Alejandra de Argos por Elena Cue

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El pintor y fotógrafo Richard Prince representó, junto a Cindy Sherman, una nueva forma revolucionaria de ver y hacer fotografía, allá por los años sesenta, gracias en gran parte a las nuevas tendencias como el vídeo y el cine, pero siempre envuelto en la polémica y la crítica: «Con cada generación, el arte se reinventa (…). Prince tiene la capacidad de transgredir, de mostrar una falta de respeto hacia los límites», en opinión de Almine Ruiz-Picasso, miembro del Patronato de la Fundación del MPM y copresidenta de FABA. Richard Prince nació en la llamada Zona del Canal de Panamá, en 1949, cuando esta aún era colonia de Estados Unidos, aunque, al poco tiempo, su familia se trasladó a Boston. En 1973, Prince decide ingresar en el Instituto de Arte de San Francisco, pero, al no tener mucho éxito, decide trasladarse a trabajar a Nueva York mientras piensa qué hacer con su vida.

 

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 Imagen: Richard Prince, disponible en http://article.wn.com/, 29 de mayo de 2015

El pintor y fotógrafo Richard Prince representó, junto a Cindy Sherman, una nueva forma revolucionaria de ver y hacer fotografía, allá por los años sesenta, gracias en gran parte a las nuevas tendencias como el vídeo y el cine, pero siempre envuelto en la polémica y la crítica: «Con cada generación, el arte se reinventa (…). Prince tiene la capacidad de transgredir, de mostrar una falta de respeto hacia los límites», en opinión de Almine Ruiz-Picasso, miembro del Patronato de la Fundación del MPM y copresidenta de FABA.
Richard Prince nació en la llamada Zona del Canal de Panamá, en 1949, cuando esta aún era colonia de Estados Unidos, aunque, al poco tiempo, su familia se trasladó a Boston. En 1973, Prince decide ingresar en el Instituto de Arte de San Francisco, pero, al no tener mucho éxito, decide trasladarse a trabajar a Nueva York mientras piensa qué hacer con su vida. En este tiempo, y siguiendo el concepto pop de la «apropiación» y la «descontextualización», va perfilando su estilo artístico usando imágenes anónimas del mundo publicitario para crear sus obras.

En 1975, el artista creó una serie de collages hechos a base de fotografías que iba tomando de distintos anuncios y otros medios, revolucionando absolutamente la idea de autoría y cuestionando el papel tradicional del artista, pero también dando lugar a un gran debate dentro del mundo del arte.

Su trabajo en la hemeroteca de Time-Life, manejando recortes de revistas, le hizo pensar en las posibilidades de trabajar con tantas imágenes, combinadas, yuxtapuestas, manipuladas, etc. Así surgen sus primeros trabajos Untitled (Cigarettes) (1978-1979) y Untitled (Three women looking in the same direction) (1980) formados por imágenes publicitarias que el propio artista ha combinado a su antojo volviendo a fotografiarlas nuevamente y creando una mirada deliberadamente artificial. Con una de ellas, Untitled Cowboy, se originó un auténtico debate en el mundillo del arte cuando, años después, en 2005, consiguió alcanzar la cifra de un millón de dólares en una subasta organizada por la casa Christie's de Nueva York.

 

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Imagen: Richard Prince, disponible en http://marshallmatlock.com/

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Imagen: Untitled (Man´s hand with cigarette), 1980, disponible en http://www3.mcachicago.org/, 

 

 

Muchos han sido los críticos que han querido definir o etiquetar esta forma de hacer fotografía. Lo han llamado Appropriation, Artist´s Book, Simulation, etc. Pero lo de menos es cómo se llame sino cómo lo conciben sus creadores. Para Prince y otros artistas similares como Cindy Sherman o Barbara Kruger se trataba de presentar las imágenes de la cultura de masas fuera de su contexto y de su finalidad. Así, y dentro del movimiento New Wave, el artista siguió realizando sus creaciones en la refotografía usando catálogos comerciales, fotos anónimas, algunas fotos personales, que él volvía a fotografiar para sus creaciones.
La polémica estaba servida. ¿Cual era su valor artístico si se apropiaba de las fotos de otros? ¿Qué pasaba con el derecho de autor de esas fotografías o con el copyright? De hecho, en 1977, Prince estuvo metido en una importante querella con el diario New York Times por el uso de algunas de sus fotografías ya publicadas.

