Alexander Calder y Pablo Picasso. Los nietos de ambos artistas, Alexander S. C. Rower (Presidente de Calder Foundation) y Bernard Ruiz-Picasso (Copresidente de FABA), participaron en la puesta en marcha de la muestra.

 

Libros

"Picasso: una biografía. 1881-1906". John Richardson, 1995

El gran interés de esta biografía de Pablo Picasso, publicada en 1995, no solo está en la calidad de la escritura de Richardson. La relación de amistad que mantuvo con el artista tiene mucho que ver con el acceso que su viuda, Jacqueline, le dio a sus papeles privados y sus documentos. El libro es la primera parte de una completa biografía de cuatro volúmenes e incluye más de setecientas fotografías, muchas de ellas no publicadas hasta esa fecha.

 

"Fama y soledad de Picasso". John Berger, 2013

John Berger es uno de los escritores más importantes e influyentes de las últimas décadas del siglo XX y la primera del XXI. Según el autor, “toda la pintura trata del diálogo entre la presencia y la ausencia. El arte de Picasso, en su sentido más profundo, se sitúa en la frontera entre las dos, en el umbral de la existencia, de lo recién comenzado, de lo inacabado”. Se trata de una biografía crítica, lejos de la complacencia, que examina la figura de Pablo Picasso como artista, pero también como la polémica persona que fue. Un texto imprescindible para profundizar en la vida y la obra del creador.

 

“Picasso”. Colección Taschen 25, 20073

La editorial Taschen, todo un referente en libros de arte y de artistas, es la responsible de esta magnífica edición perteneciente a su colección Taschen 25. Calificado por The Times como “la introducción definitiva al alcance y la influencia de la obra de Picasso”, el contenido está estructurado en diecisiete capítulos que incluyen cerca de mil quinientas imágenes a color, así como numerosas fotografías en blanco y negro. La edición consta de dos volúmenes, magníficamente editados.

 

 

- Pablo Picasso: Biografía, obras y exposiciones -                                    - Alejandra de Argos -

Quince días después de su nacimiento, el 7 de marzo de 1500, el emperador Carlos V fue bautizado en la catedral de San Bavón, en Gante. La verticalidad de la nave central, con sus ligerísimos arcos de ojiva disparados al cielo, se vistió de tapices flamencos con hilos de oro y plata; las vidrieras góticas, con su séquito celestial, cumplían la función simbólica de transformar la iluminación interior en una luz distinta a la del mundo. Se construyó una pasarela con cuarenta arcos representando cada uno los futuros estados del recién nacido y una de las madrinas, Margarita de York, portó al bebé sentada en un trono precedido por una fastuosa comitiva real.

Van Eyck

Quince días después de su nacimiento, el 7 de marzo de 1500, el emperador Carlos V fue bautizado en la catedral de San Bavón, en Gante. La verticalidad de la nave central, con sus ligerísimos arcos de ojiva disparados al cielo, se vistió de tapices flamencos con hilos de oro y plata; las vidrieras góticas, con su séquito celestial, cumplían la función simbólica de transformar la iluminación interior en una luz distinta a la del mundo. Se construyó una pasarela con cuarenta arcos representando cada uno los futuros estados del recién nacido y una de las madrinas, Margarita de York, portó al bebé sentada en un trono precedido por una fastuosa comitiva real. Este bautismo funcionó a la manera de una coronación, dejando atrás los sencillos bautizos medievales e instaurando el ritual borgoñón en la corona española. Pero la pompa y la solemnidad no lograron impedir que, al entrar en la catedral, las miradas se volvieran hacia la capilla Vijd. Allí, el 6 de mayo de 1432, había sido inaugurado La Adoración del Cordero Místico, el Políptico de Gante, pintado por Hubert y Jan van Eyck, que ofrecía a un público maravillado una nueva y sorprendente forma de ver el arte.

 

Cortejo ceremonial
Cortejo ceremonial grabado alemán siglo XVI.


En 2012 un equipo del Instituto Real Belga para Patrimonio Artístico empezó las labores de restauración del Políptico en un laboratorio del museo de Bellas Artes de Gante (MKS). En la primera fase, al levantar las distintas capas de barniz, se descubrieron amplias zonas de repintes que -probablemente desde el siglo XVI- mantenían la obra eyckiana oculta. Por primera vez era posible ver los paneles exteriores del Políptico en su estado original: colores de cielos y ciudades, pliegues y alfileres ocultos en los tocados, luz bañando la piel de sus personajes y la ilusión del tacto del mármol simulado en las estatuas de los dos san Juanes. Hallazgos que permiten intuir y coser muchos de los misterios de la pintura de Jan Van Eyck (Maaseik? h. 1390 - Brujas, 1441). Ese fue el germen de esta exposición irrepetible que presenta las ocho tablas antes de que vuelvan, ya para siempre, a la catedral de San Bavón. Ellas vertebran las trece misteriosas y oscuras salas, con sus paredes pintadas alternativamente en el rojo y el azul ultramar de los mantos de las vírgenes y su iluminación que parece salir desde dentro de los cuadros: casi 100 obras de esta muestra repartidas entre Masaccio, Pisanello o Fra Angelico, sus contemporáneos italianos, algunos de sus contemporáneos flamencos y, sobre todo,13 de los 20 cuadros que se conocen en el mundo de Jan van Eyck. Recopilación nunca antes vista.

 

Restauracion
Laboratorio del museo de Bellas Artes de Gante (MKS). Restauración del Políptico.


El viajero que se aproxime a Brujas y vea surgir delante de los canales los pequeños jardines cerrados con sus frutales en espaldera y las altas flechas de los campanarios estará viendo las mismas calles y sus casas, las mismas iglesias al borde de un puente que Van Eyck. Poco parece haber cambiado desde 1430. De la misma manera, cuando nos encontramos frente a un cuadro flamenco del siglo XV, creemos penetrar la intimidad de la vida de otro tiempo.

 


adoracion cordero
La Adoración del Cordero Místico (detalle), Políptico de Gante, 1432, Catedral de San Bavón, Gante.

Sedas y mecenas
El nacimiento de la pintura flamenca estuvo determinado por la derrota francesa en Azincourt que, en 1415, marca durante décadas el colapso de Francia. Apartada de la interminable guerra franco-inglesa, Flandes se consagra a su vocación de comercio. El asesinato en 1419 del Duque de Borgoña, Juan sin Miedo, empuja a su hijo, Felipe el Bueno, a separarse de los Valois y a trasladar la capital de Dijon a Brujas, esa ciudad protegida y libre a la que afluían mercancías venidas del Mediterráneo, del Báltico y todo el lujo de las naves de Oriente: especias y perlas, alfombras turcas, sedas brocadas de Siria... objetos que inundarán los espacios entre las Vírgenes, los altares y los donantes de Van Eyck. Brujas era, ya entonces, el centro de una escuela próspera de iluminadores. Entre ellos y bajo la influencia del mayor escultor de la época, Claus Sluter, Van Eyck empieza a pintar pliegues de mantos con el volumen de la escultura de los pórticos, caras de santos crujidas por gestos de dolor y a dejar que su pintura fuera naciendo desde el preciosismo y los colores del esmalte de los libros de Horas. La corte del duque de Borgoña era un paraíso para fortunas como las del banquero italiano Tommaso Portinari o la del canciller Nicolás Rolin, que favorecieron las artes y engendraron el mecenazgo. En este ambiente, en mayo de 1425, Jan van Eyck es nombrado pintor de corte de Felipe el Bueno, para el que emprende varios viajes lejanos y secretos de los que tan solo se conoce un destino: la Península Ibérica.

