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Escrito por Ángeles Blanco

Publicado: 23 Marzo 2015

Última actualización: 22 Febrero 2016

Escultura, fotografía, dibujo, vídeo y su propio cuerpo son los medios que utiliza para expresarse este artista, que vive y trabaja en Nueva York y cuyo trabajo genera opiniones para todos los gustos: algunos dicen de él que solo busca impresionar, mientras que otros aprecian el complejo significado de sus obras y la riqueza de sus exposiciones.

Imagen: Matthew Barney, disponible en http://basilicasoundscape.com/

En la infinidad de exposiciones que ha realizado por todo el mundo, despliega todo el arsenal de medios con los que se expresa y que acompañan a los largometrajes que él mismo protagoniza, acompañado en muchas ocasiones por personajes de lo más variado: Aimee Mullins (atleta paraolímpica), Richard Serra (arquitecto), Norman Mailer (escritor), Peter D. Badalamenti o Ursula Andress (actores).

Matthew Barney nació en San Francisco (California) en 1967, pero pronto su familia se trasladó a Boise (Idaho) donde vivió hasta que fue a la universidad. Cuando tenía doce años, sus padres se divorciaron y su madre, la pintora Marsha Gibney, se trasladó a Nueva York, donde se especializó en abstracción biomórfica. Él mismo reconoce: «Fui consciente, gracias a ella, de que el arte puede ser un camino viable. Y no fue tanto por las pinturas reales como por los libros que tenía siempre alrededor sobre arte de composiciones corporales de los años sesenta. Era el cuerpo lo que me fascinaba - en el deporte y en el arte - los límites, las posibilidades del cuerpo. Me di cuenta muy pronto de que yo podría traer elementos de la fisicidad del deporte a mi trabajo».

Imagen (izquierda): Drawing Restraint 2, disponible en http://entrelacs.revues.org/

Imagen (derecha): Drawing Restraint 5, disponible en http://en.daringtodo.com/

Permaneció en Idaho con su padre hasta que en 1985 ingresó en Yale para estudiar cirugía plástica, y allí formó parte de los equipos de lucha y fútbol americano; sin embargo, tras dos semestres, cambió la Medicina por las Bellas Artes. Este interés por el cuerpo humano y el deporte marcarán toda su carrera artística. Durante un tiempo, trabajó como modelo para financiar sus primeras obras y, gracias al reconocimiento de sus compañeros, la facultad le dejó participar en el programa de arte restringido solo a los alumnos graduados con honores.

Imagen (derecha): Catacea, 2006, disponible en http://www.theartblog.org/

En sus frecuentes visitas a su madre en Nueva York pudo entrar en contacto con el arte escénico, que empezaría a desarrollar desde el principio de su trayectoria: su tesis en Yale fue un vídeo llamado Field Dressing, en el que se ven las semillas que más tarde germinarían en el ciclo Cremaster.
Desde 1987, aún en la universidad, hasta el presente, trabaja en Drawing Restraint, una larga serie de obras que abarcan distintas disciplinas y cuyo hilo conductor es un modelo atlético de desarrollo en el que el crecimiento se produce solo a partir de la moderación: el músculo encuentra resistencia, se sobrecarga y, al curarse, se hace más fuerte.

Su interés por los límites de la resistencia, pueden tener su origen en la atracción por el escapista Houdini, una de sus obsesiones de niño, que en el ciclo Cremaster utilizará como símbolo de la transformación y la metamorfosis; él mismo reconoce: «Houdini se ha convertido en algo más para mí; creo que la referencia al principio tenía que ver con el concepto de ser sometido a resistencia, una resistencia autoimpuesta con un potencial creativo». Y es que a Barney le gusta estudiar las limitaciones físicas del cuerpo y explorar en vivo ante el público de forma multimediática. En sus primeras exposiciones, incluyó vídeos de sí mismo interactuando con distintos objetos, en ocasiones llevando a cabo notables esfuerzos físicos, incorporando escenarios complejos e imágenes de significados contrapuestos.

Drawing Restraint 9, en 2005, fue un proyecto de mayor envergadura: un largometraje, cuya banda sonora corresponde a Björk (su pareja durante varios años y madre de su hija), esculturas de gran tamaño, fotografías y dibujos, todo girando en torno al sintoísmo, la ceremonia del té y la caza de ballenas.

En la serie número 19 de Drawing Restraint, emplea un monopatín como instrumento de dibujo, con un trozo de grafito acoplado en el frente, un patinador traza líneas a medida que se mueve sobre una superficie lisa. La pieza formó parte de una exposición benéfica en 2013 para un parque de patinaje en Detroit.

Sin duda, es el ciclo Cremaster, compendio de videoarte y escultura exhibido entre 1994 y 2002, por lo que más se conoce a Matthew Barney. Se trata de cinco largometrajes que versan sobre la exploración de la identidad masculina y en los que se intuye un poso autobiográfico mezclado con lo mitológico. Las cinco partes, sin un orden concreto, se han ido desarrollando cinematográficamente, mediante fotografías, dibujos, esculturas e instalaciones realizadas para cada episodio. Por estos dibujos, vídeos y fotografías fue galardonado con el Premio Europa 2000 en la 45ª Bienal de Venecia de 1993.

En cada uno de ellos examina el proceso de creación y se vale del vídeo para perfeccionar la escultura mediante la evaluación de posición, iluminación, tamaño y forma, consiguiendo una estética surrealista plagada de sátiros, hadas y personajes fantásticos en escenarios barrocos e inverosímiles. En sus películas, no busca la identificación del espectador, sino impactar con sus imágenes, por eso huye de narraciones lineales y personajes corrientes. «Hay un intento consciente de equilibrar material autobiográfico contra el mitológico, y el material más intuitivo y abstracto – confiesa el propio autor. Y añade – No se trata tanto de crear el retrato de un individuo, sino más bien un complejo, un sistema que describa una forma individual. Algo como construir un elaborado espejo a lo largo de diez años, y entonces llegar al espejo y sorprenderse de ver el propio reflejo».