 

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Imagen: Untitled (three women looking in the same direction), disponible en https://rfc.museum

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Imagen: Untitled (four women looking in the same direction), disponible en http://www.theslideprojector.com/

  

 

Y no fue la única. En 1983, se enfrentó, en otra batalla judicial con la madre de la actriz Brooke Shields, al utilizar una fotografía del autor Garry Gross donde la actriz de diez años aparecía de pie en una bañera, tremendamente maquillada y en una clara alusión a la precocidad sexual. La exhibición de esta imagen, denominada Spiritual America, trataba de reflejar, en opinión de la crítica Nancy Spector, que: «cualquier pura espiritualidad americana está ya siempre contaminada, impura; es una mezcla de patriotismo, capitalismo y cultura popular».
En los años ochenta, la atracción de Prince por los marginados, las tribus urbanas, los «sin techo», en definitiva, los pertenecientes al llamado dark side (lado oscuro) produjo toda una serie de obras basadas en imágenes yuxtapuestas a las que él llamó gangs (bandas) centradas en motivos concretos de la cultura pop. Un ejemplo es su obra Enterteiners (Animadores) en la que unió diferentes diapositivas de 35 mm cada una, procedentes de varios anuncios y revistas y creó con ellas un negativo mayor desde el cual realizó la impresión final.

 

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Imagen: Brooke Shields, disponible en http://www.pasunautre.com/, 25 de junio de 2012

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Lo mismo ocurría con su serie Jokes, en torno al año 1986, donde partiendo de imágenes y textos ya existentes que redibujó como serigrafías, plasmó su visión acerca de las fantasías y las frustraciones sexuales de la clase media estadounidense, utilizando el humor y la caricatura, dada su afición e interés por los cómics.

Sus «apropiaciones» continuaron en otras series de fotografías como Cowboys and Grilfriends, en las que Prince toma símbolos básicos de Estados Unidos para darles otro significado completamente diferente. En la serie Cowboys, los vaqueros tomados de los anuncios de Marlboro pasaron a ser algo arcaico, colonialista y machista, nada que ver con esa visión romántica anterior. La serie Girlfriends se basaba en las fotos que los moteros enviaban de sus novias, subidas en la Harley Davidson de rigor, a las revistas de motos. Fuera de este contexto, estas fotos solo eran otra muestra más del uso del erotismo y del cuerpo femenino como reclamo publicitario.

 

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Imagen: Untitled Cowboy, disponible en http://www.americansuburbx.com/, 26 de abril de 2011

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Imagen: Untitled (Girlfriend), 2008, disponible en https://www.gagosian.com

Después de vivir en Nueva York durante 25 años, Richard Prince decidió trasladar su residencia al norte del estado y crear allí una especie de minimuseo, el Second House. En él recogió algunas de sus obras, tanto fotografías como esculturas y pinturas, entre las que destacaba su serie de Car Hood decorando los alrededores de la casa. Este museo permaneció abierto durante seis años (desde 2001 al 2007) y su colección fue regalada por el artista al museo Guggenheim de Nueva York. Desgraciadamente, un rayo provocó un grave incendió en el edificio que causó importantes daños.
En este lugar, creó también la conocida serie de pinturas Nurse Paintings (2003) inspirada en las novelas románticas de los años cincuenta, de temática médica. Para realizar este trabajo, el artista se dedicó a fotocopiar las portadas de muchos de estos cómics y a transformarlas después en pinturas, con cierto aire de misterio y terror al mismo tiempo. La influencia de esta obra suya llevó al artista a una colaboración con Marks Jacobs para un desfile de Louis Vuitton (2008) inspirado en ellas.

 

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 Imagen: Sonic Nurse, disponible en http://fr.phaidon.com/

Si esta serie representaba toda una simbología femenina, la exposición que llevó a cabo en septiembre de 2008, en la Galería Serpentine, representaba la simbología opuesta, es decir, la masculina, a través de una serie de esculturas de automóviles hechas de distintos materiales y decoradas con el particular estilo de Prince. La exposición recibía a los visitantes con la imagen de un enorme coche de plástico decorado con una mujer pintada en su capó.