 

poliptico

Los hermanos Limbourg, El mes de mayo. Página del Calendario en Las muy ricas horas del Duque de Berry, 1411-1416. museo Condé, Chantilly, Francia.

 

Esclavizar la luz
¿Quién era Jan van Eyck? ¿A qué responde su revolución óptica? ¿Qué es lo que le empujó a pintar así?
Podría decirse que el pintor esclavizó la luz, la sometió hasta conseguir que iluminara cada rincón de sus cuadros. Para ello fue sirviéndose de herramientas conocidas desde la Antigüedad que iba domesticando. Los últimos análisis científicos, tras la restauración del Políptico, demuestran que aprovechó la técnica del óleo y la llevó hasta sus límites reproduciendo todas las texturas posibles: de la seda al pelo, de las vidrieras a los suelos de azulejos valencianos, las coronas, la luz de la piel de un niño y el tono mate de la mano de un anciano, los libros, las encuadernaciones con sus letras de oro, los cielos y el brillo pálido de la luz menguante. Y así representaba la brisa de un bosque, los rayos entre las ventanas góticas de una iglesia, y todo el reflejo de una ciudad en un trozo de lago al fondo de un San Francisco cuyos estigmas tenían el brillo preciso en cada coágulo de sangre.
Todo cuanto veía en la naturaleza era trasladado por su pincel: distintos tipos de rocas, variedades de nubes, incluso se han podido realizar diagnósticos de enfermedades de la piel y nadie, salvo Leonardo, consiguió pintar con tal precisión el ojo humano, sus párpados, sus venas y el fondo de una mirada fija.

 

van eyck san francisco

Jan Van Eyck, San Francisco recibiendo los estigmas, c.1440, Philadelphia Museum of Art.


Erwin Panofsky demostró que Van Eyck no tenía interés en aplicar las leyes matemáticas de la perspectiva como lo hacían sus contemporáneos florentinos. En la Anunciación del Políptico de Gante la tarima del suelo y las vigas del techo no solo no convergen, sino que ni se aproximan a ello. En la Anunciación de Washington, lejos de existir un único punto de fuga en el interior de la iglesia, hay varios. Van Eyck encontró una solución empírica para la representación de un espacio convincente basándose en la observación directa. Con ella llegó a crear perspectivas desdobladas, a sugerir ambas distancias: de las panorámicas con horizontes tan reales como inverosímiles a los detalles más minuciosos; aquello que Panofsky definió como la yuxtaposición de su mirada microscópica y telescópica. Y así, en un primer plano están los interiores en los que sus personajes habitan, esa intimidad que hoy nos fascina porque reconocemos en ella nuestro mundo, el mundo moderno del individuo concreto y sus cosas: sus guantes y sus alfombras, sus instrumentos musicales, sus azucenas y sus atriles. Resulta sobrecogedor ese afán por describirlo todo, incluso lo que no es necesario mostrar. Es esa misma intimidad doméstica y moderna que luego pintarán desde Vermeer y De Hooch hasta Chardin. A su vez, y por detrás o algo más arriba, se desarrolla otra escena tras una ventana o un balcón: la vista de una ciudad flamenca, sus torres, campanarios y calles que se pierden en un horizonte de lagos, montañas azules y cielos tranquilos. Paisajes infinitos y milimétricos que, a su vez, siglos más tarde, en 1806, pintará un joven Ingres en su Retrato de Mademoiselle Caroline Rivière.

 

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Jan van Eyck , Anunciación, detalle.

 

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Jan van Eyck, Anunciación, c.1430-35. National Gallery of Art, Washington.

 

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Jean-Auguste-Dominique Ingres, Mademoiselle Rivière, c.1793-1807. Musée Du Louvre, Paris.


Van Eyck padecía de una obsesiva fijación por la manera en que la luz cubre y forma las imágenes a partir de la reflexión y la refracción. El espejo debió de haber impregnado su mundo no solo como un objeto, también como una metáfora. Parte de su conocimiento venía de la observación, pero además, en su época se le consideró el primer pictor doctus (pintor ilustrado) al norte de los Alpes. Estaba familiarizado con los autores clásicos, había leído a Plinio el Viejo, era experto en geometría, en arqueología, pero sobre todo, conocía la óptica, aquella ciencia tardomedieval basada en los descubrimientos de matemáticos árabes, como Alhacén. Van Eyck la usó y perfeccionó hasta desarrollar una revolución óptica que aún hoy nos conmociona. La iluminación del Políptico de Gante se corresponde con la incidencia natural de la luz a través de las ventanas del sur de la capilla Vijd. En todo el retablo la luz cae desde la esquina superior derecha, como la luz del sol en la capilla en una tarde soleada a fines de la primavera o principios del verano. El grado de coherencia en la iluminación de todo el retablo es excepcional. En la figura del Dios Padre central, las joyas de su mitra, el punto focal del cristal de roca del cetro y todos los puntos de luz en la tela de brocado dorado alcanzan un grado de exactitud fotográfica.
Marc De Mey, que exploró la influencia de Alhacén en Van Eyck, fue el primero en señalar el tour de force del pintor al concebir las hileras alternas de perlas y cuentas de cristal que cuelgan de la tira brocada en oro con las letras Sabaoth en la figura del Dios Padre: mientras las primeras absorben la luz de la ventana, las de vidrio la proyectan, devolviendo amplios reflejos.
Hay centenares de ejemplos, desde el reflejo metálico de los estandartes rojos sobre las pecheras de las armaduras de San Miguel y San Jorge, hasta el reflejo de toda una ventana en el gran zafiro central del broche del ángel mayor en la escena de los Ángeles Cantores. La tracería de esa ventana fue arañada con la punta de su pincel, saturado con pintura blanca, usando la técnica del sgraffito.

 

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Ángeles cantores (detalle), Políptico de Gante, 1432, catedral de San Bavón, Gante.

Resulta mágica también la maestría que el pintor flamenco presta al agua que fluye y salpica en la fuente del Políptico, así como en La Virgen de la Fuente. La iluminación juega un papel central en su realismo, pero también lo hace el movimiento: el salto de cada gota. El agua que sale de las bocas de ambas fuentes está pintada en líneas finas, blancas, irregulares e intermitentes. Es como si Van Eyck hubiese pasado una tarde junto a Bill Viola viendo sus vídeos de agua detenida.

 

virgen de la fuente
Jan van Eyck, Virgen de la Fuente, (detalle), 1439, Koninklijk Museum voor Schone Kunsten, Amberes.

 
Flandes frente a Italia, 1430
La exposición enfrenta cuadros flamencos a sus contemporáneos italianos en un diálogo que reafirma nuestra pregunta: ¿Qué es lo que hace que Van Eyck aparezca como un cometa sobrevolando los años 1430 en el firmamento artístico europeo? Jacques Lassaigne y Giulio Carlo Argan afirmaron que el Renacimiento no es un movimiento típicamente italiano que se extiende a otros países como una suerte de conquista progresiva, sino y más bien, un fenómeno europeo a pesar de que se produce de manera diferente en Flandes, Italia, Francia o Alemania.
A principios del siglo XV asistimos a una de las mayores revoluciones que se hayan conocido en la historia de la pintura. Mientras Van Eyck pinta el Políptico en Gante, entre 1426 y 1432, Masaccio pinta en Florencia, entre 1426 y 1427, la capilla Brancacci, en la iglesia del Carmine. Italia funda la forma sobre el concepto, Flandes sobre la experiencia. Estas dos obras mayores nacidas, casi simultáneamente, de hombres tan distintos en origen y tradición son los pilares de una pintura nueva.

