Alejandra de Argos por Elena Cue

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 Ayer fue el estreno de Aída en el Teatro di San Carlo con motivo del bicentenario del nacimiento de Giuseppe Verdi.

Lo especial de ella es que fue comisariada por Franco Dragone, director teatral conocido por trabajar con el Cirque du Soleil. La puesta en escena fue más simple que otras producciones de esta ópera y mucho más atemporal pues se entremezclaban motivos del Antiguo Egipto con bailarinas de ballet clásico y efectos tecnológicos contemporáneos. Me pareció grandiosa la puesta en escena, más minimalista pero más intimista.

El reparto lo formaban una grandiosa Lucrecia García en el papel de Aída, Jorge de León como Radames, Ekaterina Semenchuck en el de Amneris y Marco Vratogna como Amonasro. Tambien la leyenda de la ópera, el bajo Ferruccio Furlanetto en el papel de Ramfis. La orquesta y el coro del Teatro di San Carlo hicieron que fuera una noche grandiosa.

 

 

 

 

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Velazquez Felipe IV

 

 

 

Velazquez y la familia de Felipe IV es una de esas citas ineludibles con el arte puramente estético. Después de acudir a la retrospectiva de los Hermanos Chapman se agradece tanta belleza.

La exposición es pequeña ya que consta de 15 cuadros realizados por Velazquez en sus últimos 11 años hasta su muerte en 1660. Esta es un época especial ya que se centró como retratista. El resto de la exposición es una selección de cuadros de sus sucesores Juan Bautista Martínez de Mazo y Juan Carreño. Es una pena que los cuadros de Mazo, copia de los de Velazquez, se expongan juntos porque son obras maestras pero al lado del genio de Velazquez siempre va a surgir la comparación.

De la primera sala, destacaría la fuerza que transmite el retrato del Papa Inocencio X realizado en su segundo y último viaje a Italia. De menor tamaño que el primero que pintó, obra maestra de Velazquez, pero con la misma intensidad en su expresión.

Los demás retratos son de Felipe IV, su esposa Mariana de Austria con la que se acababa de casar y de sus hijos. Destaca el extraordinario uso que hace del color con una paleta bastante reducida. Su técnica pictórica en trajes, cortinas y adornos es muy precisa lo que produce un realismo y belleza extraordinario. Pero sobretodo los ojos, la mirada de sus retratos que dotan al personaje de vida propia y marcan el carácter de él, es lo que más me llamó la atención porque al estar colgados junto a la copias de sus sucesores era lo que más les diferenciaba.

 



Velazquez Las Meninas

 

 

 

Velazquez

 

 

 

Velazquez

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La Sala Alcalá 31 acoge la instalación audiovisual del músico Brian Eno, conocido por su carrera artística como miembro del grupo Roxy Music y por ser el padre de la música ambient.
77 Million Painting consiste en vivir una experiencia audiovisual única ya que tendrían que pasar 400 años para que se realizarán todas las combinaciones posibles que se proyectan en las 12 pantallas en que consiste la muestra. Desde un sofá observas las variaciones casi sin percatarte de qué están cambiando mientras escuchas una música apacible que te deja en un estado de contemplación y absorción en ti mismo. 

Brian Eno explica perfectamente las sensaciones que vas a experimentar con estas palabras; " Un espacio donde los espectadores puedan experimentar un tipo de entrega, de rendición, en el que gracias a las imágenes, los colores y la música, agudicen sus sentidos y lleguen a un estado de quietud que sólo pueda permitirles dejarse llevar"

 

 

Brian Eno

Autor: Elena Cué

 

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Apoteósico Wagner en el Teatro Real. La fuerza y la pasión de Wagner se unieron con lo bello y lo sublime de Bill Viola engrandeciendo asi la obra.

Destacaría la maestría de Marc Piollet en la dirección musical, la poderosa voz de la lituana Violeta Urmana como Isolda y un magistral Franz-Josef Seling en el papel del rey Marke. Peter Sellars, director escénico, cedió todo el protagonismo a Bill Viola empleando sobrios elementos estéticos y produciendo una simbiosis con su video arte.

Amor, anhelo, emoción y drama. Sentimientos transmitidos con una inmediatez  y una capacidad expresiva que solo la música, entre todas las artes, es capaz de conseguir. Si a esto unimos la poética escénica de Viola, la combinación no pudo ser más acertada.