 

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 Imagen (izquiereda): Continuation 3, disponible en http://suehubbard.com/

A lo largo de su carrera, Richard Prince no ha dejado de provocar, de ir contracorriente, apropiándose de los trabajos de otros para darles su propia visión y enfrentándose a numerosas demandas por este motivo. Una de ellas fue la que falló un juzgado de Manhattan, en 2012, en contra del artista al considerarlo culpable de apropiación indebida de unas fotos publicadas en un libro del fotógrafo francés Patrick Cariou, sobre los rastafaris. Él se dedicó a trabajar con aquellas que más le gustaban para elaborar su collage personal, refotografiarlo todo y ponerle su firma; una obra que llegó a venderse por dos millones y medio de dólares. Para algunos, se limitó a coger el trabajo que Cariou había preparado durante años, recortarlo y manipularlo, mientras la Gagosian Gallery de Nueva York recaudaba más de diez millones de dólares con su exhibición.

 

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Imagen (izquierda): patrick cariou fights richard prince and gagosian over copyright, disponible en http://www.americansuburbx.com/, 24 de Julio de 2015

Imagen (Derecha): Cheese & Crackers, disponible en http://www.americansuburbx.com/,

En otras ocasiones han sido los propios museos los que le han invitado a apropiarse de la obra de otros autores, como ocurrió en el Museo Picasso de Málaga en el invierno de 2012. Admirador incondicional de Picasso, dijo de él: “Picasso era un dibujante extraordinario. La forma en que dibuja la figura con esa indescriptible libertad que aplica a la forma sigue siendo asombrosa para mí». «No es que estén inspiradas directamente en Picasso, pero sí en el espíritu de Picasso». En esta ocasión, el artista pudo servirse de más de cien obras del pintor malagueño para crear su propia exposición, Prince/Picasso, en la que se pueden reconocer algunas figuras femeninas y otros iconos de la pintura picassiana.

 

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Tras las últimas exposiciones del artista en la Skarstedt Gallery de Londres, o en Le case d'Arte, de Milán, en 2013, sus obras se pueden ver, durante este año 2014, en la Kunsthaus Bregenz, en Bregenz (Austria) hasta el mes de octubre. En nuestro país, una de sus últimas muestras tiene lugar en El Centro Cultural Caja Granada hasta el próximo 11 de enero de 2015, en una exposición basada en la colección fotográfica de Telefónica, una de las más prestigiosas del mundo, compartiendo espacio con otros famosos fotógrafos como Gursky o Marina Abramovic. En ella, el artista estará representado por su serie Cowboys and Girlfriends.

 

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Sea cual sea la posición que adoptemos, es innegable que Richard Prince ha conseguido colocarse en los más altos puestos del mundo artístico contemporáneo, entre otras cosas, gracias a su forma irónica de entender la realidad cotidiana y de representarla. Él ha utilizado los iconos populares surgidos de los medios de comunicación, así como la figura de la mujer y la sexualidad para expresarse, usando muchas veces el humor y combinando pintura, fotografía y palabra.

Para definir el arte y la figura de este artista, muchos han utilizado el término Appropriation art (Apropiacionismo: uso de objetos o imágenes de otros artistas para crear un trabajo nuevo). Para conocer la opinión del autor, basta con leer sus propias palabras: «Pide, toma prestado, roba. Por todos los medios posibles». «No esperes la luz verde. Esto de creer en el todo gratis ha estado ahí durante mucho tiempo. La pregunta ahora es “¿quién te has creído que eres?”… Y la respuesta es “quien me dé la gana de ser”. El objetivo es asaltar la cultura. Y la manera que tengo de hacerlo es dejar ondear mi bandera freak…».

 

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Imagen: nuts, disponible en https://farticulate.wordpress.com, 15 de noviembre de 2010

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Escultor, escritor, ilustrador y creador de artes auditivas, Juan Muñoz Torregrosa — el “poeta del espacio” — nació en Madrid, en 1953 en el seno de una familia numerosa y bien asentada. Sus primeras experiencias en el colegio no fueron exitosas: fue expulsado de la escuela por prestar poca atención en clase, pero su educación continuó en casa gracias a la enseñanza privada de un poeta y crítico de arte contratado por su padre. Y fue a través de este encuentro que Muñoz descubrió el modernismo, aspecto clave en sus futuras obras escultóricas. En la década de los setenta, durante el régimen franquista, el joven Muñoz decide viajar a Londres donde estudia en el Croydon College y después en la Central School of Art and Design. Tras conocer a su futura esposa, la escultora española Cristina Iglesias, a la edad de 29 años gana la beca Fulbright con la que pudo viajar a Nueva York para estudiar en el prestigioso Pratt Institute, el centro de estudios privado de arquitectura, diseño interior y diseño industrial fundado en 1887.