Su punto de partida es el músculo cremáster masculino, que sostiene los testículos y controla las contracciones testiculares en respuesta a los estímulos. Una vez más, enlaza los temas que predominan en su obra: la anatomía masculina, el cuerpo y el deporte para crear exposiciones en las que presenta espectaculares montajes con esculturas y dibujos que acompañan a los largometrajes. Aunque organizada en un principio por el Museo Guggenheim de Nueva York, es el Centro de Arte Walker la institución que conserva el ciclo completo por el que el artista ha ganado varios premios. Matthew Barney concibe cada proyecto como un todo que pierde su esencia si se separa, por eso aclara: «Para mí, es fundamental que todas estas formas se unan como una sola pieza, y el museo es el lugar en el que eso puede suceder. Diferentes aspectos, probablemente más fácilmente los aspectos de imágenes en movimiento, pueden viajar más allá de las paredes del museo y, en mi opinión, cuanto más lejos, mejor. Pero por el momento, creo que el museo es el lugar donde hacer el todo más claro».

De estos largometrajes se ha dicho que son arcanos, herméticos y solipsistas y, sin embargo, proporcionan algunas de las imágenes experimentales más enigmáticamente hermosas que jamás se podrán ver.

River of fundament, largometraje estrenado en 2014 en Europa y fruto de la colaboración con el compositor Jonathan Bepler durante siete años, es su obra más reciente. Concebido como una ópera en tres actos, durante las cinco horas y media que dura, narra una historia de regeneración y renacimiento que se inspira libremente en la novela de Norman Mailer, Ancient Evenings (1983). En la película, Barney recrea la muerte y reencarnación de dos personajes principales: el propio Norman Mailer y un automóvil antropomórfico. El objetivo aparente es conseguir que Mailer alcance un lugar entre los ascendentes de las Grandes Letras Americanas mientras es perseguido por el espíritu de Hemingway.

El artista explora aspectos como la voluntad y el deseo de transformación del protagonista y coloca la acción en REN (Los Angeles, 2008), KHU (Detroit, 2010) y BA (Nueva York, 2013). «Creo que estoy en mi mejor momento cuando puedo crear una situación en la que la acción está dictada en gran medida por el entorno» son palabras de Barney que dan sentido a las localizaciones de sus obras.

Los ríos Rouge y Detroit, el East River de Nueva York y las autopistas de Los Ángeles, representan las arterias, tanto naturales como artificiales, que dan título al film y que transportan al protagonista en su viaje de la muerte al renacimiento, viaje en el que toma contacto con los personajes incestuosos que se detallan en el mito de Osiris.

El trabajo de Matthew Barney ha provocado fuertes reacciones críticas tanto positivas como negativas y se ha comparado con artistas como Chris Burden o Vito Acconci, alegando que su arte es a la vez una crítica y un apoyo al cine comercial. De lo que no cabe duda es de que cuando su desbordante imaginación se vuelca en un tema, llega hasta sus profundidades para crear imágenes que permanecen en la memoria para siempre.

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Escrito por Marisa Carrero

Publicado: 20 Enero 2015

Última actualización: 04 Enero 2019

«Los límites de mi lenguaje son los límites de mi mundo». Pero en realidad, en sus inicios, sus límites estaban marcados por las tierras de labor del medio oeste americano, y no parecía muy probable que un joven nacido en Fort Wayne, Indiana, en 1941, se convirtiera en uno de los cinco artistas vivos más cotizados del momento. Es curioso también que empezara interesándose por las matemáticas y la física cuando ingreso, en 1960, en la Universidad de Wisconsin, para después cambiar absolutamente de rumbo y dedicarse al arte y la filosofía en la Universidad de California. Pero así fue y fueron años llenos de nuevas experiencias y descubrimientos como el del escritor Samuel Becket o el del filósofo austriaco Ludwig Wittgenstein, quienes le influyeron fuertemente sobre todo en lo referente a la importancia del lenguaje, los ritmos del discurso y el poder visual del texto, que él incluiría años más tarde en sus neones.

«Los límites de mi lenguaje son los límites de mi mundo». Pero en realidad, en sus inicios, sus límites estaban marcados por las tierras de labor del medio oeste americano, y no parecía muy probable que un joven nacido en Fort Wayne, Indiana, en 1941, se convirtiera en uno de los cinco artistas vivos más cotizados del momento.

Imagen: Bruce Nauman, disponible en http://museumzero.blogspot.com.es/

Es curioso también que empezara interesándose por las matemáticas y la física cuando ingreso, en 1960, en la Universidad de Wisconsin, para después cambiar absolutamente de rumbo y dedicarse al arte y la filosofía en la Universidad de California. Pero así fue y fueron años llenos de nuevas experiencias y descubrimientos como el del escritor Samuel Becket o el del filósofo austriaco Ludwig Wittgenstein, quienes le influyeron fuertemente sobre todo en lo referente a la importancia del lenguaje, los ritmos del discurso y el poder visual del texto, que él incluiría años más tarde en sus neones. Fueron años de gran actividad ya que Nauman no paraba de experimentar en diversas artes: colaboró en películas, realizó pequeñas representaciones, publicó incluso un libro, y todo ello antes de acabar su doctorado en 1966, el mismo año en el que realizó una exposición unipersonal (one-man exhibition) en la Nicholas Wilder Gallery de los Ángeles, con esculturas de fibra de vidrio. Después, se trasladó a vivir a San Francisco, donde montó su estudio: «Si era un artista y estaba en mi estudio, cualquier cosa que hiciera en ese estudio debía ser arte. En este punto, el arte se convierte más en un actividad y menos en un producto», afirma Nauman.