 

Expulsion del paraiso
Masaccio, La expulsión del paraíso, c. 1426-1427. Capella Brancacci, Santa Maria del Carmine, Florencia.

 
Masaccio siguió pintando al fresco y los muros de la capilla Brancacci con su Adán y Eva de paso firme y gesto de angustia en la Expulsión del Paraíso, no pueden acompañar hoy a sus tocayos de Gante, más serenos, más inquietantes. Sin embargo, sí están otros revolucionarios de la óptica italiana: Gentile da Fabiano, Fra Angelico, Filippo Lippi... frente a los flamencos. Las comparaciones estilísticas son inevitables, interesantes: en Virgen y el Niño con Ángeles de Benozzo Gozzoli (1449-50) frente a la Virgen de la Fuente de Van Eyck (1439) los resultados del mismo pigmento ultramarino para el color de los mantos de las Vírgenes es muy distinto: tempera, más opaca en el italiano y veladuras cristalinas, mucho más intensas en Van Eyck. También el gusto duradero de los italianos por el pan de oro frente al enfoque naturalista de la pintura eyckiana, que sustituye los anticuados fondos dorados en favor de paisajes, los halos, que dejan de ser grandes discos que rodean las cabezas, en favor de rayos dorados más ligeros o los objetos dorados, que no se representan ya con oro real, sino con una pintura amarilla y marrón para simular la luz, la forma y la textura.

 

Virgen y nino

Benozzo Gozzoli, Virgen y Niño con ángeles, c.1449-1450, Fondazione Accademia Carrara, Bergamo.

 

 

Cordero mistico

Adoración del Cordero Místico, Políptico de Gante (detalle)

 

 

Ausencias
La penúltima sala de la exposición, dedicada al retrato, es quizás la más apabullante. Tzvetan Todorov decía que cuando se recorren la salas de un gran museo europeo salta a la vista un cambio radical en la naturaleza misma de los cuadros al pasar, digamos, de 1350 a 1450. Explicaba que en el norte de Europa no se produce ningún Renacimiento en el sentido de redescubrimiento de la civilización griega y romana como medio para hacer algo nuevo. A lo que se asiste, más bien, es a la búsqueda de una forma nueva para dar cuenta de experiencias igualmente nuevas. El denominador común de estos cambios no es el redescubrimiento de la Antigüedad, sino el descubrimiento de la individualidad. Por eso, en esta época se inventa el retrato individual, tal y como no ha dejado de practicarse después. Los hombres han tomado el lugar de Dios en el sistema del simbolismo universal.

 

Jan van eyck

Jan van Eyck, Baudouin de Lannoy, c.1435. Gemäldegalerie, Staatliche Museen, Berlin.

 
Y así, tras las Crucifixiones y Anunciaciones, esta exposición se cierra con los héroes de los tiempos nuevos. Son seis los retratos de Jan van Eyck, frente a sus contemporáneos italianos: Pisanello, Michele Giambono...
Entonces, en mitad de esta sala, nos surge la única duda en torno a esta muestra extraordinaria: ¿Dónde está Antonello da Messina con sus finísimos óleos sobre tabla? Más aún... ¿Dónde están los grandes cuatrocentistas venecianos: Vittore Carpaccio, Gentile y Giovanni Bellini?
Entornamos los ojos e inventamos una sola sala imaginaria, oscura, de fondo azul, vacía. Sólo están: Hombre con tocado rojo (1433) de Jan Van Eyck frente a Retrato de un hombre con gorro rojo (1485) de Vittore Carpaccio. Eso sí sería una lucha de gigantes: qué dos miradas, frente a frente.
Jan van Eyck lo dejó escrito en su divisa: Als ich can, lo hice lo mejor que pude.

 

tocado rojo

Izda: Jan van Eyck, Retrato de hombre con tocado rojo, 1433. National Gallery Londres. Drcha: Vittore Carpaccio, Hombre con gorro rojo, 1485, Museo Correr, Venecia.

 

 

Van Eyck. Una revolución óptica
Museo de Bellas Artes de Gante

Comisarios: Till-Holger Borchert, Maximiliaan Martens y Jan Dumolyn

Enlace para acceder a la visita virtual de 360º de la exposición

 

 

Tour virtual en vivo por el co-curator y experto en Van Eyck Till-Holger Borchert (en inglés)

 

 

- Van Eyck: Revolución óptica -                        - Alejandra de Argos -

El arte está en todo, el arte es la vida y se expresa en cada ocasión y en cada país. Charlond Perriand figura icónica del diseño del siglo XX vuelve de nuevo a demostrar la importancia e influencia de su trabajo en esta gran exposición que se puede ver hasta el 24 de febrero en la Fundación Louis Vuitton de Paris. Ella cambió el modo de habitar el espacio doméstico, creo un mundo lleno de posibilidades sin ataduras a los esquemas tradicionales de la vivienda.

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Left: Charlotte Perriand face à la vallée, vers 1930 © ADAGP, Paris 2019 © AChP. Right: Charlotte Perriand sur la « Chaise longue basculante, B306 » (1928-1929) – Le Corbusier, P. Jeanneret, C. Perriand, vers 1928 © F.L.C. / ADAGP, Paris 2019 © AChP

 

El arte está en todo, el arte es la vida y se expresa en cada ocasión y en cada país. Charlotte Perriand

Charlond Perriand figura icónica del diseño del siglo XX vuelve de nuevo a demostrar la importancia e influencia de su trabajo en esta gran exposición que se puede ver hasta el 24 de febrero en la Fundación Louis Vuitton de Paris. Ella cambió el modo de habitar el espacio doméstico, creo un mundo lleno de posibilidades sin ataduras a los esquemas tradicionales de la vivienda. La técnica, la industria y los materiales más punteros los puso al servicio de sus diseños. Piezas de bicicletas, de coches, incluso de aviones fueron una fuente de inspiración que le llevaría, con el tiempo, a ser una pionera en la producción en serie de sus diseños.

La Muestra ocupa prácticamente todos los espacios expositivos del edificio de Frank Gehry en un recorrido ordenado cronológicamente que recibe al espectador con un gran cuadro de Fernando Leger, Le transport des forces y dos de las piezas icónicas de Perriand, la chaise Longue LC4 y la silla B302 Swivel Chair, tantos años consideradas como diseños únicos de Le Corbusier. 

 

Charlotte periand

 

Calder, Picasso, Laurens y Delauney, junto a Leger serán los artistas que acompañarán a la diseñadora durante todo el recorrido. 

 

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Construir la modernidad, buscar en la naturaleza, dialogar con otras culturas son algunos de los apartados de la Exposición que definen el trabajo de una mujer inteligente y comprometida con su profesión y sus ideas, siempre con una actitud vitalista que enamoró a todos los que la conocieron. Viajera incansable, absorbió la vida con tal intensidad que en ocasiones resulta difícil seguir su estela. 

