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- Escrito por Marisa Carrero
Muchos se preguntan cómo Richard Serra es capaz de transmitir calidez, belleza e intimidad con un material como el acero y unas dimensiones tan descomunales. Quizás sea el minimalismo de sus obras; quizás sea por «su audacia para vertebrar el espacio urbano», según el jurado del Premio Príncipe de Asturias; o quizás sea su peculiar forma de trabajar el acero corten; lo cierto es que el resultado final nos sobrecoge y nos impulsa a pasear entre sus creaciones, a tocarlas, a sentirlas.
Richard Serra, nacido en San Francisco en 1939, de padre español y madre rusa, se forjó entre los altos hornos de las fábricas de acero de Pitchburg, en donde entró para conseguir el dinero que le permitiera estudiar Literatura inglesa, y salió conociendo el manejo del acero y la forma de darle vida: «Mi madre tuvo una gran influencia en mí en el tema del arte. Fue una persona que inculcó en mí la idea de que podía llegar a ser artista».
Después de sus estudios de Literatura en la Universidad de California y de Arte en la de Yale, en las que conoció a artistas como Philip Guston, Jasper Johns, o Frank Stella, viajó a París y a Florencia, donde se vio envuelto en un mundo artístico y cultural que le llevó a cambiar sus inclinaciones artísticas: abandonó las letras y se entregó a la escultura, con la que ha llegado a ser «el más grande de los escultores vivos» según el arquitecto Norman Foster.
Sus primeros trabajos fueron totalmente abstractos, todavía lejos de sus grandes dimensiones posteriores, basados en el movimiento conocido como process art (arte en proceso) donde: «Lo importante de esos primeros tiempos era el proceso creativo, no el resultado final». En esta época, el artista se basó en cuatro principios para crear: to hurl, to split, to roll and to heap (arrojar, rajar, rodar y apilar), experimentando además con las propiedades plásticas de materiales como el cuero, el neón o el plomo. Surgen en estos años las series Prop (Apuntalar), con piezas apoyadas unas en otras, una explicación personal de los principios del equilibro; y Belts, cinturones suspendidos de un muro como figuras blandas y retorcidas, ambas expuestas en el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, en 1976.
Imagen (izquierda): Corner Prop Piece, disponible en http://ffffound.com/, 23 de mayo de 2009
Imagen (derecha): Belts, disponible en http://www.guggenheim.org/
Su primera exposición individual la había realizado, algunos años antes, en Roma, en la galería La Salita, demostrando su gran originalidad y también toda su rebeldía ante lo que se consideraba «exposición» ya que recreó el hábitat de varios animales vivos, encerrados en sus jaulas y lo llamó Live Animal Habitat y que, más tarde, prefirió no incluir en su catálogo de creaciones, por no estar dispuesto a reproducirlo de nuevo y por considerarlo fuera de su auténtica obra. Quizás por eso, la gran exposición auspiciada años después por el galerista Leo Castelli fue tan diferente. Serra realizó para su galería unas cien esculturas arrojando plomo derretido contra una pared y contra el suelo, para que el metal se estrellara antes de solidificarse y creara así las más puras formas.
Imagen (izquierda): Splashing1, disponible en http://www.meridiano180.com/, 13 de mayo de 2013
Imagen (derecha): Splashing, disponible en https://i.ytimg.com
Como los artistas no suelen conformarse con una sola faceta del arte, Richard Serra también probó suerte con el cine y realizó el corto Hands catching Lead (La mano cogiendo el plomo), continuando con el mundo del vídeo durante los años setenta. Sin embargo, no podía alejarse de sus esculturas y, tras ser galardonado con el Premio Theodoron en el Guggenheim de Nueva York, protagonizó una exposición individual para el Museo de Arte Pasadera, aunque sus inquietudes se dirigían más a los espacios urbanos. Es el momento en el que el artista se lanza a por la escala monumental. Su objetivo es relacionar al ciudadano con su espacio creando esculturas impactantes por su tamaño y también por su sencillez.
¿Tuvo algo que ver en esto la botadura de un petrolero, a la que asistió con su padre cuando solo tenía cuatro años? Es posible. Quizás el enorme tamaño de aquel barco, su gran peso o la sensación de inestabilidad que demostraba impactaron en el artista hasta el punto de buscar estos efectos en las obras monumentales posteriores.
