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- Escrito por Alejandra de Argos
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La galería Helga de Alvear de Madrid acaba de presentar la exposición Pentagon Principle de la artista británica-canadiense, Angela Bulloch.
Esta artista perteneciente al grupo de los Young British Artists es conocida en el campo de la escultura y las instalaciones.
Su trabajo está fundamentado en los efectos sonoros y visuales jugando con nuestras percepciones sensoriales. Esto lo consigue ayudada por las tecnologías actuales con programas matemáticos de ordenadores.
Pentagon Principle gira en torno al pentágono, figura geométrica asociada al cosmos en la antigüedad. El pentágono estrellado era el símbolo de los seguidores de Pitágoras y en el Timeo de Platón, el dodecaedro formado por pentágonos se asocia a la totalidad del Universo.
Esta exposición esta compuesta por esculturas que juegan con la figura del pentágono, ya sea regular o irregular, imágenes matemáticas que se distorsionan creadas con un programa virtual de ordenador y llevadas a la realidad.
Paneles en la pared, esculturas, las cajas de luz con las que se dio a conocer, unas con una gama cromática extensa y otras monocolor hacían que entráramos en el microcosmos de esta artista de las percepciones.
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- Escrito por Maira Herrero
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Woody Allen nunca deja de sorprender. En su última cinta, Blue Jasmine presenta un enfoque completamente nuevo sobre la crisis económica de la que tanto y también ha hablado el cine en los últimos años. Inside Job, Margin Call, The Company Men, El Capital, son algunas de las películas que cuentan desde distintos puntos de vista, siempre masculinos, la realidad del mundo económico que nos esta tocando vivir.
Ahora la protagonista es un ama de casa, joven, guapa y neurótica, víctima de sí misma y del mundo del dinero que le rodea. Woody Allen crea personajes de carne y hueso que representan destinos humanos que reflejan sobre el espectador lo que, en un principio, se representa como materia ajena. ¿Cual es el papel de la mujer que disfruta de los beneficios económicos de su marido sin hacer preguntas y justificando de manera ingenua que no sabe nada?. Este es el drama de muchas mujeres que miran para otro lado, cierran los ojos y se autoengañan pensando que la vida es así. El ¡atrévete a pensar!, no tiene cabida en las mujeres a las que representa Cate Blanchett de forma magistral, que es incapaz de aceptar su destino, que ella misma ha contribuido a crear, y que se deja llevar por el alcohol y las pastillas.
Woody Allen es un gran conocedor del alma femenina y una vez mas carga su atención sobre una realidad que nos hace reflexionar sobre el papel de la mujer pasiva y autocomplaciente, ante una crisis que afecta a todos y a todo lo que nos rodea. Al mismo tiempo nos muestra el otro lado de la realidad, la de otra mujer, su hermana adoptiva, que vive en un mundo real, donde a las cosas se les llaman por su nombre, y donde se asumen las limitaciones.
Con un dominio de la puesta en escena insuperable, deja claro cuales son los signos externos que marcan la diferencia entre esos dos mundos de las hermanas adoptivas, y que solo el cine, sin necesidad de la palabra, coloca al espectador en situación y nos recuerda del valor que tiene en nuestra sociedad el envoltorio para reconocerse dentro de una manada.
Allen vuelve a realizar una obra maestra donde se reconoce al ser humano como un universal y no como un sujeto individual. La película adquiere vida propia y las intenciones de su autor pasan a un segundo plano para que el espectador comparta y se compadezca desde distintos puntos de vista lo que la película muestra.
Esperemos que el próximo 1 de marzo Blue Jasmine reciba el reconocimiento de Hollywood y que Cate Blanchett suba la alfombra roja como premio a su trabajo, que como ya he dicho, es sencillamente magistral.
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- Escrito por Dr. Diego Sánchez Meca
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Fue Hermann Hesse, junto con algunos otros autores más, quien me enseñó desde muy joven una idea de la literatura como ese refinamiento y perfeccionamiento de la vida que se consigue mediante un determinado uso del tipo de interiorización que es propio del buen arte. Interiorizar no significa, para mí, reducir a un mínimo los acontecimientos externos que se pueden contar, sino hacer coincidir el microcosmos de una serie de sucesos con el contrapunto de un determinado mensaje de la narración, y lograrlo en esa aparente detención del tiempo del mundo de lo cotidiano como sólo lo logra el buen arte.