 

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En 1926 recién licenciada y entusiasmada con el trabajo teórico de Le Corbusier sobre las nuevas ciudades y otras formas de habitar llamó a la puerta del estudio que el suizo compartía con Pierre Jeanneret. El resultado fue aquella famosa frase: señorita, aquí no se bordan cojines. Un año después Le Corbusier se retractó y la contrato, había visto en el Salon des Artistes Décorateurs, Le Bar sous le toit, una barra de bar que Perriand había diseñado para su propia casa. Así comenzó una intensa colaboración que se retomaría a lo largo de la vida de estos creadores. Perriand cuenta en sus memorias que su papel en el estudio de Le Corbusier y Jeanneret fue llevar a cabo las ideas de estos dos grandes arquitectos. Era una mujer practica capaz de resolver con imaginación cualquier problema, y llenar de humanidad aquello que Le Corbusier tituló máquinas para vivir. En 1952, Le Corbusier la llamó para que realizase los interiores de lo que se conoce como la Unité d’habitation de Marsella y Berlín cuyo resultado también se pueden ver en la Exposición. Supo convertir aquellos espacios mínimos en lugares acogedores, incorporando el primer prototipo de cocina integrada.

Una de las piezas claves de la Exposición es la recreación del proyecto que se presentó en el Salon d’automne de 1929, equipment Interieur d’une habitación, obra que realizó con Le Corbusier y Jeanneret. Aquí, el visitante puede interactuar con el mobiliario y entender de qué manera la disposición de los objetos en el espacio construyen la atmósfera que vuelve confortable la vivienda. 

 

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En 1929, su inquietud social le llevo a participar en la creación de la Unión des Artistas Modernos (UAM), en la que también participaron Mallet- Stevens, Miró, Calder, Delonay, Pierre Chareau … Lo que buscaban era la reunión de todas las artes para responder a los problemas políticos y sociales de su tiempo. El pabellón de la República de España en la exposición de París de 1937 fue un reflejo perfecto de los supuestos de la UAM, arquitectura, escultura, pintura y fotografía se unieron para reflejar la tragedia de la guerra. Su autor el arquitecto José Luis Sert, gran amigo y colaborador de Perriand al que se recuerda en la muestra con la presencia de fotografías realizadas durante la Guerra Civil española, y una reproducción del Guernica de Picasso, entre otras cosas. Ambos arquitectos compartían las mismas inquietudes sociales y colaboraron en el diseño de la vivienda mínima. En 1933 participaron en el Congreso Internacional de Arquitectura Moderna donde se redactó el famoso manifiesto La Carta de Atenas, sobre las condiciones adecuadas de habitar las ciudades.

 

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La Casa al borde del agua de 1934 es otra de sus obras icónicas que se ha reconstruido en el exterior del edificio de la Fundación, frente a una cascada de agua, para que el visitante pueda imaginar el sentido de este proyecto, pensado para familias con pocos recursos como lugar de vacaciones. Una especie de casa-cabaña desmontable, apoyada sobre pilotes y dividida en dos espacios simétrico, en uno, la zona de estar y en el otro la de dormir, ambos abiertos por puertas correderas a una terraza-patio, protegida por un toldo que recoge las aguas pluviales. De nuevo Perriand piensa en la funcionalidad y busca llegar a los menos favorecidos construyendo un mundo más sencillo y humano en contacto con la naturaleza.

También fue una gran fotógrafa que escrudiñó la naturaleza a través del objetivo de su cámara, donde encontró soluciones para muchas de sus creaciones. El mar y la montaña fueron recurrentes en sus instantáneas y estímulo para una serie de proyectos sobre refugios de montaña. En 1938 se puso en marcha el Refuge Tanneau mountain shelter, de 8 m2 con capacidad para 6 personas. Amo la montaña profundamente. Porque la necesito. Siempre ha sido el barómetro de mi equilibrio físico y emocional. 

 

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Su estancia en Japón e Indochina quedan muy bien documentad en la Muestra con diseños que incorporan elementos de oriente como maderas autóctonas, bambú, laca o tejidos, fortaleciendo los lazos entre creación y tradición. Brasil fue otro punto de inflexión en su carrera, allí conoció a grandes arquitectos y la exuberancia de sus diseños.

 

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El momento culminante de su carrera llegaría con el proyecto de Les Arcs, un enorme complejo de apartamentos de montaña en los Alpes franceses, con capacidad para 30.000 camas. Perriand en un alarde de ingenio, desarrolló lo que se ha llamado habitáculos mínimos o células mínimas. Los interiores se construyeron, en un porcentaje muy alto, con elementos prefabricados y grandes ventanales con increíbles vistas para acercar la naturaleza al interior. Una gran maqueta ayuda al espectador a entender Les Arcs como la culminación de todas las ideas de Charlotte Perriand.

 

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El recorrido finaliza con el último encargo que recibió la diseñadora en 1993, la Maison de thé para la UNESCO. Un circulo de madera sobre el que apoyan 18 cañas de bambú para crear un espacio de 4,5 metros de altura cubierta con una lona. Una obra orgánica y delicada para celebrar la Ceremonia del Té. 

 

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Fondation Louis Vuitton. Paris

 

 

- Le Monde Nouveau de Charlotte Perriand -                        - Alejandra de Argos -

El artista francés Christian Boltanski es un viejo conocido del público español. En 1988 expuso en el Centro de Arte Reina Sofía la muestra El Caso, una curiosa e inquietante exposición pensada por el propio Boltanski para el Museo que seguía la estela de la exposición Detective (1972). El artista buscó en el semanario de sucesos y crímenes El Caso (1952-1997) y en el origen del edificio del Reina Sofía como hospital, un mundo que hiciera vibrar al espectador entre retratos de asesinos y victimas que aparecieron en las páginas del periódico junto con sabanas apiladas que recuerdan a esa idea hospitalaria.

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Christian Boltanski. Foto: Maira Herrero

 

El artista francés Christian Boltanski es un viejo conocido del público español. En 1988 expuso en el Centro de Arte Reina Sofía la muestra El Caso, una curiosa e inquietante exposición pensada por el propio Boltanski para el Museo que seguía la estela de la exposición Detective (1972). El artista buscó en el semanario de sucesos y crímenes El Caso (1952-1997) y en el origen del edificio del Reina Sofía como hospital, un mundo que hiciera vibrar al espectador entre retratos de asesinos y victimas que aparecieron en las páginas del periódico junto con sabanas apiladas que recuerdan a esa idea hospitalaria. Creó un mundo simbólico y metafórico de su particular comprensión de la existencia donde se difumina la subjetividad entre imágenes borradas y anónimas y el horror o la maldad que se pueden esconder.

 

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Christian Boltanski. Foto: Maira Herrero

 

Aquella exposición y otras muchas, anteriores y posteriores convirtieron a Boltanski en un artista de referencia y ahora, treinta y cinco años después de su primera retrospectiva en el Museé National d’Art Moderne, el Centre Pompidou le rinde homenaje con una gran exposición sobre los temas que le han acompañado desde su debut en 1967, la memoria colectiva, el paso del tiempo, la perdida, el olvido, el azar y sobre todo la condición humana.

Boltanski proyecta en su trabajo una nueva luz sobre todo lo sabido, convierte el hecho histórico del holocausto en una nueva interpretación encajándolo dentro de esa búsqueda por interrogar desde los sentimientos sobre la existencia, a una existencia que no responde.

 

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Christian Boltanski. Foto: Maira Herrero

 

Nos recuerda lo efímero de la vida frente a lo definitivo de la muerte. Lo hace a través de fotografías, videos, cajas de hojalata apiladas o incrustadas en las paredes a modo de nichos que parecen contenedores de cenizas, algunas de ellas con pequeños retratos, en su mayoría de niños. Pero también con vitrinas, con recortes de periódicos, notas, imágenes familiares, monolitos negros como estelas funerarias, cortinas que cierran pequeños espacios, ropas negras formando una montaña tétrica de muerte. Todo en un recorrido laberintico que no deja de interrogar. Espíritus perdidos en un bosque de almas.