Wagner, compositor del Romanticismo, eleva esta obra a la pura esencia romántica, exaltando el sentimiento por encima de la preponderancia de la razón Ilustrada. El romántico vive y se consume en sus emociones, muere en el anhelo como Tristán. Entendiendo la muerte como principio de vida. La muerte de amor es vida... 

Este sentimiento de deseo y añoranza es la esencia del hombre para Schopenhauer. Somos voluntad y necesidad. Lucha por la existencia con un fin irremediable al que nos acercamos que es la muerte. Somos solo dolor por querer y aspirar, porque si los deseos se llegan a cumplir, nos encontraríamos con algo peor como dice Schopenhauer: vacío y aburrimiento. La vida para él es un péndulo que oscila entre la necesidad y el tedio.

Es sabida la influencia que ejerció el pensamiento de Arthur Schopenhauer sobre el compositor. El budismo, que está presente en las ideas del filósofo, también influyó en Wagner a la hora de escribir el libreto de Tristán e Isolda (Wagner además de componer la música siempre escribía sus libretos).

 


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Éste es otro punto en común con el artista Bill Viola que utiliza su video arte como exploración de autoconocimiento y que tiene sus raíces en las tradiciones espirituales como el budismo, cristianismo o islamismo. Todo ello estuvo muy presente en la proyección que acompañó a la opera, de gran misticismo.

Los elementos fuego, agua, aire, tierra están muy presentes en su obra, al igual que una concepción del tiempo ralentizada con una estética influenciada por artistas como Zurbarán, Velazquez, Goya, Ribera, el Bosco... El agua, esencial en el ciclo de la vida, tiene mucho simbolismo en su obra ya que a los seis años estuvo a punto de morir ahogado. Cuenta como esta experiencia en lugar de provocarle angustia o desesperación, le produjo calma y tranquilidad. El agua es la gran constante de su trabajo; vida, movimiento, nacimiento, cura, placer, dolor, muerte, misterio...

Estos cuatro elementos eran la explicación que los presocráticos daban al origen y causa del cosmos.  

 

Los videos que se iban sucediendo a lo largo de la representación fueron acercándose cada vez más a la trama de la obra a medida que los actos transcurrían. Hasta que en el tercer acto, para mí sin duda el mejor, triunfó la unidad entre ellos.

"Muchos de mis trabajos se basan en la unión de contrarios. Blanco y negro, luz y oscuridad, fuego y agua, día y noche, hombre y mujer, nacimiento y muerte. Estos son los elementos que el ser humano viene observando desde el comienzo de los tiempos" Bill Viola.

 

   


El primer acto comienza con escenas del mar y unas imágenes de unos actores Shakesperianos, con desnudos incluido, que utilizó Viola como simbolismo de la leyenda. Escenas de los amantes de una gran intensidad, romanticismo y dramatismo. La pantalla se centró en una especie de purificación de los protagonistas. Agua como principio de vida y expiación.

 

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Continuando con fuego como símbolo de la lucha entre la vida y la muerte. Fueron soberbias las escenas de las grandiosas llamas acompañadas por la potencia de la música.



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La escena de agua y del cadaver yaciente de Tristán elevándose hacia el cielo, fueron el colofón de un Bill Viola sublime.
 
 
 

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Como sublime es también la música de Wagner. Él no pretende que adoptemos una actitud pasiva de puro placer ante su música, desea mucho más. Quiere que suframos una transformación interior y nos transcendamos mediante la desapropiación de nuestra individualidad. Uniéndonos a los demás en un todo a través de la experiencia común del gozo (éxtasis dionisiáco) y el dolor (vértigo trágico). Como Isolda al final de el Tristán.
 
 
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Friedrich Nietzsche, además de filósofo, fue compositor. Su relación con Wagner pasó de una grandísima admiración tras conocer su Tristán e Isolda, a un terrible odio y ruptura de su amistad. Su desavenencia fue debida a la composición de su ópera Parsifal, por su sentido religioso centrado en la idea cristiana de la compasión. 
La música reúne en sí misma todas las cualidades: puede conmover, embelesar, serenar... pero su cualidad esencial es la de dirigir nuestros pensamientos hacia lo alto, la de elevarnos, conmocionarnos... La música nos habla a menudo más profundamente que las palabras de la poesía, en cuanto que se aferra a las grietas más reconditas del corazón. F. Nietzsche

 

 

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Esta magnífica exposición del artista de origen argelino Adel Abbdesamed, se puede visitar en el Museo de Arte Moderno de Doha, en Qatar. Es una exhibición que nos abre los ojos a la violencia en el mundo. El arte como crítica es la línea que sigue Adel en su obra, en la cual, se define como un artista de acción. Es el proyecto más importante llevado a cabo por el Mathaf.