Por eso, las novelas o cuentos de Hesse no son, en su mayoría, relatos que simplemente desgranan o reconstruyen determinados acontecimientos, sino todo un laboratorio de mediaciones alegóricas, de arqueología mítica con la que se va dando forma y modelando artísticamente un haz de significados que iluminan la existencia humana como tal.
En muchas de sus obras se ve otro mundo, incluso épocas que parecen no haber sucedido nunca. Sus antihéroes son el símbolo errante de la desdicha, arrojados a la ignominia de la historia desde donde nos miran hasta hacer doler los ojos de quienes los miramos. Y de este modo parece Hesse querer salir al paso del optimismo metafísico-retórico del humanismo clásico, europeo y occidental, para defender, en cambio, la indisoluble e inexorable unión entre pesimismo y humanidad. Esto es lo que, a mi modo de ver, expresan muchas de sus alegorías, que apuntan al germen de una felicidad que no es de este mundo, pero sólo porque requiere un peregrinar inquieto hacia un tipo de transformación interior que hace acrecentarse la experiencia del espíritu. Esta es una de las posibles claves para extraer de sus libros la riqueza espiritual que contienen, y para interpretar las mediaciones plástico-expresivas -y, al mismo tiempo, autorreflexivas- de su escritura como formas originales de entender y de practicar el arte.
Es cierto que hoy muchas de las novelas de Hesse se presentan “a distancia” respecto de nuestra sensibilidad moderna, como símbolos que "representan", en el sentido que tiene la noción schopenhaueriana de representación. Pero es que esa distancia poética de novelas como Demian, Bajo las ruedas, Narcis y Golmund, Roshalde, El lobo estepario o Sidharta es, en realidad, una distancia irónica que expresa una crítica muy atendible a ese dogma indiscutido para nosotros según el cual no debería haber dolor en el mundo de la representación.
Es decir, la ironía que resulta de ese cierto anacronismo de Hesse en nuestro mundo de hoy se debe a que donde él se quiso situar fue justamente a medio camino entre un relato alegórico del alma del europeo moderno y una fenomenología de la conciencia desdichada del ser humano en general, que recurre al arte más alto y seductor como parodia secretamente vuelta contra sí misma. Y en este sentido, matizando la exageración y el extremismo que puede ser propio en ocasiones del espiritualismo de Hesse, esta idea tiene, sin duda, un fondo profundo de verdad, porque refleja el talante intelectual de quien aprieta los dientes con orgulloso pudor mientras busca apasionadamente la verdad en la belleza, como lo han hecho tantos filósofos y tantos artistas a lo largo de los tiempos.
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- Escrito por Alejandra de Argos
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El estreno mundial de la ópera Brokeback Mountain de Charles Wuorinen, ha sido otro de los grandes logros del ex director artístico del Teatro Real, Gerard Mortier. Su genio, inteligencia y sensibilidad han traído otras joyas a Madrid como Life and Death of Marina Abramovic y Bob Wilson, The Perfect American y Philip Glass, Tristan une Isolde y Bill Viola y tantas otras que han hecho de su programa operístico un referente internacional. No hay que olvidar tampoco la magnifica evolución que ha sufrido la Orquesta Sinfónica de Madrid (1903) en la ya conocida como "era Mortier".
Me gustó el libreto, obra de Annie Proulx, autora del relato en el que se basó la película. Annie no quedó muy satisfecha por el exceso de sentimentalismo que derrochaba la película. Considero también, que esta adaptación a la ópera es más acorde con la historia de amor que se desarrolla entre dos rudos vaqueros en la aspereza y grandiosidad de las montañas de Wyoming. Esta historia de amor es analizada por Mortier como "un gran amor prohibido, que la sociedad no acepta. No es una historia americana, es una historia universal". La de la necesidad del hombre de ser amado.