En 1981, en el gran maestro del acero crea obras tales como el Tilted Arc (Arco inclinado) para la Plaza Federal de Nueva York, originando, sin embargo, una gran polémica entre los trabajadores de los edificios colindantes, que se quejaban de no poder atravesar directamente dicha plaza. Hasta tal punto llegó su oposición que, en 1989, se desmontó y trasladó la escultura a un parque público, perdiendo todo su poder y su sentido.
Imagen: På vej forbi Tilted Arc på Federal Plaza, disponible en http://www.kunsteder.dk/
Después de esta, vinieron otras grandes obras caracterizadas, sobre todo, por sus formas (grandes rollos en forma de láminas) y por su material (el acero corten), cuya composición química produce una oxidación que protege la pieza de la corrosión del exterior sin a penas perder sus propiedades. El artista, además, buscaba la manera de unir la obra con su ubicación en lo que se ha llamado land art, que trata de liberar a la escultura de los límites de la talla y el entorno. Surgen así piezas como la serie Snake (Serpiente), creada ex profeso para el Museo Guggemheim de Bilbao, en su inauguración, o Equal-Parallel-Guernica-Bengasi, para el Reina Sofía de Madrid, con el deseo de que el público que las visitara, las recorriera por entero, las atravesara, las «viviera».
Imagen: Equal-Parallel: Guernica-Bengasi, disponible en http://www.museoreinasofia.es/
Su relación artística con España comenzó en 1982 cuando vino para conocer de cerca la escultura mozárabe. Después, sus obras no han dejado de visitar nuestros museos, algunas para quedarse definitivamente. Este es el caso de la ante mencionada Snake y del conjunto La materia del tiempo, expuesto en 2005 y definitivamente instalado en la Sala Arcelor de este museo bilbaíno. Una experiencia que el artista definió como sobrecogedora y la creación más grande de su carrera. Otros la han definido como una increíble sensación de vértigo y de espacio en movimiento.
Imagen: Snake, disponible en http://minimalissimo.com/
Durante todos estos años, Richard Serra fue creando numerosas esculturas repartidas por todo el mundo, Fulcrum (1987) para la boca de metro de Liverpool, en Londres; Charlie Brown, para la nueva central de Gap Inc., en San Francisco (2000), o Tuileries and Obalisque, en París (2008).
Siguió participando en numerosas muestras y exposiciones, aunque no lo hiciera siempre con sus monumentales esculturas. Por ejemplo, en 2006, participó en la Bienal del Whitney Museum de Nueva York, con la obra Stop Bush, un dibujo negro de crayón que representaba a un preso de Abu Graib, y que luego utilizó la propia bienal para realizar los carteles publicitarios, aunque con el lema algo alterado (Stop B S).
Imagen: Tuileries-Richard Serra and Obalisque, disponible en https://janolssonart.wordpress.com
En 2007, protagonizó una de sus mayores exposiciones retrospectivas, la del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), titulada Richard Serra Sculpture: Forty Years, en la que se presentaron muchas de las obras de sus «cuarenta años» de carrera, desde sus primeros materiales hasta las últimas esculturas.
Ciudades de medio mundo e instituciones culturales del otro medio han reconocido su obra; unas ocasiones, exhibiendo sus esculturas, otras otorgándole diferentes premios y galardones. Es Doctor Honoris Causa por las universidades de Yale, Londres y Navarra. Es Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de Francia y España y, en 2010, fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes. Un curriculum realmente increíble para uno de los arquitectos más importantes del momento.
Actualmente, su obra está presente en la Galería Serra del Boijmans de Bruselas, hasta octubre de 2015, basada en los «secretos» de una de sus obras más conocida, la escultura Arcos crecientes (Waxing Arcs). Y, nuevamente en el Museo Guggenheim de Bilbao, se presenta durante todo este año La materia del tiempo.
Richard Serra, convertido en el mago del acero, en el estudioso del espacio, comenzó su andadura artística recorriendo Europa y visitando su arte. Una de esas visitas tuvo lugar en el Museo del Prado en donde el escultor sintió que algo cambiaba en él: «Viendo la obra de Velázquez me di cuenta de que quería explorar la relación entre objeto y sujeto. Quería colocar el sujeto en la percepción del movimiento de quien ve la obra. Ése fue el mayor descubrimiento de mi vida».