Luces mortecinas, sonido inquietante que en momentos se hacen humanos y que interpelan al silencio del espectador ante tanta desolación. La puesta en escena corrobora y enriquece la intención del artista en cada uno de los objetos expuestos, convertidos todos ellos en vehículos de comunicación.

 

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Christian Boltanski. Foto: Maira Herrero

 

Ninguna cosa nos responde, pero ese silencio, la voz de ese silencio, se oye, y espanta como “el silencio de los espacios infinitos” del que habla Pascal. Emmanuel Lévinas.

Boltanski dijo una vez que sus exposiciones proporcionan experiencias, buscan emocionar y dejan que el visitante haga su propia lectura. Nada más cierto.

 

Christian Boltanski: Faire son temps
Centre Pompidue
16 mar 2020

 

 

- Christian Boltanski: Faire son temps -                        - Alejandra de Argos -

Joan Miró nunca siguió el camino trazado. Como artista, convivió y trabajó con los creadores más importantes de su época y se dejó impregnar por movimientos, obras, escuelas y manifiestos. Pero su obra se despega sutilmente de la producción del resto de sus contemporáneos, siguiendo siempre una trayectoria única y personal. A través del trabajo constante y gracias a su interés por todo tipo de técnicas artísticas, Joan Miró dejó un legado vasto, versátil y lleno de coherencia.

El arte más personal de las vanguardias del siglo XX

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Retrato de Joan Miró realizado por Man Ray (1933). En Museoreinasofia.es

 

Joan Miró nunca siguió el camino trazado. Como artista, convivió y trabajó con los creadores más importantes de su época y se dejó impregnar por movimientos, obras, escuelas y manifiestos. Pero su obra se despega sutilmente de la producción del resto de sus contemporáneos, siguiendo siempre una trayectoria única y personal. A través del trabajo constante y gracias a su interés por todo tipo de técnicas artísticas, Joan Miró dejó un legado vasto, versátil y lleno de coherencia. A día de hoy está considerado uno de los artistas más importantes del siglo XX a nivel mundial: su influencia trasciende la propia de las artes plásticas y se plasma en campos como el diseño gráfico y la publicidad. Durante sus noventa años de vida, Miró vivió y trabajó en Barcelona, Mallorca, París y Nueva York; su arraigo a la tierra (especialmente a Barcelona y a la isla de Mallorca) permanece en la esencia de su obra y se impregna del resto de los paisajes que influyeron en su vida.

 

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"Femme, oiseau, étolie (Homenatge a Pablo Picasso)". 1966-1973. En Museoreinasofia.es

 

Amor por el arte y descubrimiento de la modernidad 

Joan Miró i Ferrà nace en Barcelona en 1893, cuando el siglo XIX está llegando a su fin y la llegada del XX augura un cambio estremecedor de sociedades, culturas y prácticas artísticas. La vocación artística de Miró se vio probablemente fortalecida por los oficios de su familia: su padre era orfebre y relojero, y su abuelo era un ebanista mallorquín. Los primeros dibujos realizados por Miró de los que se tiene noticia datan de 1901, cuando el artista cuenta tan solo con 8 años de edad. Durante su formación, Miró compagina los estudios de comercio con los de Bellas Artes en 1910 entra a trabajar como contable en un negocio de droguería, pero su talante artístico se rebela contra el estatismo de los números y las cuentas, y renuncia al puesto. En esa época enferma de fiebres tifoideas y reside por primera vez en Mont-Roig, una masía propiedad de sus padres: el paisaje del Baix Camp catalán permanecerá para siempre en el corazón y la mirada del artista, convirtiéndose en el protagonista de muchas de sus obras.

 

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"Sirurana, el camí” (1917). Museo Reina Sofía de Madrid. En Museoreinasofia.es

 

La convalecencia permite a Miró reflexionar sobre su futuro; es entonces cuando decide dedicarse a la pintura y se matricula en la escuela de arte de Francesc Galí, donde hará sus primeros contactos con el círculo de artistas catalanes que posteriormente serán sus amigos, colegas y marchantes. Son años de pasión y de juventud; años de clases con modelo y de compartir estudios con otros artistas. También son años de descubrimiento: el arte dadaísta y las publicaciones de vanguardia catalanas y francesas despiertan el interés del joven Miró.

 

Los años de París

Tras realizar su primera exposición en las Galerías Dalmau (Josep Dalmau fue su amigo y primer marchante), a principios de los años 20 Miró se traslada a París. Allí trabaja en el taller de Pablo Gargalló. Durante los meses no lectivos reside y trabaja en Mont-Roig; ambas ciudades articulan un eje alrededor del cual se estructurará la obra de Joan Miró, junto con Barcelona y Nueva York. Son años apasionantes durante los cuales conoce a Picasso, André Masson, Ernst Hemingway, André Breton y Paul Éluard, entre otras figuras esenciales de la intelectualidad y el arte de la época. Miró trabaja en obras que trascienden ya la pintura, como en la colaboración que realizó con Max Ernst para el vestuario y la escenografía del ballet Romeo y Julieta. En esta época realiza sus primeras Bailarinas Españolas (1928), collages de inspiración dadaísta que marcarán su obra posterior. A partir de 1930 mostrará un interés cada vez mayor por otras disciplinas, como el bajorrelieve y la escultura, a las que dará mayor relevancia en los años posteriores en detrimento de la pintura (que, sin embargo, nunca abandonó del todo).

 

bailarina espanola reina sofia

"Danseuse Espagnole I” (1928). Museo Reina Sofía de Madrid. En Museoreinasofia.es

 

Collages, objetos y pinturas murales

 

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Joan Miró trabajando en el mural El Segador (1937). En 20minutos.es 

 

A partir de 1931, Joan Miró vive y trabaja a medio camino entre Mont-Roig, París y Barcelona. A estas ciudades se le añade una nueva y fascinante localización, Nueva York: será Pierre Matisse, hijo del famosísimo pintor y grabador fauvista Henri Matisse, quien representará su obra en la ciudad estadounidense. Durante estos años Miró amplía cada vez más el espectro de disciplinas que emplea en sus obras, realizando aguafuertes, collages, ensamblajes de objetos y pinturas sobre sobre masonite. El estallido de la Guerra Civil provoca su traslado, junto con su familia, a París: allí se comprometerá con la causa republicana realizando en 1938 una gran pintura mural, El segador (Payés catalán en rebelión), para el Pabellón de la República Española en la Exposición Internacional. La obra desapareció tras la exposición y solo se conservan de ella imágenes en blanco y negro. 

 

La pasión por la escultura

personnage 1974 centro botin 

"Personnage"(1974). Imagen de la exposición Joan Miró: Esculturas, organizada por el Centro Botín de Santander en 2018. En ABC.es

 

Desde los años 20, Joan Miró dedica gran parte de su tiempo a esculpir. Sus obras tridimensionales se inspiran en la declarada pasión que despertaban en él los objetos; hasta tal punto le interesaban, que llegó a acumular cientos de ellos en su estudio. En los años 40, el artista funde sus primeros bronces y empieza a trabajar distintos materiales. Hasta sus últimos días, Miró trabajará la escultura y desarrollará una enorme producción de obras. En los años 60, Alberto Giacometti le aconsejó que pintara algunos de sus bronces; esta sugerencia derivó en magníficas piezas, como la escultura Personnage (1967). Además de bronces y figuras pintadas, Miró también trabajó el mármol y el hormigón revestido con cerámica. Su última escultura monumental, Dona i Ocell (1987), es un buen ejemplo de su dominio de los materiales.