Imagen (izquierda): Walk with contrapoposto, disponible en http://www.lacma.org/

Imagen (derecha): Walk with Contrapposto, 1968–2003, disponible en https://www.artnet.com

Este tipo de reflexiones nos dan una idea del carácter de Nauman frente al arte y del por qué de sus obras de esa época: reproducción de las partes posteriores de los objetos, moldeado de algunas partes de su propio cuerpo, trabajos relacionados con lo oculto y lo inaccesible. En 1968 llevó a cabo su primera exposición individual en la mítica galería Leo Castelli de Nueva York, en la cual destacó especialmente la escultura hecha en cera De la mano a la boca, además de sus características esculturas de neón como, por ejemplo, Mi apellido exagerado catorce veces en posición vertical, donde las referencias personales marcan el principio de una de sus creaciones más características (luego, el propio artista contaría cómo se inspiró en los anuncios de cerveza de los bares de su barrio). Después de esta exposición, se fue con su obra a Alemania, al ser invitado a la Documenta IV de Kassel.

Imagen: My name as, disponible en https://anartjunkie.wordpress.com

Ese mismo año, empujado por sus inquietudes en otras facetas del arte, entró en contacto con la coreógrafa Meridth Monk y el compositor Steve Reich, junto a los que trabajo en varias ocasiones realizando diferentes representaciones, como Walking in an Exaggerated Manner Around the Perimeter of a Square (Caminado de forma exagerada alrededor del perímetro de un cuadrado), uno de sus primeros trabajos en video.

Después vendrían las colaboraciones con otros artistas, como Eva Hesse, Richard Serra y Joël Shapiro, con los que realizó varias exposiciones en Nueva York, como Anti-Illusion: Procedures/Materials, organizada en el Whitney Museum of American Art de Nueva York donde presenta su Performance Corridor, su primera instalación «de pasillo». En las obras que Bruce Nauman creó en estos años, el artista utilizó una gran variedad de materiales e, incluso, su propio cuerpo, no solo con tatuajes y pinturas, sino también con posturas y movimientos, siendo una herramienta más de su creación. Es el llamado body art dentro del cual realiza Posturas pared-suelo, donde movía su cuerpo de forma que creara un ángulo entre el suelo y la pared, representación que realizó en 1968 para la Universidad de California y donde trabaja únicamente con su cuerpo, sin ningún otro objeto material, creando su propio lenguaje, como ocurre con su serie Art Make-up.

Imagen (izquierda): Art Make-up, disponible en http://arttorrents.blogspot.com.es/

Pero no todo eran aplausos y reconocimientos; también tuvo que lidiar con malas críticas como la del periodista Milton Kramer en un artículo para el New York Times, publicado en 1973: «… penosamente salta a la vista que aquí hay muy poco; unas cuantas esculturas sin interés escultórico, unas cuantas fotografías sin interés fotográfico, unas pocas pantallas de vídeo mostrando imágenes que de algún modo se las arreglan para ser al tiempo aburridas y repugnantes». Era evidente que se trataba de la nota discordante porque, con tan solo treinta años, ya se realizó una retrospectiva de su carrera, organizada por Los Ángeles County Museum, con nada menos que 117 piezas, además de ser considerado por la mayoría de los críticos como el iniciador del postmodernismo en el arte. Él siguió creando y, a lo largo de estos años setenta, experimentó también con la fibra de vidrio produciendo importantísimas obras como Wax Impressions of the Knees of Five Famous Artists y Hand circle o hurt wall.

Imagen (izquierda): Wax Impressions of the Knees of Five Famous Artists, disponible en https://www.artsy.net

Imagen (derecha): Untitled (Hand Circle), disponible en http://www.theskinny.co.uk/

En 1979 se traslada a Nuevo México y establece allí su estudio y, durante los años siguientes, comienza a exponer sus obras por museos de todo el mundo: el Rijksmuseum Kröllermuller de Otterlo en los Países Bajos, Basilea, diferentes museos de Alemania y en la Whitechapel de Londres. Una de sus obras más significativa de estos años fue el Triángulo Sudamericano, como crítica a los regímenes totalitaristas de la zona, igual que había hecho con otras obras de clara referencia política, contra el Apartheid o la pena de muerte. A finales de los ochenta, introduce el neón definitivamente como elemento base de sus obras, lo que le permite también jugar con el lenguaje, creando contradicciones, por ejemplo, entre la palabra y la imagen, y todo impregnado de un toque sexual: Malice, sex y Death/Double 69 son una muestra de ello.

Imagen: Five Marching Men, disponible en http://www.gazduna.com/

Su segunda gran retrospectiva se produjo en 1995 y corrió a cargo del Walker Art Center de Minneapolis en colaboración con el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de Washington, con la idea de recorrer después varios museos del mundo. El primero de ellos fue el Centro de Arte Reina Sofía que contó con sesenta y tres proyectos, entre los que destacaban Sal de mi mente, sal de esta habitación (1968) o Tortura de payaso (1987). Después, continuarían viaje por otros museos como los de Minneápolis, Los Ángeles, Washington y Nueva York.

Las exposiciones se van sucediendo a lo largo de los años por diferentes países de todo el mundo. En unas, predominarán las instalaciones audiovisuales; en otras las esculturas; en otras, los dibujos. En cualquier medio, Nauman buscará la participación del público; sus obras no tienen sentido si no impactan, si no conmocionan al espectador. Son sus reacciones las que completan su trabajo. De ahí, los temas que encontramos en muchas de sus creaciones: el masoquismo, el sufrimiento, la manipulación a través del sexo, etc.