Imagen (izquierda): Richard Serra Cage, disponible en http://greg.org/, 19 de mayo de 2011
Imagen (derecha): Corner Prop, disponible en http://slamxhype.com/, 15 de mayo de 2010
Imagen: Richard Serra, disponible en http://www.fondationbeyeler.ch/
Imagen (izquierda): Stop BS, disponible en http://www.annexgalleries.com/
Imagen (izquierda): Serra, disponible en http://www.gibbsfarm.org.nz/
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- Escrito por Marisa Carrero
Para este escultor nacido en Bombay (1954) y residente en el Reino Unido, el origen o las raíces nada tienen que ver con la obra de un artista: «No creo en la idea del origen étnico (...). Para mí, ser un artista español, americano o inglés viene a ser igual. Lo importante es la obra». Esto sorprende sobremanera cuando Anish Kapoor es hijo de padre hindú y de madre judía, criado en la India y formado en Gran Bretaña, sin embargo, nunca ha querido reducir su obra a las peculiaridades de sus orígenes porque, para él, lo realmente importante son las cualidades símbolicas y formales de su trabajo. Pero lo cierto es que no ha podido desvincularse de los colores brillantes de su tierra natal. Sus primeros años los pasó estudiando en la Doon School de Bombai y, más tarde, en 1973, se trasladó a Londres para estudiar en la Chelsea School of Arts and Design.
Para este escultor nacido en Bombay (1954) y residente en el Reino Unido, el origen o las raíces nada tienen que ver con la obra de un artista: «No creo en la idea del origen étnico (...). Para mí, ser un artista español, americano o inglés viene a ser igual. Lo importante es la obra».
Esto sorprende sobremanera cuando Anish Kapoor es hijo de padre hindú y de madre judía, criado en la India y formado en Gran Bretaña, sin embargo, nunca ha querido reducir su obra a las peculiaridades de sus orígenes porque, para él, lo realmente importante son las cualidades símbolicas y formales de su trabajo. Pero lo cierto es que no ha podido desvincularse de los colores brillantes de su tierra natal.
Sus primeros años los pasó estudiando en la Doon School de Bombai y, más tarde, en 1973, se trasladó a Londres para estudiar en la Chelsea School of Arts and Design. Siendo todavía estudiante, participó en diferentes concursos y muestras como la exposición Art into landscape, en 1974, en la Serpentine Gallery de Londres. Se fraguaba ya la figura de uno de los máximos representantes de la denominada nueva escultura británica, junto a otros artistas como Richard Deacon y Toni Cragg. Son los años en los que el artista experimenta con los pigmentos y también cuando empieza a crear esculturas abstractas hechas con materiales naturales como el granito, la piedra caliza, el mármol o el yeso: «Soy escultor, no tengo elección, me interesan los objetos». Surgen así obras como 1000 Nombres (1, 000 Names) que luego expondría en la Galerie Patrice Alexandre de París, en 1980, en su primera exposición individual.
imagen: 1000 names, disponible en http://www.museoreinasofia.es/
Aquí empezó su éxito, engrandecido después por otros logros obtenidos en diferentes exposiciones en Gran Bretaña y Estados Unidos, en las que, en ocasiones, sus obras se vendían incluso antes de la inauguración, como fue el caso de la que realizó en la Barbara Gladstone Gallery de Nueva York. Después llegaron los premios y reconocimientos como el Premio Duemila al Mejor Artista Joven, por su participación en la 44 Bienal de Venecia, en 1990, en representación del Reino Unido y, años más tarde, (1991), el prestigioso Premio Turner.
Sus trabajos continuaron exponiéndose en museos de todo el mundo como la Tate Gallery o la Hayward Gallery de Londres, el Deutsche Guggenheim de Berlín, el Reina Sofía de Madrid, o el Kunsthalle de Basilea, y en todos ellos iba evolucionando e innovando. Durante estos años, Kapoor realiza algunas de sus obras más representativas como En el centro de las cosas (At the Hub of Things), que se considera obra cumbre de los conocidos como «vacíos» y que da paso también a la serie de esculturas que realizaría después en piedra, entre las que destaca Adam (1988), considerada una de sus obras fundamentales ya que supone la plasmación de sus estudios e ideas sobre el espacio, una de las constantes preocupaciones de su trabajo.
Para él, una obra no debe guardar marcas de su manofactura o de su proceso de creación; debe ocupar su propio lugar y tener su propio valor, más allá del artista que la ha hecho, porque lo que importa es su contemplación.