Juan Munoz

 

En el año 1984, a los 31 años, Muñoz exhibe su trabajo por primera vez en la galería Fernando Vijande en su ciudad natal, empezando así una trayectoria de exposiciones internacionales por los museos Guggenheim en Bilbao y Nueva York, el Art Institute de Chicago, el Museo de Arte Contemporáneo en Los Ángeles y la Tate Modern de Londres.

Una década más tarde, en la primera mitad de los noventa, Muñoz empieza a romper con los conceptos tradicionales de la escultura, a través de la introducción de un elemento narrativo en sus instalaciones. Sus figuras humanas son algo inferiores al tamaño real e interactúan entre sí en el espacio expositivo, creando una secuencia viva, dinámica, en la que el espectador puede participar y sentirse involucrado. Al mismo tiempo, el escultor juega con la ausencia de individualidad en sus figuras, ya que su monocromatismo les hace perder sus rasgos de personalidad hasta crear una sensación incómoda e inquietante en el espectador.

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 imagen: Double Blind, disponible en http://www.bbc.co.uk/, 14 de mayo de 2010

Juan Muñoz seguirá su exploración psicológica de la persona, el espacio y la relación espectador-obra en centenares de obras artísticas posteriores, principalmente escultóricas pero también pasando por otras disciplinas: ensayos-ficción literarios, obras sonoras, piezas radiofónicas e ilustraciones a mano. En 2001 realiza su serie emblemática Conversation Piece, en la que aborda los temas del silencio, la teatralidad, la interacción y la (in)comunicación a través de cinco figuras humanas realizadas en bronce: bases redondas (incapacidad de moverse, trasladarse) y rostros vacíos, inexpresivos, contrastados con sus gestos vivos y cinéticos. La instalación crea un espacio teatral cargado de drama, narrativa y psicología — nos preguntamos qué relación tienen las figuras entre sí, qué es lo que quieren, pero no pueden, contarse, y cuál es nuestro rol como espectadores en este juego (in)comunicativo.

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 imagen: Conversation Piece, disponible en http://www.guggenheim.org/

Después de varios años de exposiciones internacionales, en 2000 Muñoz recibe el célebre Premio Nacional de Artes Plásticas, al que respondio con un lacónico “Creo que me compraré un reloj”. El escultor fue el primer artista español en exponer en la Sala de las Turbinas de la Tate Modern, con su obra Double Bind de 2001, su última creación y la que es considerada su obra cumbre. Quizá el ejemplo más claro de la influencia del modernismo en la concepción artística del escultor. Double Bind funciona como una suerte de meta-escultura: transformando radicalmente el amplio espacio de la Sala de las Turbinas (155 m x 35 m), la obra nos presenta varias escenas en diferentes puntos del entorno, jugando con visibilidad e invisibilidad, certeza y misterio, realidad y ficción — temas siempre presentes en la obra de Muñoz. En la parte superior de la instalación, pasan dos ascensores paralelos en movimiento continuo; algunos de los agujeros negros en el suelo son en realidad ilusiones ópticas. En la parte inferior desciende la oscuridad, rota puntualmente por rayos de luz provenientes de los pozos de los ascensores. En estos pozos vislumbramos la presencia de unas figuras humanas cuyas expresiones no conseguimos detectar, haciendo imposible nuestra participación en su drama privado. El cuidadoso posicionamiento de las figuras en un espacio sofisticado y visualmente complejo nos invita a reflexionar sobre la psicología de los personajes y a interactuar — activa o pasivamente — con la escena.

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 imagen: Many Times (1999), disponible en http://www.guggenheim-bilbao.es/

Juan Muñoz falleció en 2001 en Ibiza a los 48 años de un paro cardíaco.

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  imagen: Conversation, disponible en http://www.thinkspain.com/, 16 de febrero de 2011

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 imagen: Figuras sentadas con cinco tambores 1999, disponible en http://www.ocio.net


 

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Marlene Dumas es una artista sudafricana, nacida en Ciudad del Cabo en 1953. Durante su infancia residió en Kuilsrivier, Sudáfrica, donde hablaba su lengua materna Afrikáans. Se licenció en Artes Visuales en la Universidad de Ciudad del Cabo en 1975.