Imagen: Bruce Nauman Exhibition2, disponible en http://kissofvelvet.deviantart.com/

Esto parece lograrlo especialmente con sus creaciones en vídeo. En una de las exposiciones realizadas en Alemania, en 1998, en la ciudad de Volkswagen, el artista presentó una secuen-cia de vídeos cuya combinación de imágenes y, especialmente, de sonidos creaban todo un relato desesperado y extremo. La sucesión caótica de escenas y ruidos era tal que creaba en el espectador una sensación de aturdimiento, de pérdida, que, incluso, termino afectando sobre todo a los guardias de seguridad que pasaban largas horas dentro de las salas de proyección. Otra de sus grandes exposiciones fue la que realizó para la sala de turbinas de la Tate Modern de Londres en 2004, en la que el sonido era el gran protagonista, y donde destacaba especialmente la voz humana a través de los veintiún altavoces que recorrían la exposición. Y es que para Nauman, no solo el texto o la luz son elementos protagonistas de su lenguaje; el sonido, y más concretamente el ruido, le ayudan a crear ese cúmulo de sensaciones que trataba de transmitir a los visitantes. Asistir a una de sus exposiciones puede ser todo un reto.

Otras grandes exposiciones suyas han ido recorriendo diferentes países, como es el caso de la celebrada en Düsseldorf en 2006, centrada en sus obras relacionadas con el bodyart como Mental exercices o Performance corridor. Más tarde le llegaría el turno a Turín, en 2007, centrada más en la primera etapa del artista sobre la que se asentaron las bases de su obra posterior y donde destacó su creación Piezas de espacio, a través de las cuales reflexiona sobre la percepción de las cosas.

Imagen: Corridor with TV, disponible en http://linneawest.com/

Otra de estas grandes exposiciones fue la Bienal de Venecia 2009 en la que participó como representante norteamericano y en donde recibió el prestigioso León de Oro, que venía a unirse a otros reconocimientos como el de Doctor Honorario en Bellas Artes, por el San Francisco Art Institute y por el Instituto de Artes de California. Entre sus últimas exposiciones está la celebrada en Nueva York, en 2012, en la prestigiosa galería Larry Gagosian donde volvió a provocar todo tipo de emociones con obras como One Hundred Fish Fountain, y más recientemente la que presentó el CAC de Málaga (de septiembre de 2013 a enero de 2014), sobre su trabajo en vídeo Incident – Man – Woman Segment (1986), que había sido especialmente impactante en su momento al escenificar los problemas entre hombres y mujeres mediante secuencias violentas.

Imagen: One Hundred Fish Fountain, disponible en http://hdpixa.com/

Un artista lleno de multitud de influencias diferentes, que van desde Duchamp, Ludwig Wittgenstein o Samuel Becket a Jasper Johns o Andy Warhol, no podía por menos que buscar infinitas formas de experimentar con el arte y de investigar como una parte más del sistema creativo. Como apunta Benezra, «Nauman integra con éxito nuestra conciencia con nuestras sensaciones. En sus obras, hacemos aquello que vemos».

 Imagen (derecha): Good Boy Bad, disponible en http://www.newmedia-art.org/

     Imagen (izquierda): Drawings, disponible en http://www.stylepinner.com/

Imagen (derecha): Violence, disponible en http://www.moma.org/

Imagen (izquierda): Self Portrait as Fountain, disponible en http://www.culture24.org.uk/

Imagen (derecha): South American Triangle, disponible en http://www.alamy.com/

Imagen: Human/Need/Desire, disponible en https://www.artrescape.com

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Escrito por Ángeles Blanco

Publicado: 13 Febrero 2015

Última actualización: 17 Enero 2020

En la actualidad, no hay que hacer voto de pobreza para conseguir ser un artista de éxito y ganar el reconocimiento del gran público. Un buen ejemplo de ello es Takashi Murakami, uno de los artistas japoneses de mayor proyección en el panorama artístico internacional. De sus orígenes reconoce: «Yo quería tener éxito comercial. Solo quería ganarme la vida en el mundo del "entretenimiento" y tenía muy clara la estrategia sobre qué tipo de pinturas debía hacer a tal fin, pero desde entonces mi motivación ha cambiado».

 Imagen: Our Gang, disponible en http://www.japantimes.co.jp/, 26 de abril de 2013

Es conocido como el Andy Warhol japonés porque ambos consiguieron convertir el arte en mercancía y atraer a la cultura de masas, hecho que le ha valido que algunos vean en su arte un simple negocio. Y es que Murakami interrelaciona el arte elevado y la cultura popular y defiende que el arte es parte de la economía. Él lo justifica diciendo: «Los japoneses aceptan que se mezclen arte y comercio; de hecho, se sorprenden de la rígida y pretenciosa jerarquía del "gran arte"».

 Imagen (derecha): Takashi Murakami, disponible en http://www.dw.com/

Nació en Tokio en 1962 y, en 1983, obtuvo el doctorado en la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio, y se formó en nihonga, pinturas realizadas de acuerdo con las convenciones artísticas tradicionales japonesas tanto en técnicas como en temas y materiales. Incorpora en su obra elementos de la cultura japonesa de distintos periodos. Por un lado, la tradicional iconografía budista, pinturas del siglo XII, pintura zen y técnicas de composición del periodo Edo del siglo XVIII, de donde toma el uso de imágenes fantásticas y poco habituales. Por otro, toma prestados elementos populares contemporáneos de expresión, como el anime (animación) y el manga (cómic) japoneses, pero también el arte pop americano. Esta diversidad de influencias las reelabora en multitud de ámbitos artísticos: su obra abarca desde pinturas con reminiscencias de los dibujos animados hasta esculturas cuasi minimalistas, globos inflables gigantes para eventos, películas, relojes, camisetas y otros productos hechos en serie.