Imagen (derecha) : It is Man, disponible en http://www.museoreinasofia.es/
No contento con la simple escultura, decide dar a sus obras un carácter arquitectónico y en su obra Descenso al limbo (1992), con la que participa en Documenta IX, necesitó, por primera vez, la construcción de un edificio que la albergara. Después vinieron una serie de pequeñas realizaciones independientes que demostraron aun más el interés del artista por el control del espacio. De hecho, su primera visita a nuestro país, en 1992, fue para colaborar con el arquitecto David Connor en la creación de Edificio para un vacío, en la Expo de Sevilla. Pero su espíritu inquieto necesitaba de nuevas expresiones y será también en estos años cuando empiece a experimentar con los espejos, tal y como hace en su obra Poniendo el mundo bocabajo (Turning the World Upside Down), de 1995.
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En estos primeros años de la década de los noventa, el artista parece especialmente interesado en las dimensiones, en cómo aumentarlas, en cómo incluir al espectador en ellas: «La escala lo es todo en escultura. No temo hacer piezas grandes pues la enormidad es una de las herramientas de la escultura. Por eso es importante tener en cuenta el significado y el sentido de una pieza que nos seduce con su poesía».
Esta búsqueda, esta inquietud fue evolucionando hasta desembocar en una de sus obras más representativas, Marsyas, creada para la Tate Modern de Londres, para la serie Unilever, de la Sala de las Turbinas, en 2002. Con ella, el artista juega descaradamente con la escala humana haciendo que sus dimensiones hagan imposible verla desde un solo ángulo, de manera que el espectador deba caminar a su alrededor. Su intenso color rojo y su nombre, relacionado con la mitología griega, son el aspecto terrenal y, al mismo tiempo, espiritual de ese juego de contrarios que caracteriza la obra de este artista.
Imagen (izquierda): Ben Hoyle, disponible en http://www.thetimes.co.uk/
Imagen (derecha) : Marsyas, 2002, disponible en http://www.museoreinasofia.es
Mientras, con su título de Comandante de la Orden del Imperio Británico bajo el brazo en reconocimiento por su contribución a las artes, da otro salto más en el estilo de su obra y crea Mi patria roja (My Red Homeland) (2003) donde el color de una enorme masa roja lo inunda todo, mientras un rodillo arrastra la cera muy lentamente formando un enorme círculo que se crea y se destruye a la vez, en una especie de autocreación que lleva al origen de las cosas: «Siento que soy realmente un artista abstracto y que hago arte abstracto. Una de las condiciones de la abstracción es precisamente su idoneidad para ir hacia el principio de las cosas (...). Es por eso por lo que me interesa que los objetos se autocreen, aunque sea una ficción».
Imagen: My Red Homeland, disponible en http://www.guggenheim-bilbao.es/
Un año después, Anish Kapoor realizará su primera obra de carácter público en los Estados Unidos. Se trata de la famosísima Puerta de las nubes (Cloud Gate), instalada en el Millenium Park de Chicago. Creada a base de placas de acero inoxidable, muy pulidas, se convierte en un gigantesco arco que refleja y distorsiona a la vez el entorno en el que está. Es casi imposible sustraerse a ella y los visitantes del parque sienten una atracción especial que les empuja a traspasarla, a rodearla, a acercarse a ella. Después de esto, su prestigo le lleva a protagonizar numerosas exposiciones alrededor del mundo: en Nueva York, en Italia, en Tokio, en Brasil, sin dejar nunca de buscar nuevas formas de impactar en el espectador y de alterar los espacios en los que este se mueve.
Y así surgió otra de sus grandes obras creada para un espacio público, Espejo del cielo (Sky Mirror), situada en el Rokefeller Center de Manhattan en 2006. Muchas fueron las interpretaciones que trataron de definir esta obra: un espejo que reflejaba el cielo, el cielo traído a la tierra; pero la realidad era, nuevamente, que el artista volvía a jugar con el espacio y con la percepción del mismo: a la habitual marabunta de tráfico y personas se contraponía el espacio de un cielo atrapado en el centro cóncavo del espejo, mientras en la parte convexa, los transeúntes podían verse a sí mismos.