 

Una obra internacional que sigue viva

Desde la década de los 50 en adelante, Joan Miró asienta su fama internacional y su obra empieza a recorrer el mundo. El artista se instala definitivamente en Palma de Mallorca y realiza sus primeros trabajos en cerámica, junto con el ceramista Josep Llorens Artigas. La técnica la aplicará a enormes murales que todavía se pueden admirar en distintas capitales. Es el caso de los murales de la sede de la UNESCO de París (galardonados con el Guggenheim International Award), en la Universidad de Harvard o en el Aeropuerto de Barcelona. En 1975 se inaugura la Fundación Miró de Barcelona, encargada de gestionar y difundir el legado del artista. Miró continúa trabajando hasta sus últimos años y fallece en 1983 a los noventa años de edad, considerado ya uno de los mejores artistas plásticos del siglo XX.

 

 miro mural unesco

Mural La luna (1958), realizado con Josep Llorens Artigas para la sede de la UNESCO de París. En Unesco.org

 

Exposiciones

 

Homenaje a Miró (1974)

 

 

Esta exposición fue la última retrospectiva de su obra que se realizó en vida de Joan Miró y tuvo lugar en el Grand Palais de París. Más de cuarenta años después, en 2018 el Grand Palais inaugurará Miró, el color de mis sueños, otra gran muestra dedicada al artista catalán con más de 150 obras.

 

Miró y el objeto (2016)

 

 

Organizada por CaixaForum Madrid, el objetivo de esta exposición era explorar nuevas facetas del universo mironiano a través de los objetos: su poética, sus posibilidades expresivas y el “alma” que el artista siempre supo encontrar en ellos. La muestra desembarcó en Madrid tras su paso por la Fundación Miró de Barcelona y cubre una gran etapa creativa, desde los años 20 a los años 70 del siglo XX. Algunas de las obras que formaban parte de la exposición (como Los juguetes, de 1924) se mostraron entonces en España por primera vez.

 

Miró, el color de los sueños (2018-19)

 

 

Como comentábamos más arriba, esta exposición se celebró en el Grand Palais para homenajear la obra y la figura de Joan Miró cuarenta y cuatro años después de la gran retrospectiva de los años 70. Como comentaría en su momento Jean Luis Prat, amigo personal de Miró y comisario de la muestra, “Miró estuvo probablemente marcado por 50 años de historia forjada por dos guerras mundiales. Estos acontecimientos considerables, la interrogación que tiene sobre los hombres, sobre él mismo y sobre su tierra han animado su trabajo".

 

 

The birth of the world – MoMA (2019)

 

 

 

El Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) organizó a principios de 2019 una gran exposición alrededor de la figura del artista catalán, con obras seleccionadas de los fondos que incluye su magnífica colección y completada por varios préstamos exclusivos. La muestra sitúa el lienzo El nacimiento del mundo como eje articulador. La selección de piezas reunió cerca de 60 lienzos, trabajos sobre papel, grabados, libros ilustrados y objetos.

  

Libros

 

"Miró". Jacques Dupin, 1961

Constantemente revisada, enriquecida y reelaborada, la monografía publicada por Jacques Dupin a principios de los años 60 constituye uno de los textos fundamentales para acercarse al artista catalán. El biógrafo completó la obra incluyendo el trabajo realizado por Miró en las dos décadas siguientes hasta su fallecimiento, gracias a su excelente relación con la familia y al acceso de cientos de trabajos realizados por historiadores, comisarios y expertos de arte. En 1993 la monografía revisada fue publicada de nuevo, y a día de hoy está considerada uno de los libros esenciales sobre la vida y la obra de Joan Miró.

"Miró". Janis Mink, 1999

La editorial Taschen, referente en libros de arte y monografías de artistas, publicó en 1999 una monografía sobre Joan Miró escrita por Janis Mink. Con cien ilustraciones y magnífica atención al detalle, las páginas del libro recorren los cerca de setenta años de trayectoria plástica del artista catalán: desde el dibujo automático practicado por los surrealistas hasta las esculturas-ensamblaje a base de objetos. El libro no duda en respetar la indiosincrasia de Miró como artista inclasificable, una figura que renunció a pertenecer a categorías, tendencias o escuelas.

 “Joan Miró. El camino del arte”. Pilar Cabañas, 2013

Mucho se ha escrito sobre la vida y la obra de Joan Miró. Y aun así, en 2013 Pilar Cabañas consigue dar un nuevo enfoque al trabajo del artista y construir un libro esencial para comprender su obra. Basando su punto de vista en los principios que rigen la obra de Miró, la escritora nos proporciona las pautas para entender al hombre como ser humano y como artista. Cabañas profundiza en cuestiones como el motor de su trabajo creativo, la razón última de su arte y la integración de la tristeza, la soledad o el dolor en sus obras, entre otras. A partir de la figura de Miró, la autora nos guía a través del arte en general como camino hacia la trascendencia y la esencia humana. El texto se enriquece con a la participación de Ignacio Llamas, autor del diseño de la edición.

 

 

- Joan Miró: biografía, obras y exposiciones -                                    - Alejandra de Argos -

El ex vicepresidente del gobierno de EEUU bajo la administración de Bill Clinton, Al Gore (Washington D. C., 1948), es conocido mundialmente por sus esfuerzos en la lucha contra el cambio climático provocado por el hombre. En 2007 recibió el Premio Nobel de La Paz así como un Oscar al mejor Documental (2007) por la difusión de su discurso "An Inconvenient Truth". La preocupación por el calentamiento global era algo que le perseguía desde su época como congresista en 1976. Ya en 1998 propuso el lanzamiento del satélite de la Nasa DSCOVR que se produciría años después gracias a su empeño. Aunque ganó a George W. Bush en votos populares, perdió las presidenciales del año 2000 a las que se presentaba como candidato del Partido Demócrata.  Al Gore, Premio Príncipe de Asturias (2007), es también el padre político de Internet. En 1978 acuñó el término "Autopista de la información" y en 1991, como vicepresidente en el gobierno de Clinton, creó la Infraestructura Nacional de Información (NII) sobre la que se desarrolló Internet. Gore es un visionario que supo dar solución a la necesidad humana de interconexión. Superado ese reto ha migrado del activismo tecnológico al activismo medioambiental, de la interconexión a la supervivencia del planeta. 

 Autor: Elena Cué

 

 AL GORE

 

El ex vicepresidente del gobierno de EEUU bajo la administración de Bill Clinton, Al Gore (Washington D. C., 1948), es conocido mundialmente por sus esfuerzos en la lucha contra el cambio climático provocado por el hombre. En 2007 recibió el Premio Nobel de La Paz así como un Oscar al mejor Documental (2007) por la difusión de su discurso "An Inconvenient Truth". La preocupación por el calentamiento global era algo que le perseguía desde su época como congresista en 1976. Ya en 1998 propuso el lanzamiento del satélite de la Nasa DSCOVR que se produciría años después gracias a su empeño. Aunque ganó a George W. Bushen votos populares, perdió las presidenciales del año 2000 a las que se presentaba como candidato del Partido Demócrata. Al Gore, Premio Príncipe de Asturias (2007), es también el padre político de Internet. En 1978 acuñó el término "Autopista de la información" y en 1991, como vicepresidente en el gobierno de Clinton, creó la Infraestructura Nacional de Información (NII) sobre la que se desarrolló Internet. Gore es un visionario que supo dar solución a la necesidad humana de interconexión. Superado ese reto ha migrado del activismo tecnológico al activismo medioambiental, de la interconexión a la supervivencia del planeta. 