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Recibió una beca de dos años y se trasladó a vivir a los Países Bajos, convirtiéndose el arte en su forma de expresión. Desde 1976 hasta 1978, trabajó impartiendo enseñanza en Ateliers '63, Haarlem y en otros institutos holandeses. Se dedicó a representar escenas o figuras a partir de archivos de fotografías propias, periódicos y revistas. Sus obras son auténticos retratos de la intimidad, en formatos pequeños, que despojaban los personajes de su entorno público, siempre con críticas de identidad o políticas.

 

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Sus piezas son trampas figurativas que provocan desasosiego, un lenguaje del movimiento que se manifiesta en cada figura. Dibuja con insistencia y ambigüedad rostros de niños y adultos vivos, pero también muertos. En Dumas el grafo es una interpretación propia, con garabatos pero siempre seleccionados o subrayados, creando el sentido en cada color, como lo propone en su pieza “Waiting” de 1988.

 

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Las obras producidas durante treinta años de trayectoria, fueron presentadas en una retrospectiva entre 2007 y 2009 llamada "Relaciones Íntimas". Es reconocida inicialmente en Japón y por primera vez en Sudáfrica, para finalizar en museos de arte de Nueva York, Los Ángeles y Houston.

 

relaciones intimas

 

Marlene Dumas en 1998 recibió el Premio Sandberg, junto a otras distinciones como el Premio de Arte Contemporáneo Coutts y el Príncipe Bernhard. En 2010 la Universidad de Rhodes Grahamstown, Sudáfrica, le otorgó el doctorado honorario de la Facultad de Humanidades y en 2011 recibió el Premio Rolf Choque. Sus creaciones forman parte de las colecciones de instituciones y museos internacionales, como el Centro Pompidou en París o la Tate Gallery, algunas de las cuales conservan sus piezas.

 

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Comenzó a exponer en 1978 en el Museo Stedelijk, Ámsterdam, continuó en Basilea con Documenta 7 en 1982. Su primera exhibición individual fue en 1983 y un año más tarde en el Central Museum de Utrecht. Presentó su serie con collages, obras y textos de su autoría titulada "Ons Tierra Licht Lager dan de Zee", pero fue en 1985 cuando expuso sus pinturas “Ojos de las criaturas de la noche”Dumas habla de sus piezas en “Dulce Nada” con nombres sorprendentes, textos y comentarios.

Participó en la exposición colectiva Arte de Europa en la Tate Gallery, en Londres durante 1987. Su obra se conoce en Europa y América en 1989 con su muestra “La pregunta de Pink Humano”, a la cual le siguió Documenta 9 en 1992. Con artistas contemporáneos como Gerhard Richter formó parte de Der Spiegel zerbrochene en 1993, y además expuso en Londres en la conocida Galería Frith Street con Thomas Schütte y Juan Muñoz. Representó a Holanda en la Bienal de Venecia en 1995 junto a otras dos mujeres, María Roossen y Marijke van Warmerdam. Participó en exhibiciones pictóricas colectivas relevantes en África y otros países, con “Pintura en el borde del mundo” en 2001 y “La pintura de la vida moderna” en 2007. La última década se ha destacado exponiendo en ciudades como Chicago, Venecia, Tokio, París o Nueva York entre otras.


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Dumas se define como “coleccionista de imágenes”. Muestras como “Models” en Salzburgo y “Suspect” en Venecia, nos presentan imágenes de publicidad, modelos, cadáveres y objetos que se transforman en espectáculo. Agrupadas en categorías sus obras son naturalezas artificiales, parodias, deconstrucciones o comentarios, que se dibujan y pintan en acuarela o gouache. Una de sus piezas fue vendida por 2 millones de dólares, titulada "My mother before she became my mother" en el año 2011.

 

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Actualmente tiene fijada su residencia en Ámsterdam, Países Bajos, donde continúa su labor artística. Marlene Dumas expone bajo el título “The Image as Burden” a partir de septiembre de 2014 hasta enero de 2015, en el Museum Stedelijk de Ámsterdam.