 

 

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En la entrada del Museo nos recibe La Vase Abominable, una vasija de medidas descomunales reposando sobre una base de bombas. La vasija y las armas. Dos de los primeros artefacto creado por el hombre se unen como símbolo de nuestra contradictoria condición humana, la creación y la destrucción.

 

 

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En esta misma entrada un video llamado Ayaï proyecta una rápida acción repetida hasta el infinito en la que un pie desnudo pisa con violencia una rosa que yace en un adoquín. Curioso el impacto visual de la destrucción severa de algo que evoca la belleza. 

 

 

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Debajo del video se despliegan los Soldaten. Abdessemed los ve por todos sitios, desde el Norte de Irlanda en el comienzo de los años 90 hasta Afganistan en nuestros días.  Por seguridad. Por nuestra seguridad. Los soldados representan las continuas guerras de nuestro tiempo.

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Para cerrar el círculo de esta sala les acompaña Zero Tolerance (2006), un coche de terracota que aparece carbonizado, destacando entre las blancas paredes. Una imagen que transporta a tantas escenas vistas en los medios de comunicación producidas por ataques terroristas.

 



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La siguiente sala no deja indiferente. East of Eden. Mémorie es la primera memoria, la de un prado de flores que se transforma en cuchillos.

"Que aberrante metamorfosis se impone en nuestra memoria. Que inmenso y repetido crimen ha sido cometido contra nosotros, contra nuestros cuerpos, contra la tierra la cual nosotros pisamos, para transformar los sueños antiguos de bondad y felicidad en yermo, desembocando en tierra destruida por el mal, la violencia y sus signos, vueltos a unir por un momento en una figura similar al arquetípico jardín"


Al fondo se proyectaba un video donde aparece un baboon colocando letras en una pared, Hutu y Tutsi, las dos etnias que en 1994 provocaron el genocidio de Ruanda. Memoria y más memoria…

 




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Sin duda, lo más impactante de la exposición es una instalación humana en terracota que cubría las inmensas paredesRoom of a man as a builder. Shams, es el nombre de esta descomunal y potentísima instalación. El hombre como constructor de monumentos para perpetuar la memoria. El artista como arquetipo del gran constructor. Esta instalación es como una especie de homenaje a los millones de hombres que han ayudado a construir nuestra memoria y que son invisibles.

   
 
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Los Little Pot son una serie de jarras comunes fabricados en diferentes materiales como arcilla, goma, laca, jade... "Regalo de amor", una promesa de una era que llegará, quizás.

 

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Room of the eternal, or Beyond time. Julie. D'un horizon á un autre. Hace referencia a los conceptos de eternidad e infinito, dos términos que tienen mucho que ver con la figura del artista ya que su trabajo tiene que ver con el espacio y el tiempo. Representa su mujer hecha en piedra de sal sobre una roca de la región de Qatar.



"En el arte, eternidad e infinito están relacionados con la idea de belleza, ya que en la vida la belleza es parecida a la felicidad".

 

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Y para terminar un panel dorado con sus cuatro hijas como recuerdo soñado de una época que tendrá que venir, L'age D'or.

 

 

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"La Edad Dorada es un estado celestial donde la fatiga de la vida de esfuerzo y su consiguiente infelicidad están desterrados. La Edad Dorada aparece antes de la civilización y su malestar. Pertenece a la esfera del mito y la mitología…" Pier Luigi Tazzi

 

 

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 Foto: Alejandra de Argos

 

"Aventura de una noche" fue el nombre del evento explosivo creado por Cai Guo-Quiang, uno de los artistas chinos más célebres del mundo. Consistió en un acto conceptual pirotécnico que estalló en las aguas del Sena con motivo de la "Nuit Banche" parisina. Sexo y explosivos se fusionaron en la ciudad del Amor a lo largo de una noche mágica. 


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Desde hace doce años y, en el primer fin de semana de Octubre, París alberga "La Nuit Blanche", un importante evento de arte contemporáneoLa noche empezó a bordo de un  bateau-mouche en el que el artista trató de explicar la experiencia que ibamos a vivir, un ejemplo de arte efímero que se dividiría en tres fases. El escenario elegido eran las orillas del Sena, entre el museo D'Orsay y el Louvre, para percibir una experiencia romántica, elogio a Eros, en la capital del amor. Allí se congregaron miles de personas que se iban situando a lo largo del Sena.