Imagen (derecha): Balloons, disponible en http://www.terihaartadvisory.com/

Sus obras son coloridas y atractivas, utiliza su profundo conocimiento del arte occidental y trabaja desde el interior para representar la "japonesidad" como una herramienta para provocar una revolución en el mundo del arte. «Creo que cada artista debería tener dentro una fuerte y oscura emoción para crear trabajos que tengan energía» y, según él, la fuerza que bulle tras su obra es «llegar a ser un ejemplo vivo del potencial del arte».

 Imagen (derecha): Crazy Z, disponible en http://www.artnet.com/

Murakami comienza a abrirse paso en la década de 1990, tras la crisis económica que sufrió Japón a finales de los ochenta, de la mano de la generación Neo-pop japonesa. Su trabajo se ha expuesto en prestigiosos museos de todo el mundo, como el Museo Metropolitano de Arte de Tokio, el Museo de Bellas Artes de Boston, el Museo de Bard College of Art o el Palacio de Versalles.

 Imagen (derecha): Tongari-kun, disponible en http://malaysiafinance.blogspot.com.es/

En 1996, fundó la fábrica Hiropon en Tokio, que en 2001 se convirtió en Kaikai Kiki Co. Ltd., corporación internacional con más de 100 trabajadores dedicada a la producción, dirección y comercialización del arte que realiza este polifacético autor, y también al apoyo y promoción de artistas emergentes: dos veces al año, organiza GEISAI en Tokio, una feria de arte que permite a artistas jóvenes exponer sus trabajos, muchos de los cuales han terminado trabajando para su compañía. Su empresa desarrolla diferentes actividades con una verdadera estrategia de mercado que traspasa el ámbito de los círculos artísticos para llegar al gran público, como la fabricación masiva de merchandising o los diseños corporativos por encargo, algunos de ellos para grandes firmas, como Louis Vuitton e Issey Miyake.

Desde el principio de su carrera, algunos personajes van evolucionando. Por ejemplo, su alter ego, Mr. DOB, vio la luz en los años 90 como una simpática hélice de ADN (ZaZaZaZaZaZa, 1994), pero se fue transformando hasta convertirse en una criatura inquietante (El Castillo de Tin Tin, 1998) y en un monstruo enorme que simboliza las ansias de consumo que tiene la sociedad (Tan Tan Bo vomitando, 2002). Se trata de uno de sus personajes recurrentes, una especie de logo o marca que reproduce en camisetas, carteles, llaveros, etc., e incluso le ha dado vida mediante esculturas en 3D en todo el mundo.

En el año 2000, Murakami organizó una exposición de arte japonés titulada Superflat, uniendo la cultura pop japonesa contemporánea con el arte histórico japonés, que dio paso a un movimiento hacia el entretenimiento de producción masiva. Esto dio origen a la corriente cultural posmoderna del mismo nombre, que hace referencia a su estilo plano y a la ausencia de un centro en sus composiciones. Esta estética, en la que todo está representado en dos dimensiones, ofrece una interpretación exterior a la cultura popular japonesa de la posguerra a través de la subcultura otaku, término que designa lo que en occidente se denomina friki o nerd, y que hace referencia a las personas con aficiones obsesivas. De ahí su invención del termino POKU, unión de pop y otaku: «Todo el mundo trabaja para ganarse la vida. Yo también. Y esperaba que algunas personas se interesarían en mi arte si ofrecía una expresión como la cultura Poku porque es divertido».

Un ejemplo de sus obras de este periodo son Miss Ko2 (1997), una estilizada camarera que quiere ser cantante; Hiropon (1997), una joven de grandes pechos; Mi vaquero solitario (1998), un adolescente desnudo; PO + KU Surrealismo Mr. DOB (1998), un tríptico a gran escala en el que su típico fondo monócromo superplano se rompe con imágenes animadas de desorbitados ojos y dientes afilados; o una de sus esculturas de mayor envergadura, DOB en el extraño bosque (1999).

A partir del año 2000, Murakami creó algunos de sus autorretratos, además de Mr. DOB: entre 2003 y 2005 Mr. Pointy y los cuatro guardianes, basado en las cuatro deidades protectoras budistas; en 2004, Inochi, un adolescente que recuerda al legendario E.T. de Spielberg.

Los simpáticos Kaikai y Kiki, cuyos nombres proceden del término kikikaikai, que significa "extraño, pero cautivador" son los guardianes espirituales del autor.

Si nos adentramos en sus iconografías, vemos que una de las más repetidas son los hongos ¿quizás una seta atómica? Para los que así lo creen, podría representar el trauma japonés que causó la bomba atómica. Para otros, sin embargo, simbolizan los genitales masculinos o es una referencia a las alucinaciones que producen las drogas.

Otros motivos son las margaritas de colores con caras sonrientes o las calaveras, que relacionan con la estética de lo kawaii, es decir, de lo "tierno" que en Japón se utiliza en situaciones que a los ojos occidentales pueden resultar incongruentes. ¿Se trata también de una crítica a la cultura nipona demasiado consumista y con tendencia hacia lo infantil?

Lo cierto es que su trayectoria ha sido imparable y ha realizado exposiciones impactantes como Coloriage (Fondation Cartier pour l'art contemporain, París, 2002) y Little Boy: The Art of Japan's Exploding Subcultures (Japan Society, Nueva York, 2005).