 

Ha tenido la experiencia de gobierno y ahora trabaja desde su organización "The Climate Reality Project" luchando contra el cambio climático, ¿desde qué plataforma cree que su labor cobra más eficacia?

No hay ningún cargo con tanta influencia como el de presidente. Dicho esto, cuando no pude ser presidente, me sentí agradecido de tener la oportunidad de influir de otras maneras. En última instancia, las soluciones a la crisis climática deben provenir de políticas gubernamentales activas. Esa sería la forma más influyente de hacerlo. Sin embargo, para convencer a los gobiernos de que cambien, existe un lugar para su defensa en el sector privado y estoy feliz de poder abogar por las soluciones correctas.

 

Y si en este momento tuviera responsabilidades de gobierno, ¿qué medidas adoptaría en su país para ayudar a revertir el cambio climático?

Número uno, eliminaría todos los subsidios del gobierno para los combustibles fósiles. Número dos, pondría un precio al carbón, lo que requeriría también la acción del congreso. Ahora es el momento de probar el apoyo a esa medida, porque creo que está ahí. Número tres, aceleraría la eliminación de los vehículos de combustión interna, como automóviles y camiones, y los reemplazaría por vehículos eléctricos. A continuación, alentaría a la agricultura regenerativa a secuestrar más carbono en la superficie de la tierra y a plantar tantos árboles como sea posible. Finalmente, lanzaría un programa importante para hacer que todos los edificios y fábricas sean mucho más eficaces, con un mejor aislamiento, ventanas, iluminación y niveles mucho más altos de eficiencia.

 

Estas medidas parecen necesarias, teniendo en cuenta que Estados Unidos es actualmente el segundo país más contaminante después de China...

Sí. China es la primera y Estados Unidos la segunda.

 

Más del 90 por ciento de los científicos consideran que el efecto invernadero es antropogénico, es decir, producido por el hombre. ¿Cuál sería su argumento más contundente frente a los negacionistas del cambio climático?  

En primer lugar, ahora ha aumentado al 99% los científicos que defienden eso. También es la propia Madre Naturaleza la que nos da argumentos que se presentan en forma de huracanes, inundaciones, corrientes de aire y otras consecuencias de la crisis climática. Esto mismo es lo que los científicos nos han estado diciendo durante décadas, y por ello, resulta simplemente indiscutible. Si todavía quedan negacionistas después de toda esta evidencia, no sé qué podría convencerlos. Todavía hay personas que creen que el aterrizaje en la luna fue un engaño. Todavía hay personas que creen que la Tierra es plana. No tiene sentido perder el tiempo discutiendo con estas personas sobre estas cosas.

 

¿Cómo afectan los intereses de las compañías productoras de energías de combustibles fósiles en la solución o no del problema?

Algunas de las compañías de energía de combustibles fósiles, especialmente en los Estados Unidos, han estado utilizando estrategias poco éticas para desacelerar las soluciones a la crisis climática. Han estado haciendo lo mismo que hicieron las compañías tabacaleras durante tantos años: confundir al  público con información falsa e inexacta. Las compañías tabacaleras contrataron actores, los vistieron de médicos y los pusieron en televisión para mentir al público y decirles que no había problemas de salud con los cigarrillos. Algunas de las compañías de combustibles fósiles, especialmente en mi país, han estado haciendo lo mismo. Gastan mucho dinero para dar información engañosa y falsa sobre la crisis climática. Le dicen a la gente que no existe, que es exagerado, que no es un problema grave.

 

¿Cuál es la postura del presidente Donald Trump a este respecto?

El presidente Trump es uno de los mayores infractores. Estas compañías de combustibles fósiles lo apoyan precisamente porque está dispuesto a mentirle a la gente sobre la crisis climática. Espero que el presidente Trump sea derrotado cuando se presente a su reelección. Soy optimista respecto a que será derrotado. Todavía no sabemos quién será el candidato demócrata, por lo que es difícil predecirlo.

 

¿Qué significado tiene para usted haber recibido el Premio Nobel de La Paz por su activismo en favor de la teoría del Cambio Climático producido a lo largo de un siglo de observación?

El significado más importante es que me da una mejor oportunidad para convencer a las personas de que tenemos que cambiar. Fue el mayor honor de mi vida, junto con el premio Príncipe de Asturias. Estos dos prestigiosos premios son importantes para mí, no por orgullo personal, sino porque me dan una mejor oportunidad de ganar audiencia.

 

¿Qué ha aportado la Cumbre del Cambio Climático COP25 en Madrid? ¿Se ha avanzado en alcanzar acuerdos entre las naciones para combatir sus efectos?

Generalmente los avances llegan el último día de tales conferencias, así que espero que rompan el estancamiento que existe en el centro de conferencias. Espero que puedan preparar el plan para la reunión del próximo año en Glasgow, donde se les pedirá a los 195 países que asuman compromisos más audaces para reducir su contaminación por el calentamiento global.

 

Pero, ¿cuál es el éxito de que se cumpla un compromiso entre naciones que nunca será seguido por todos los países? 

Cuando el mundo entero llegue a un acuerdo, ese acuerdo inevitablemente ejercerá una gran presión sobre todas las naciones para que hagan todo lo posible por su cumplimiento. También ejercerá mucha presión sobre empresas privadas, bancos e inversores. De alguna manera, los líderes empresariales están progresando hoy más que los líderes políticos. La razón de esto es porque los clientes de estas mismas empresas les están diciendo que quieren hacer negocios con compañías que son parte del esfuerzo para resolver la crisis climática.

 

Por ejemplo, en su documental "An Inconvenient Sequel: Truth to Power", se plantea el dilema en la Conferencia de las Naciones Unidas sobre Cambio Climático de 2015, de cómo países como India, con una población de 1,339 millones de personas, necesita quemar combustibles fósiles para generar energía y desarrollar su industria e infraestructuras, y poder aumentar el bienestar de su población. Como solución, les aconsejó cómo invertir mejor en energías renovables. ¿Se ha producido algún progreso desde la Cumbre de París?

Sí, ha habido un progreso fantástico en la India. El país ha experimentado un gran cambio desde la conferencia de París. Han comenzado a construir grandes parques solares y eólicos. Los precios de la electricidad están bajando. El aire ya no está tan sucio debido a la combustión del carbón, aunque tienen otras fuentes de contaminación con las que todavía tienen un problema real. Sin embargo, su compromiso con la energía solar les está ayudando a construir un futuro mejor. 

 

En una situación de emergencia climática como la que tenemos en este momento, ¿qué incidencia tiene, según usted, lo que está sucediendo en el Amazonas?

El nuevo presidente de Brasil, Bolsonaro, es responsable de no seguir aplicando las protecciones ambientales que han limitado la quema de la Amazonia. Él está dando luz verde y como resultado se han producido muchos más incendios. El riesgo es que el Amazonas pierda su integridad ecológica. Los científicos ahora están muy preocupados por que se convierta en un ecosistema diferente. En lugar de seguir siendo un bosque tropical, puede convertirse en una sabana. Si eso sucede, ya no absorberá tanto CO2, por lo que empeorará el problema global.