 

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Una vez que supimos cómo se iba a desarrollar el evento, emprendimos la marcha a lo largo del Sena. La guía fue Lulú, que portaba un farolillo rojo. El punto donde se iba a llevar a cabo el espectáculo se podría observar desde unas gradas instaladas para la ocasión. La exhibición se hizo esperar media hora hasta que llegó el alcalde de París Bertrand Delanoë, financiador del evento. Entonces empezó la primera escena, con una duración de doce minutos, medida que se estima que tienen los franceses al hacer el amor. La música estuvo a cargo de Tan Dun, compositor y director conceptual chino, de su creación The Pink, música ritual en sonido y danza. Fue grandiosa la simbiosis de la música con una espectacular explosión de fuegos pirotécnicos que expresaban el proceso de hacer el amor y su metafórica erupción.

 




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A French Love Encounter in Cai Guo-Qiang’s One Night Stand: Explosion Event for Nuit Blanche, realized on October 5 on the Seine River, Paris, France, 2013. Photo by Thierry Nava, courtesy Cai Studio.


 

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La segunda escena fue el momento de los amantes, donde dos bateau-mouche, con cincuenta carpas rojas, acogían a cien personas de todas partes del mundo en un acto multicultural. Cada tienda contenía una pareja haciendo el amor. Si querían compartirlo con el espectador tenían que encender la luz y entonces podrían ser observadas las sombras desde el exterior o la tendrían apagada. Todas fueron encendidas.

 

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Lovers’ Time in Cai Guo-Qiang’s One Night Stand: Explosion Event for Nuit Blanche, realized on October 5 on the Seine River, Paris, France, 2013. Photo by Lin Yi, courtesy Cai Studio.

 
 

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Lovers’ Time in Cai Guo-Qiang’s One Night Stand: Explosion Event for Nuit Blanche, realized on October 5 on the Seine River, Paris, France, 2013. Photo by Lin Yi, courtesy Cai Studio.

 

   

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  Foto: Alejandra de Argos

A los barcos les rodeaban unas pequeñas lanchas dirigidas por unos hombres enfundados en unos trajes de luces blancas. Ellos eran los encargados de lanzar los fuegos artificiales durante quince segundos, cada vez que una pareja se daba placer. Momento en el que se  provocaba una reacción emocional entre las parejas y la audiencia.

 

 

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Y finalmente, pudimos disfrutar de la última explosión de unos elegantísimos y excepcionales fuegos artificiales para despedir la noche. El estado de emoción colectiva tras esta experiencia tan intensa, era enormemente palpable en el ambiente que se respiraba en las orillas del Sena. Este rio fue el otro gran protagonista de la noche, testigo de la Historia de Francia y compañero, en ambos lados del cauce, del Palacio del Louvre y el Museo D'Orsay. 

 

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Lovers’ Time in Cai Guo-Qiang’s One Night Stand: Explosion Event for Nuit Blanche, realized on October 5 on the Seine River, Paris, France, 2013. Photo by Lin Yi, courtesy Cai Studio.

 

 Recomendaciones:

 

En las mismas fechas tuvo lugar la ''Blanch Nuit'' en Toronto. Ai Weiwei, uno de los artistas chinos conceptuales más importante de nuestros tiempos, fue el encargado de crear una Colosal instalación que vale la pena ver.

http://www.thisiscolossal.com/2013/10/forever-bicycles-ai-weiwei-toronto/

 

 

 

 

¡¡El horror!! ¡¡El horror!! Terroríficas y enigmáticas  palabras pronunciadas por Kurtz antes de morir, después de haber descendido a los infiernos de la degradación moral, en la obra de Joseph Conrad El corazón de las tinieblas. El colonialismo que se dio en el Estado Independiente del Congo, que fue administrado privadamente por el Rey Leopoldo II de Bélgica entre 1885 a 1908, guarda similitud con el totalitarismo de Hitler. Durante este periodo alrededor de diez millones de africanos fueron exterminados. La población congoleña fue sometida a una extrema explotación bajo una esclavitud salvaje. La extracción de recursos naturales como caucho, marfil y resina enriquecieron descomunalmente a este responsable de una de las mayores tragedias de la humanidad.

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¡¡El horror!! ¡¡El horror!! Terroríficas y enigmáticas  palabras pronunciadas por Kurtz antes de morir, después de haber descendido a los infiernos de la degradación moral, en la obra de Joseph Conrad El corazón de las tinieblas.