La música del compositor Charles Wuorinen (1938), contemporánea y desconocida para mi, funcionaba muy bien con el desarrollo de la historia y con el canto. Enriquecía y favorecía una historia dramática de amor que volaba más alto en la imaginación. El compositor busca con su música transmitirnos la abrumadora fuerza de la naturaleza donde se desarrollaba la historia. Para ello Ivo van Hove, director de escena acompaña la obra con la proyección de las desoladas y ásperas montañas de Wyoming. Solamente las escenas donde se desarrolla la vida familiar de los personajes da un giro más teatral.
Protagonizada por el tenor estadounidense Tom Randle y el bajo barítono canadiense Daniel Okulitch y bajo la dirección musical de Titus Engel, fue todo un éxito que recomiendo no perderse. Estará en el Teatro Real hasta el día 11 de Febrero.
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- Escrito por Alejandra de Argos
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Constantin Brancusi (Rumania 1876-1957) llegó a París en 1904 donde realizó la mayor parte de su trabajo en dos estudios cerca de Montparnasse. En 1956 cedió el estudio y su contenido al Estado Francés, con la condición de que se mantuviera como lo dejara a su muerte.
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| Atelier Brancusi. Foto: Alejandra de Argos. | Atelier Brancusi. Foto: Alejandra de Argos. |
El arquitecto italiano Renzo Piano ha sido el encargado de crear el espacio para contener y reconstruir el estudio, tratando de llevar a cabo el espíritu del Atelier y el deseo del artista. Para Brancusi, era esencial la precisión en la colocación de sus esculturas con el espacio alrededor de ellas. Eso se puede apreciar en la visita, ya que todo encaja a la perfección, como una unidad. En 1920, el estudio se convierte para Brancusi en el mejor modo para hacer entender el significado de su obra.
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| Atelier Brancusi. Foto: Alejandra de Argos. |
La colocación de una obra de arte en el espacio adecuado es fundamental para su comprensión y aquí lo que se percibe, es que estéticamente todo funcionaba con una precisión y armonía excelente. Para entender hasta que punto esto era primordial para Brancusi, si vendía una pieza, la reemplazaba por otra de escayola para que no desapareciera el equilibrio que había creado entre ellas y el todo.
“Constantin Brancusi and Richard Serra” at the Fondation Beyeler,
© 2011, ProLitteris, Zurich. Photo: © 2011, Tom Fecht
Recuerdo la exposición que se llevó a cabo en Basilea, fue en la Fundación Beyeler (2011). Allí las esculturas de Richard Serra convivían con las de Brancusi en un mismo dialogo; buscar la esencialidad en las formas, hasta alcanzar una simplicidad, interpretada por Serra como base del minimalismo. Serra estuvo visitando su estudio en Paris en los últimos años de vida del artista y se impregnó de sus principios fundamentales, como era la importancia del equilibrio entre el volumen y el espacio.
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| Atelier Brancusi. Foto: Alejandra de Argos. |
El estudio también incluía fotografías, algunas en unos marcos de madera probablemente también hechas por Brancusi. La fotografía (1700 aprox.) cobró mucha importancia para Constantine Brancusi que comenzó utilizándola como documentación de sus obras y llegó a ser esencial coincidiendo con su relación con Man Ray. La colocación de la obra en el espacio con la luz adecuada creaban una nueva forma de percibir la obra.
La visita al Atelier es fundamental para captar los principios artísticos de una figura importantísima como pionero de la escultura moderna. En sus comienzos su obra se ve influenciada por Cézanne, el impresionismo o el trabajo escultórico de Rodin hasta que comienza a evolucionar hacia la abstracción y la simplicidad en las formas que recuerdan al arte primitivo africano y prehistórico.
Me despedí soñando con las cabezas ovales de Brancusi reposando dormidas en un equilibrio armonioso...
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| Atelier Brancusi. Foto: Alejandra de Argos. |
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- Escrito por Alejandra de Argos
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Thomas Schütte |
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Jason Rhoades |
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Juan Muñoz |
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Louise Bourgeois |
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Ai Weiwei |
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Matthew Barney |
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- Escrito por Alejandra de Argos
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Dionisio González
Galerie Richard, New York
Halong Series
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