 

La mayor parte de la Amazonia pertenece a Brasil. ¿Cómo se puede compensar el mantenimiento de uno de los pulmones del mundo con las necesidades de una población que va en aumento?

Destruir el Amazonas no es una solución a la pobreza. Es simplemente un error y una parodia ecológica. Una razón por la que es un error es que el suelo en el Amazonas es extremadamente superficial y no será compatible con la agricultura por mucho tiempo. Lo que estamos viendo es mucha corrupción con personas que destruyen la Amazonia, obtienen ganancias rápidas y luego la abandonan poco después. La forma de crear prosperidad y más empleos es acelerar el cambio hacia la energía solar y eólica y la sostenibilidad como modelo. En realidad, eso puede crear más empleos y más riqueza en Brasil de lo que podría lograrse simplemente quemando la selva tropical. Además, es importante recordar que en el siglo XXI uno de los recursos más valiosos es la extracción única de información genérica que se encuentra en la selva tropical. Las curaciones para el cáncer y otras enfermedades, a menudo se encuentran en las formas exóticas de vida que existen en mayor abundancia en el Amazonas que en cualquier otro lugar de la Tierra. Es una tontería destruir todo este conocimiento genético sin siquiera catalogarlo y tratar de usar esta información por su gran valor en la medicina y en la fabricación de nuevos materiales.

 

Pero parece que las últimas tecnologías en generación eólica o solar avanzadas no se están desarrollando de manera suficientemente agresiva. Sin embargo, sus datos al respecto son diferentes. ¿Podría explicar el por qué de ese optimismo?

Muchas personas se sorprenden cuando ven las últimas estadísticas comerciales. La electricidad del sol es ahora la fuente de electricidad más barata. La segunda fuente más barata es la electricidad del viento. En realidad, no es tan raro que la gente se sorprenda cuando una nueva tecnología se desarrolla rápidamente. Ahora es un patrón repetido en el mundo moderno donde, de repente, nuestros teléfonos móviles, por ejemplo, se convierten en supercomputadoras. Se convierten en todo; incluso pueden actuar como linternas. Puedes pagar tus facturas con ellos. Hay muchos otros ejemplos de estas nuevas tecnologías que al principio son costosas e incómodas, pero luego bajan el precio y se vuelven mucho más sofisticadas. Esto es lo que ha sucedido con la energía solar y eólica. Aquellos que no han formado parte de esa industria, después de algunos años, ven las nuevas reformas y están muy sorprendidos. Pero la gente de negocios que hace un seguimiento de esto no está sorprendida. Han estado esperando a que esto sucediera  e invierten en ello. Ahora, estas nuevas formas de energía están cambiando radicalmente el mercado energético mundial.



Tengo entendido que la tecnología, para almacenar energía solar, también ha avanzado.

Eso es exactamente correcto. Además de las fantásticas mejoras en la tecnología solar y eólica, ahora también hay una mejora fantástica en la tecnología de las baterías, que pueden almacenar la electricidad para que pueda utilizar la energía solar por la noche y la energía eólica cuando el viento no sopla. El costo de estas baterías también se ha reducido muy rápidamente.

 

¿Y en el caso de España?

En España hay menos uso de baterías que en la mayoría de los demás países avanzados. No estoy muy seguro de por qué esto es así, pero creo que cambiará pronto. España tiene uno de los recursos naturales más fantásticos para la energía solar que cualquier otra nación en el mundo. Particularmente en la mitad sur de España. El desarrollo de baterías junto con la energía solar puede transformar los mercados de la energía en España, y reducir drásticamente el precio de la electricidad, haciendo que todas las empresas españolas sean más competitivas. También es reseñable la inestimable ayuda que la fundación Tierra Pura realiza en España para comunicar a todos la evidencia del cambio global y encontrar soluciones.

 

Respecto a los materiales radiactivos, ¿cree que la gestión de los residuos nucleares se puede hacer de manera segura?

Sí, pero la energía nuclear, en su forma actual, es la fuente de electricidad más cara que tenemos. Se está eliminando gradualmente en la mayoría de los países. China todavía está construyendo algunos reactores nuevos, pero la mayoría de los países ya no lo hace, principalmente porque es muy costoso. Hay otros dos problemas. El manejo de los residuos nucleares probablemente se puede hacer de manera segura, pero también aumentaría el costo. Las empresas de servicios públicos están pagando dinero a un fondo que se supone que se utilizará para el almacenamiento cuidadoso de los desechos nucleares. Sin embargo, esto requerirá aún mucho más dinero si se construyen más reactores. Otro problema es que la experiencia y los conocimientos necesarios para gestionar las plantas nucleares han disminuido. Las escuelas de posgrado que capacitan a los ingenieros nucleares no han progresado en su preparación, porque después de Chernobyl y Fukushima, la aceptabilidad de la energía nuclear ha disminuido mucho en la opinión pública. Alemania, por ejemplo, canceló su plan nuclear...



Cuando el partido de los verdes entró en el gobierno alemán, exigió la reducción de las plantas nucleares alemanas en un veinte por ciento, pero a cambio hubo que aumentar el uso de combustibles fósiles. Ahora Alemania se ha convertido uno de los países más contaminantes de Europa ...

Es que la respuesta no es pasar de nuclear a carbón y gas, sino de nuclear a solar, eólica y de baterías.

 

Pero ante la emergencia climática y el hecho de que las plantas nucleares no contaminan la atmósfera, ¿se podría considerar la energía nuclear como una solución temporal a la urgente necesidad de reducir las emisiones?


La mayoría de los líderes empresariales en la industria de servicios públicos se han desanimado acerca de la energía nuclear. Si usted es el CEO de una empresa de servicios públicos que fabrica y vende electricidad y decidió construir una nueva planta nuclear, debería consultar a su personal y hacer preguntas. Una de las preguntas que yo haría es cuánto costaría construir una nueva planta nuclear. La verdad es que no hay un solo ingeniero de consultoría en Europa o América del Norte que le diera una respuesta a esa pregunta. Nadie puede decirle cuánto costaría. Una segunda pregunta que se puede hacer es cuántos años pasarían antes de que la planta nuclear estuviera terminada para que pudiera comenzar a usarse y producir electricidad. Tampoco puede nadie responder a esa pregunta. Es desalentador no saber cuánto costaría ni cuánto tiempo llevaría construirla. El CEO de la compañía de servicios públicos diría que él o ella no querría algo con tanto costo, tan incierto y con tantos problemas. Eso es lo que ha estado sucediendo y está sucediendo también en España. Hay algunas plantas nucleares aquí que tienen 40 años y se siguen prorrogando cada 5 años. De hecho, proporcionan aproximadamente el 20% de su electricidad. Juegan un papel valioso, aunque el futuro de la energía nuclear no se ve muy bien a menos que los innovadores presenten un nuevo tipo de planta nuclear que sea menos costosa y más segura de operar.

 

¿Cuál es su opinión sobre la activista sueca Greta Thunberg, recién proclamada "persona del año" por la revista Time?

Creo que ella es fantástica. Soy un gran defensor de Greta. La conocí hace un año en Polonia en la Conferencia de las Naciones Unidas sobre el Cambio Climático. Admiro mucho su habilidad para decir la verdad a las personas en el poder. Creo que es una joven notable y yo soy su mayor fan.

 

 Al Gore Elena Cue

Al Gore durante su entrevista con Elena Cué

 

 

- Entrevista a Al Gore -                              - Alejandra de Argos -

 

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