 

The Image as Burden

 

Es una gran pintora y artista, que enfatiza el cuerpo humano y el valor psicológico, pintando personas desde que nacen hasta que mueren. El ciclo de la vida manifiesta sus ideas sobre lo social, sexual o racial. Conserva apariencias sin concluir, con trazos de dibujos ligeros, casi ocultos, tal vez dramáticos. Dumas expresa imágenes prestadas, convirtiéndolas en confusas dentro de un terreno oscuro. Por los títulos de sus obras se comprende su grafismo y su lenguaje explícito, donde generalmente trabaja el retrato, además del desnudo que ruboriza al contemplar sus expresivas figuras. Marlene Dumas dice de su arte: "lo que está en juego… no es el medio artístico o su asunto, sino la motivación de los artistas, que se han vuelto sospechosos”.

 

 


 

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Dumas

 

 

 

Thomas Schütte, nació en Oldenburg, Alemania en el año 1954. Su carrera artística abarca desde la pintura, escultura, arquitectura, instalaciones y el diseño. Estudió arte en Kunstakademie Düsseldorf desde 1973 hasta 1981. Fue alumno de Fritz Schwegler y de Gerhard Richter. Schütte comentó sobre este último que se matriculó en sus clases porque “se sintió atraído por la ambivalente relación de su mentor frente a la pintura y la abstracción”.

 

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Heredó de Richter su crítica por la pintura vanguardista y de los seguidores del maestro, como Blinky Palermo y Daniel Buren, lo convencional.

En sus proyectos de los años 70 y 80 se refleja la crisis de identidad individual y colectiva que se vivió en Alemania. En 1970 realizó su primera exposicion individual, iniciando una carrera meteórica. En el año 1975 se introduce en el diseño, demostrando las posibilidades que esta disciplina aporta al arte y que desarrolló con sus frisos  ornamentales y papeles pintados. Schütte decía al respecto: "no considero la decoración en un sentido negativo. Es uno de los terrenos más fabulosos en los que se puede trabajar”. Expresaba esta filosfía en obras como “Anillas” de 1990 y “Guirnaldas” en 1980. Su reconocida creación “Gran pared” (Groβe Mauer) realizada en 1977 fue compuesta por más de 1.000 ladrillos, donde se observan pinturas abstractas en cada uno de ellos con formas arquitectónicas.

 Aunque es considerado escultor, sus comienzos artísticos son pictóricos. La arquitectura es otra de las pasiones del artista que se aprecian en una amplitud de tipologías constructivas, a través de maquetas de edificios, villas, miradores, tribunas para pájaros o espacios públicos.

  

    Groβe Mauer 2     Groβe Mauer


Esta presentación precede a la de 1981, donde enseñaba una tumba que representaba su muerte prematura. Continuó con un gran monumento sobre Alain Colas, quien se extravió en el mar en 1989, también una cripta sobre el fantasmal Hitler en 1991. Sus modelos expresaban temas sociales, políticos o culturales a través de sus dibujos, grabados, fotografías y esculturas. Entre los años 80 y 90  desarrolló la figuración, dándose a conocer por tres imágenes de aluminio antropomorfas de gran tamaño, que en 1996 se presentaron como “Grandes Fantasmas”.

 

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En el año 2012 se presenta la primera exposición dedicada al artista en Italia, en el Museo Castello di Rivoli. Su creatividad se pone de manifiesto en la serie "Frauen", con mujeres tendidas en una mesa en diferentes posturas, unas más definidas que otras. Esta serie constaba de 18 esculturas reproducidas en bronce, aluminio y acero, algunas de ellas en colores brillantes, expuestas junto a 100 acuarelas privadas. En la entrada de acceso al castillo, el espectador era recibido por dos  monumentales esculturas llamadas “Enemigos Unidos”, de cuatro metros de alto. Las formas estan relacionadas con personas de edad avanzada, rostros angustiados y la cuerda que los une, casi dibuja las figuras.

 

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Sus obras son irónicas y ambivalentes, como "Kirschensäule" que fue instalada en Kassel y Documenta 9 en 1992. Utilizó acuarelas, grabados y cerámicas para reflejar los elementos de la vida diaria, tanto políticos como culturales. Durante los noventa se interesó por la herencia de la cultura romana, creando las enormes cabezas llamadas “Asquerosos Dictadores”, además de las imágenes “Mujeres” esculpidas en acero y otros materiales. Con géneros tradicionales consiguió resultados extraordinarios y modernos. 