Tras pasar por el MoCA de Los Ángeles, el Museo Brooklyn de Nueva York y el Museo de Arte Moderno de Frankfurt, presentó en el Museo Guggenheim de Bilbao, en 2009, ©MURAKAMI, una retrospectiva del artista donde pudieron verse más de 90 obras de arte en distintos soportes. Por ejemplo, la evolución en el tiempo de Mr. DOB y algunos de sus personajes característicos, sus proyectos figurativos inspirados en el otaku de finales de los años 90 o figuras fantásticas de ciencia ficción SMPKO2, entre otras. Cabe destacar la presencia de una de sus piezas más relevantes: Buda Ovalado de Plata (2008), que refleja a un Buda meditando sobre una hoja de loto. La exposición se completaba con pinturas abstractas en distintas técnicas (graffiti, Op Art o efectos especiales), algunos de sus trabajos de animación y, finalmente, una recopilación de 500 productos de merchandising elaborados por su compañía.

En 2011, tras el terremoto y tsunami de Tohoku, organizó el New Day: Artists for Japan, una subasta benéfica internacional en Christie's de Nueva York. La exposición Murakami-Ego, cuya pieza central era una asombrosa pintura de 100 metros inspirada por el mismo terremoto, pudo visitarse en 2012 en el Salón Riwaq Al en Doha (Catar). En 2014, Takashi Murakami: Ciclo Arhat se presentó en el Palazzo Reale de Milán en 2014 y, en la Gagosian Gallery de Nueva York, In the Land of the Dead, Stepping on the Tail of a Rainbow, en la que pudieron verse los temas que el autor ha desarrollado en los últimos años acerca del origen de las religiones.

Como buen fanático del anime, Murakami pasa a la acción y pone en movimiento a sus personajes. Ha realizado vídeos de menor envergadura, como el videoclip de Pharrel Williams It Girl, pero también ha acometido grandes proyectos. Jellyfish Eyes, es el primer largometraje de una trilogía que dirige y produce él mismo. Se estrenó en abril de 2013 en el County Museum of Art de Los Angeles y se ha proyectado en museos y salas de cine de todo el mundo. Durante 90 minutos, el artista nos traslada, mediante animación y personajes reales, al Japón que sufrió el terremoto de 2011 y el desastre de Fukushima, desplegando todo el elenco de coloridas criaturas a las que nos tiene acostumbrados. No fue fácil que este proyecto viera la luz por el nivel de exigencia del artista, como él mismo reconoce: «No resulta un proceso sencillo ni amable. Al final de la película, el equipo estaba tan harto que no quería trabajar en el segundo filme».

Lo peculiar de Murakami es el uso de las nuevas tecnologías: cada creación comienza como un boceto en uno de sus numerosos cuadernos de bolsillo. Estos dibujos son escaneados y, a partir de ahí, él reelabora sus obras en Adobe Illustrator, retocando la composición y jugando con miles de colores, hasta que entrega la versión acabada a sus ayudantes. Estos imprimen el trabajo en papel, serigrafían el contorno sobre el lienzo y comienza la pintura. Él mismo lo reconoce: "Sin este apoyo de la tecnología, yo nunca podría haber producido tal cantidad de obras de manera eficiente y el trabajo no habría sido tan intenso".

A través de su obra, Takashi Murakami juega con las contraposiciones y las dobles lecturas: Oriente y Occidente, pasado y presente, arte elevado y baja cultura, dulzura y perversión, humor y denuncia social..., y sigue siendo consistentemente divertido y accesible. Según él, el artista es alguien que entiende las fronteras entre los mundos y que hace un esfuerzo por conocerlos.

Su arte, que a simple vista podría tacharse de naif o superficial, lo cierto es que tiene un proyecto artístico complejo y, cuando se mira más de cerca, se descubre que es reflexivo y estimulante. El artista no quiere limitarse a copiar la cultura occidental y, tras la elección de sus figuras aparentemente inocentes, se esconde una crítica social que denuncia el consumismo y la falta de estructuras culturales en Japón. «Yo expreso la desesperación. — Afirma el autor —. Si mi arte parece positivo y alegre, yo dudaría de que fuese aceptado en la escena del arte contemporáneo. Mi arte no es arte pop. Es un reconocimiento de la lucha de las personas discriminadas».

«Estoy sorprendido de la repercusión que ha tenido esta exposición». Son palabras de Michael Darling, conservador en el MoCA de Los Angeles, y en relación con el autor afirma: «Superflat alude también a la nivelación de distinciones entre alto y bajo. A Murakami le gusta hacer alarde de que él puede hacer una escultura de un millón de dólares y luego tomar el mismo tema y producir un montón de baratijas».

A pesar de las opiniones en contra de la comercialización de su arte, es innegable el empeño de Murakami en conseguir lo que se propone, y eso le ha valido figurar entre los artistas contemporáneos más valorados.

- Takashi Murakami: Biografía, Obras y Exposiciones -                                    - Alejandra de Argos -

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Escrito por Marisa Carrero

Publicado: 15 Enero 2015

Última actualización: 04 Enero 2019

Quizás resulta chocante que, antes de emular a otro grande como Andy Warhol y de crear, en los años ochenta, un taller de arte de corte similar, llamado The Factory, Jeff Koons trabajara como corredor de bolsa en Wall Street. Pero puede que esta experiencia fuera el trampolín perfecto para saber publicitar su obra y que le llevó a contratar los servicios de una agencia de publicidad para promover su imagen, algo nunca visto. Sin embargo, esto no quiere decir que nada lo relacionara con el arte; él había estudiado pintura en el Instituto de Arte de Chicago y se había licenciado en Bellas Artes en el Maryland Institute College of Art (MICA), en 1976, pero la vida lo había llevado por otros derroteros. No se sabe demasiado de los años anteriores a su traslado a Nueva York, en 1980, cuando realiza la instalación The New en el New Museum of Contemporary Art de Nueva York.

Quizás resulta chocante que, antes de emular a otro grande como Andy Warhol y de crear, en los años ochenta, un taller de arte de corte similar, llamado The Factory, Jeff Koons trabajara como corredor de bolsa en Wall Street. Pero puede que esta experiencia fuera el trampolín perfecto para saber publicitar su obra y que le llevó a contratar los servicios de una agencia de publicidad para promover su imagen, algo nunca visto.