El colonialismo que se dio en el Estado Independiente del Congo, que fue administrado privadamente por el Rey Leopoldo II de Bélgica entre 1885 a 1908, guarda similitud con el totalitarismo de Hitler. Durante este periodo alrededor de diez millones de africanos fueron exterminados.

La población congoleña fue sometida a una extrema explotación bajo una esclavitud salvaje. La extracción de recursos naturales como caucho, marfil y resina enriquecieron descomunalmente a este responsable de una de las mayores tragedias de la humanidad.

 

 

 

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En el caso de Hitler, fue responsable de la muerte de 22 millones de personas de los cuales  6 millones eran judíos. Hombres, mujeres y niños fueron arrebatados de sus núcleos familiares y conducidos a campos de concentración donde los  que no eran aptos para trabajar eran enviados a la cámara de gas y el resto eran destinados a la esclavitud, sufriendo la más espantosa degradación física y moral. Cualquiera de los supervivientes del Holocausto quedaron marcados por ¡¡El horror!!

 

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Ese ¡¡horror!! es el eje que subyace en la película donde el personaje de Hannah Arendt es llevado a la pantalla magistralmente por la directora alemana Margarethe Von Trotta y encarnado formidablemente por la actriz Barbara Sukova. La pelicula esta basada en su libro Eichmann en Jerusalén. Resulta muy complicado llevar a la pantalla a una pensadora de esta talla tan creíblemente. Las imágenes originales del juicio a Eichmann son muy potentes y hacen junto con la ambientación que nos sumerjamos de lleno en la época.

 

 

la foto 1 (6)Hannah Arendt, filósofa alemana de origen judío, fue una de las teóricas políticas más influyentes del s XX. Huyó de su país cuando se vio en peligro pero no pudo escapar de ser confinada en un campo de concentración en Francia del que más tarde escapó rumbo a Estados Unidos.

Pocos años después del fin de la Segunda Guerra Mundial, en 1961 la revista The New Yorker quiere cubrir el juicio que se llevará a cabo en Jerusalén a Adolf Eichmann, teniente coronel encargado de llevar a cabo la solución final de los judíos organizando su transporte hacia los campos de concentración para su exterminación. El Mossad lo había secuestrado en Argentina y llevado a Israel para su procesamiento. Arendt desea seguir el proceso y así se lo hace llegar a la revista que acepta encantada la propuesta. La suma de los artículos que escribe para la revista conformaran la edición del libro Eichmann en Jerusalén.

 

 

La película nos relata la vida y proceder de Hannah Arendt en ese periodo concreto de tiempo. Fue una mujer de fuerte personalidad e independencia que aprendió a pensar con Martin Heidegger, amante suyo, antes de que éste apoyara al partido nazi.

Lo más interesante es como se enfrentó con este juicio a toda la comunidad judía, a una gran parte de la población, e incluso a muchos amigos, por llevar hasta las últimas consecuencias esa libertad absoluta de pensamiento que siempre la caracterizó.

Se dio por descontado que siendo judía su análisis sería totalmente partidario y que no tendría ninguna fisura, pero si hubo, ya que denunció la parcialidad con que se llevó a cabo el proceso, señaló la importancia que tuvieron algunos líderes judíos que facilitaron listas de sus congregaciones y provocaron deportaciones masivas, o la más importante, que acuño el concepto de "banalidad del mal" como otra forma de culpabilidad irreflexiva llevada a cabo por una cuestión de orden y obediencia.

Leopoldo II, Adolf Eichmann, líder y sirviente, ¿que juicio ético se merecería cada uno? La sentencia en los dos casos sería culpable pero ¿con matices?

 

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“Si es verdad que una cosa, tanto en el mundo de lo histórico-político, como en el de lo sensible, sólo es real cuando se muestra y se percibe desde todas sus facetas, entonces siempre es necesaria una pluralidad de personas o pueblos, y una pluralidad de puntos de vista, para hacer posible la realidad y garantizar su persistencia. Dicho con otras palabras, el mundo sólo surge cuando hay diversas perspectivas (...). Si por el contrario, aconteciera que a causa de una enorme catástrofe, restara un sólo un pueblo sobre la tierra, en que todos vieran y comprendieran todo desde la misma perspectiva, y vieran en completa unanimidad, entonces el mundo, en sentido histórico-político, llegaría a su fin y los supervivientes, que permanecerían sin mundo sobre la tierra, no tendrían más en común con nosotros.” Hannah Arendt.

 

 

 

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