 

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Sus muestras más destacadas han sido en Whitechapel Art Gallery en Londres en 1998 y en Dia Art Foundation en Nueva York en 1998–1999. Destacan también Documenta 8, 9 y 10. Entre las más recientes, se pueden mencionar 55º Carnegie International en Pittsburgh durante 2008. Kunst Haus en Munich, 2009 y la exposición individual en el Museo de Arte Reina Sofía, en 2010 con el título de “Retrospección” que representó sus treinta años de trabajo en un diálogo con el pasado, fuente de su inspiración. Ha sido premiado en varias ocasiones, recibiendo el galardón del León de Oro en la Bienal de Venecia en 2005.

 

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Thomas Schütte fue el artista de mayor influencia en la Serpentine Gallery en 2012, con figuras humanas y poéticas, que poseen un toque emocional. Reunió pinturas, esculturas y también su serie “Dibujo Espejo”, con el mismo espíritu. La obra central en esta exposición fue “El Padre Estado” de 2011, ejecutada en acero con una figura autoritaria pero a la vez débil, demostraba su interés por lo épico y por el estudio de la fragilidad.

 

El Padre Estado

 
Hasta el 26 de octubre de 2014 se puede visitar la muestra colectiva “Raumbilder”, que incluye sus piezas en el Museo de Arte Reina Sofía, junto a otros renombrados escultores alemanes, como Bogomir Ecker, Reinhard Mucha.

 

Raumbilder


Thomas Schutte en la actualidad reside y desarrolla su actividad creativa en Düsseldorf. Sus espectaculares piezas, son diversas en su temática y también en los medios que utiliza. Preocupado por la sociedad de su tiempo, plasmó esta realidad sin dejar de lado sus curiosidades. Respecto a las técnicas comentó “Yo puedo trabajar con todo tipo de técnicas, herramientas y materiales. Pero no atiendo a fórmulas. De alguien como Claes Oldenburg se puede aprender mucho, por ejemplo. De un boceto sobre cartón se puede lograr algo monumental. Además de eso, yo no le tengo miedo al color, como le sucede a muchos escultores. Ni le temo al tamaño.”

 

 

 

 

 

 

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Thomas-Schütte 

- Thomas Schütte -                                      - Página principal -

Antoni Tàpies escultor y artista plástico nació en Barcelona en 1923. Perteneció a una acomodada familia catalana del siglo XIX con tradición librera que incentivó su amor por la lectura. Sufrió una enfermedad pulmonar que le hizo abandonar los estudios de Derecho y, en el comienzo de su andadura artística, hacia los años cuarenta, expuso sus primeras piezas, destacando su obra gráfica. Debido a los estragos de la II Guerra Mundial y al impacto de la bomba atómica, expresó su interés por el polvo, la tierra, la materia y los átomos a través de técnicas innovadoras, llegando a ser estos elementos parte fundamental de todas sus pinturas matéricas.

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 Imagen: Antoni_Tapies, disponible en http://totallyhistory.com/

 

Con influencias de Klee y Miró, aumentó sus composiciones iconográficas, incorporando mayor expresividad y comunicación con texturas intensas además de algunos elementos geométricos. En los años cincuenta su fama se consolida a nivel  internacional y en los sesenta empiezan a aparecer en su obra los primeros elementos o señas de identidad como signos representativos de Cataluña, pisadas, escrituras y objetos cotidianos. Tápies fue un artista de reconocido compromiso político que dejaba que sus ideas se reflejaran en su arte, así denunció la dictadura en sus cuadros, hasta los ochenta donde se restauró el estado de derecho y renovó sus propuestas con técnicas en aerosol, barniz o goma-espuma, creando esculturas de bronce. En esta etapa se dejó influenciar por el arte y la filosofía oriental acentuando el énfasis en la identidad de la naturaleza y en el ser humano, pero también en la materia o el universo que planteaba la nueva generación de científicos.