 Imagen: Jeff Koons, disponible en http://hypebeast.com/

Sin embargo, esto no quiere decir que nada lo relacionara con el arte; él había estudiado pintura en el Instituto de Arte de Chicago y se había licenciado en Bellas Artes en el Maryland Institute College of Art (MICA), en 1976, pero la vida lo había llevado por otros derroteros.

No se sabe demasiado de los años anteriores a su traslado a Nueva York, en 1980, cuando realiza la instalación The New en el New Museum of Contemporary Art de Nueva York (en la que aparece una muestra de sus después conocidas aspiradoras, junto a otros utensilios domésticos), salvo sus primeras exposiciones de dibujos en la tienda de muebles de su padre en Pensilvania, donde nació (1955), su traslado a Chicago para proseguir sus estudios de arte y su amistad con algunos artistas de Nueva York, como David Salle y Julian Schnabel, gracias a los que conoce a la galerista Mary Boone.

En 1985 llegaría su primera exposición individual con el título Equilibrium Tanks, en la International with Monument Gallery de Nueva York, y que sirvió para que algunos críticos lo incluyeran en el movimiento Neo-Geo (Neo-Geometric Conceptualism). Acertadamente o no, lo que sí fue un acierto fue su obra Two Ball 50/50 Tank, una de las más célebres del autor, consistente en las esculturas, en bronce, de unos balones de baloncesto suspendidos en agua dentro de unas vitrinas, entre otros objetos.

Más tarde, en 1986, la serie de esculturas metálicas Luxury and Degradation se expondrá en la International with Monument Gallery de Nueva York y en la Daniel Weinberg Gallery de Los Ángeles. Con ellas entra de lleno en el mundo del marketing y la publicidad, haciendo varios anuncios para algunas marcas de bebidas alcohólicas, y también unas pequeñas esculturas de acero inoxidable, a modo de recipientes para guardar las bebidas, por ejemplo Jim Beam—J. W. Turner Train, rellena de bourbon.

Imagen (izquierda): koons19, disponible en http://thisistomorrow.info/

 Imagen (derecha): Jim Beam—J. B. Turner Train, 1986, disponible en http://whitney.org/

Siguiendo con este material, su siguiente paso fue la serie Statuary en la que juega con motivos clásicos, como el busto de Luis XIV, junto a otros muy modernos como su famoso Conejo o el busto de Bob Hope. Según el propio artista, en este trabajo: «el arte deja el ámbito del artista y este pierde el control». Estas piezas representan diferentes etapas del arte del oeste europeo y simbolizan diferentes aspectos tales como el poder, en el caso del rey Luis XIV, o de la fantasía, en el caso del conejo.

Imagen (izquierda): Jeff Koons 'Louis XIV' (1986), disponible en http://blog.arthistoryabroad.com/. Imagen (derecha): Rabbit – Jeff Konns, 1986, disponible en https://mashrabiyya.wordpress.com, 14 de abril de 2011

Ya muy a finales de los años ochenta (1988) da un cambio radical en su gusto artístico en la serie Banility, en la cual, el gusto por lo kitch queda patente tanto en los materiales (madera policromada, cristal, porcelana) como en los motivos, destacando de entre todos los demás Michael Jackson and Bubbles. Pero, en esos momentos, su obra, su calidad, la honestidad de su trabajo, empezaron a estar en entredicho, a sufrir las críticas de algunos de los expertos más puristas. No fueron pocos los que tacharon sus creaciones de fraudes, y mucho más, después de su matrimonio con la actriz porno Ciciollina. 

Imagen: Michael Jackson and Bubbles, 1988, disponible en https://www.sfmoma.org

Con ella protagonizó su serie de pinturas y esculturas llamada Made in Heaven, en 1989. Sin embargo, a pesar de toda esa lluvia de reproches, Koons paseó sus trabajos y a su mujer por media Europa, desde la XLIV Biennale de Venecia, a la Galerie Christophe Van de Weghe de Bruselas, pasando por Colonia, Budapest, Ámsterdam y Lausana.

Esta serie, formada por todo tipo de obras y materiales (plástico, cristal, óleos, fotografías, etc.), se caracterizaba por la evidente muestra de posturas sexuales, muchas de ellas totalmente explícitas. Fueron años difíciles para Jeff Koons y para su prestigio como artista, sus trabajos se pusieron bastante en entredicho, sobre todo cuando se hicieron públicos todos los asuntos sobre su separación y posterior lucha por la custodia de su hijo. 

Sin embargo, como muchos otros, Koons se defendió como gato panza arriba y, curiosamente, en estos años (1990-1992) creó una de sus obras más conocidas Poppy, para exponerla en el exterior del castillo de Arolsen en Alemania, y que luego viajaría hasta Sidney y París, para establecerse definitivamente en Bilbao, en el museo Guggenheim, con motivo de su inauguración en 1997.

En ningún momento deja de perseguirle la polémica. Son muchas las demandas por derechos de autor a las que debe hacer frente, no siempre con éxito, pero él sigue creando, sigue manteniendo su línea argumental: la exaltación de todo lo superfluo, la locura consumista que ensalza cualquier cosa que sea difundida por los medios. Y de ellos se sirve, sin ninguna duda, para conseguir éxito y extender su trabajo, un trabajo que utiliza cualquier objeto cotidiano sin ningún valor y lo presenta de una forma cómica y satírica. Entre sus motivos hay, tanto muñecos hinchables, como chicas pin-up, enmarcado todo, para algunos entendidos, en un tipo de arte minimalista y pop.