 

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Imagen: L´Espirit catalá, disponible en http://www.laverdad.es/, 7 de febrero de 2012


De Antoni Tàpies hay que destacar también su fundamental creación de libros y carpetas y su faceta como ensayista, colaborando con escritores y poetas como Bonnefoy,  Bouchet, Dupin, Guillén, Mitscherlich, Valente o Zambrano. Sus publicaciones han sido traducidas en varios idiomas y, entre algunos títulos cabría señalar: “La práctica del arte” de 1971, “Memoria personal” o “La realidad como arte” y las más actuales “El arte y sus lugares” además de “Valor del arte” en 2001.
Respecto a las obras de Tàpies en 1955, la más importante fue “Gran Pintura Gris”, con un equilibrio que reveló su potencial en la III Bienal Hispanoamericana de Arte en Barcelona.

 

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 Imagen: Gran Pintura Gris, disponible en http://www.tiempodehoy.com/, 15 de febrero de 2012


En 1963 su pintura “Blanco con Signo Rojizo” se subastó en  Christie’s, Londres por 1,2 millones de euros, convirtiéndose   en el artista español más cotizado.

 

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 Imagen: Blanco con signo rojizo, disponible en http://www.tiempodehoy.com/, 15 de febrero de 2012

 

En su obra "Materia sobre tela y collage de papel", concebida en el Ecuador en 1964, destacan las superficies arenosas con grietas y materiales apelmazados. Es el momento en el que Tapies destaca en Cataluña junto con los dos grandes genios Dalí y Miró, conformando el imponente trío de artistas catalanes del último tramo del siglo XX. 

 

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 Imagen: Materia sobre tela y collage de papel, disponible en http://www.tiempodehoy.com/, 15 de febrero de 2012

De 2008 y ya al final de su vida destaca “Grattage Rojo” pintado a los 84 años. En este cuadro observamos los pies cortados representando los miembros amputados de la memoria humana. Posteriormente en su obra trataráde transmitir su reflexión ante el dolor, atenuando los efectos con influencias del budismo y dando a conocer su pensamiento físico y espiritual.

 

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 Imagen: Grattage Rojo, disponible en http://www.tiempodehoy.com/, 15 de febrero de 2012

 

Las obras de Tapies que han alcanzado récords en precios de subasta son, además de su pintura de 1963, "Azul LXIX" en óleo y arena que aparenta una galaxia entre ruinas en tonalidades azules, vendida en Christie's en 1,10 millones de euros en la primavera de 2007, saltando a la portada de todos los periódicos. Así mismo, el collage “Tierra, Tela y Papel” con geometrías, cruces, flechas y piedras, que pretende manifestar el desgaste del proceso  a medio hacer, fue vendido en 2011 también en cifras muy elevadas.

 

Azul LXIX

 Imagen: Azul LXIX, disponible en http://www.tiempodehoy.com/, 15 de febrero de 2012


Antoni Tàpies ha expuesto en los mejores museos del mundo entre ellos en el Museum of Modern Art y en el Guggenheim Museum de Nueva York,. También en ciudades como Berlín, Los Ángeles, Zúrich, Londres y en el Centre Pompidou de París. En España los sitios más destacados donde realizó sus muestras son el Museu d’Art Contemporani de Barcelona y el Museo Reina Sofía de Madrid.
En Barcelona creó la Fundación que lleva su nombre con el fin de   promover el conocimiento y el estudio del arte contemporáneo, basándose en el análisis de la conciencia del ser humano en la modernidad. Allí se conservan 300 de sus producciones donadas por el autor.

 

cruz y tierra

 Imagen: Cruz y Tierra, disponible en https://www.repro-arte.com/


Una prolífica carrera que señala a Tàpies como el gran renovador del arte contemporáneo español, así como un vanguardista del siglo XX. Murió en 2012 con 88 años. Siempre fiel a sus orígenes con un lenguaje pictórico diverso. Se inclina por temas tradicionales casi fetichistas, pero siempre revalorizando los materiales con obras permeables en lo social y político. Traduce a la perfección sus preocupaciones filosóficas, consolidando su pensamiento en el lenguaje artístico que se renueva en el tiempo.

Compartimos una entrevista del artista que nos permite conocer mejor su forma de pensar, una razón más para admirar su arte.


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 L-hora-del-te-obra-de-Antoni-         rinzen-1998 

Imagen (derecha): Cama, disponible en https://tallerdecartasdeamor.wordpress.com, 6 de enero de 2013

l  Imagen: Antoni Tàpies, disponible en http://trianarts.com/, 6 de febrero de 2015

 

 Tierra y paja          tapies1981 

 

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