Imagen: Inflatable Flower and Bunny, disponible en http://www.jeffkoons.com/

A principios de este siglo, sus inquietudes le llevan a crear obras de grandes dimensiones, e inicia también una serie de óleos con motivos de animales y otros objetos, Celebration, y otra posterior (2000) llamada Easyfun-Etherea. Esta serie, creada para el Guggenheim de Berlín, está llena de motivos florales, comida, moda; un totum revolutum que busca el color y la diversión de quienes la contemplan, porque recuerdan poderosamente los anuncios y vallas publicitarias tan comunes en la vida diaria. Identificada esta obra como claramente kistch, el artista, sin embargo, declaró: «He trabajado con objetos que algunas veces han sido calificados de kitsch, sin embargo nunca me ha interesado en sí lo kitsch. Para mí, mis cuadros giran más en torno al espectador que a cualquier otra cosa».

Imagen: untitled, disponible en http://flavorwire.com/

Independientemente de las apreciaciones artísticas para catalogar sus trabajos, es indiscutible que Jeff Koons se convertía, paso a paso, en uno de los artistas imprescindibles del arte contemporáneo. De su serie Celebration partieron sus esculturas de grandes dimensiones en acero inoxicable: Balloon Dog, Hanging Heart o Balloon Flower. Son sus famosos «objetos-globo» que buscan el reflejo de aquellas imágenes que los rodean. Pero estos motivos empezaron a extenderse en el tiempo. Repitió los principios que les dieron vida en sus obras siguientes. Por ejemplo, los objetos globos estaban claramente imitados en Elephnat, y Split Rocker era otro Puppy floreado, creado para el Palacio de los papas de Avignon, en donde se instaló de forma permanente en 2000.

Imagen (izquierda): Koons Hanging Heart, disponible en http://www.artquid.com/

Las cosas cambiarían con el nuevo siglo, Koons iniciaría una nueva etapa que le llevaría nuevamente al centro de los ambientes artísticos. Su antigua serie Easyfun-Ethereal recorrerá el mundo: Aviñón, Nueva York, Berlín, Los Ángeles, Bilbao. Su éxito regresaba con más fuerza que nunca y sus obras se cotizaban con precios desorbitantes. De hecho, hoy por hoy, sigue siendo uno de los artistas vivos más cotizados; su obra Balloon dog (Orange) se vendió, no hace mucho, por 58 millones de dólares, eso sí, siempre envuelto en las críticas más feroces sobre su más que dudosa genialidad. Sin embargo, a la Whitney Museum de Nueva York, que ha organizado una de las últimas retrospectivas del artista en junio de 2014, no creo que le importen demasiado estas polémicas ni que, mucho menos, las comparta.

Imagen: Balloon Dog (orange), disponible en http://thepupdiary.com/

En los primeros años de nuestro siglo, su obra y su figura no solo obtienen reconocimientos económicos, sino también artísticos, como la Medalla Skowhegan de Escultura o el nombramiento Honoris Causa en Bellas Artes por el Corcoran College de Arte y Diseño de Washington, además de ser nombrado miembro de la Academia Americana de las Artes y las Ciencias de Nueva York. Entre los años 2002 y 2008, son numerosos los museos que exponen sus obras y organizan exposiciones sobre su trabajo. Por ejemplo, el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles, el Guggenheim de Bilbao y el de Berlín o la Galeria Max Hetzler de la capital alemana. En 2008, los jardines de Versalles se convierten en la sede de la primera retrospectiva europea de Koons, después de haber protagonizado dos existosas exposiciones en la Gagosian Gallery de Londres: Jeff Koons: Popeye y Jeff Koons: Hulk Elvis.

Imagen (izquierda): Popeye, disponible en http://www.artlyst.com/

Imagen (derecha): The Hulk, disponible en http://articles.latimes.com/

Esta ha sido la tónica general de los últimos años: numerosas exposiciones, solo o en compañía de otros artistas, premios y reconocimientos, campañas publicitarias con su foto al lado de sus obras y obras suyas como parte de las colecciones permanentes de museos tales como el MoMA de Nueva York, la National Gallery de Washingtong, la Tate Gallery de Londres o el Tokyo Metropolitan Museum. Cuando algunos artículos periodísticos hablan de timo al contemplar sus excesivas esculturas, sus pornográficas fotografías o sus llamativas pinturas, cuando otros se preguntan cómo el mundo del arte ha podido perder la cabeza por este artista, él batía récords de visitas en el Centro Pompidou de París, el pasado mes de diciembre de 2014.

Imagen: Balloon Dog, disponible en http://www.wikiart.org/

Y mientras, él, Jeff Koons, continua creando, “vendiendo” lo que crea, produciendo en ese estilo suyo tan criticado por algunos y tan alabado por otros, colaborando con artistas como Lady Gaga para crear la portada de su tercer álbum y realizando la serie Antigüedad (Antiquity Series), una de sus últimas creaciones, formada por diversas reproducciones de estatuas griegas y romanas con su típico toque kitsch.

«Un espectáculo apasionante» es la opinión de Roberta Smith, de The New York Times; «Tras ser la novedad (…), Koons está fuera de moda» es la versión del diario británico The Guardian. ¿Seguiremos presenciando los destellos coloristas de Koons mientras los críticos de arte luchan entre sí por ensalzar o hundir su obra? Es muy posible. Mientras, nosotros podemos seguir el consejo de Harold Evans: «intentar alcanzar la verdad significa rechazar los estereotipos y clichés», y acercarnos a la obra de Jeff Koons para obtener nuestra propia opinión.

Imagen (izquierda): Balloon Venus, disponible en http://www.economist.com/. Imagen (derecha): Metallic Venus, disponible en http://www.artinamericamagazine.com/

Imagen: Lady Gaga, disponible en http://www.jeffkoons.com/

Imagen: Antiquity 2, disponible en http://www.spectacles-selection.com/

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