Imagen: Cloud Gate, disponible en http://www.cityofchicago.org/
Imagen (derecha): My SkyMirror, disponible en http://newyorkdailyphoto.com/
Llegados a este punto, cualquiera puede comprender que Anish Kapoor no renuncia a ninguna vía; ninguna posibilidad esta descartada en su imaginación. Pasa de la piedra a la cera y de esta al acero más puramente bruñido, creando obras de cualquier tamaño imaginable y traspasando cualquier barrera que podamos imaginar. ¿Cómo si no fue capaz de idear, en 2008, su proyecto Valle de los Soportes Gigantes (Tees Valley Giants)? Solo alguien que no teme al espacio y a la percepción crea una escultura llamada Temenos (en griego, «terreno sagrado») que quedaría instalada en 2010; una enorme red «cazamariposas» de 55 metros de altura y 110 de longitud como primera de una serie de esculturas públicas repartidas por Teeside, al nordeste de Inglaterra, y que realiza en colaboración con el ingeniero Cecil Balmond. Sin duda, nos está invitando a que vivamos experiencias nuevas y únicas con su arte, lleno de incertidumbre y de sorpresas e irremediablemente impactante.
Imagen (izquierda): La Mayor Obra de Arte del Mundo(1): Kapor, disponible en http://es.paperblog.com/
Imagen (derecha): La Mayor Obra de Arte del Mundo(2): Kapor, disponible en http://es.paperblog.com/
Estos logros le llevan al encargo de realizar la gran Órbita ArcelorMittal (ArcelorMittal Orbit) para las Olimpiadas de 2012 de Londres, otra vez junto al ingeniero Cecil Balmond, creando una enorme torre de acero que gira sobre sí misma y de la que se puede descender por una enorme escalera de caracol. Todos los estudios, reflexiones y cálculos los hizo el artista al tiempo que organizaba diferentes exposiciones por todo el mundo. Sus obras se mostraron al público en Londres, San Petesburgo y Bilbao. Aquí, su exposición de 2011 en el Museo Gugenheim llenó de color las salas con obras tales como Amarillo o Mi patria roja, y el exterior, con sus reflejos, que se plasmaron en El gran árbol y el ojo, hecha a base de enormes bolas de acero inoxidable.
Imagen (izquierda): ArcelorMittal Orbit, disponible en http://anishkapoor.com/
Imagen (derecha): Tall Tree & Eye, disponible en http://www.guggenheim-bilbao.es/
¿Qué podía ser lo siguiente? ¿Que nueva obra vendría a sorprender de nuevo al espectador? Leviathan: «Un monstruo marino es grande, amorfo, incontrolable y provoca emociones". Y esto es lo que provocó Kapoor, todo tipo de emociones al crear otra enorme construcción de goma roja en forma de globos concebida expresamente para la cuarta edición del Grand Palais de París. Con el nombre del monstruo bíblico, estas enormes esferas dejaban al visitante pasear por su interior como si hubieran sido engullidos por un organismo vivo, las entrañas del propio monstruo. Por fuera, vemos unas enormes esferas que intentan buscar hueco entre los hierros y el vidrio de la enorme sala del museo parisino. El éxito de su exposición lo dedicó al artista Ai Weiwei que, en aquel momento, estaba detenido por las autoridades de Pekín.
Imagen (izquierda): Leviathan disponible en http://anishkapoor.com/
Sus creaciones han seguido recorriendo el mundo, llenando con sus «vacíos» tanto los espacios públicos como las salas de los museos. En 2012, lo vimos en la Lisson Gallery de Londres, en una retrospectiva de su carrera, tras las tres décadas de colaboración entre ambos. Después en Seul, en Sidney, en Estambul. Y en 2013, lo encontramos en Matsushima (Japón) con un enorme auditorio móvil para albergar los conciertos solidarios del festival Ark Nova, surgido tras el tsunami de 2011. Un ambicioso proyecto realizado en colaboración con el arquitecto japonés Arata Isozaki y que ha supuesto un nuevo concepto de edificio público: una gran membrana inflable que puede desmontarse tras el espectáculo y trasladarse a otro espacio.
Imagen (izquierda): Ark Nova Isozaki, disponible en http://www.uncubemagazine.com/
Imagen (derecha): Ark Nova, disponible en http://www.dezeen.com/
En su afán por investigar y experimentar con nuevos materiales y técnicas, ha llegado a colaborar con la empresa española Factum Arte para el desarrollo de una impresora 3D en cemento que deposita este material siguiendo el escaneado de un modelo previo. Y, actualmente, experimenta con un nuevo material de reciente creación, llamado Vantablack que el artista define como «un material alucinante, tan profundamente negro que tus ojos no pueden realmente abarcarlo todo».
Es muy probable que mientras lo consigue, Sir Anish Kapoor se pasee por las salas de su estudio de Peckham, en Londrés, en donde trabaja con sus colaboradores: «Aquí experimentamos con materiales, superficies, hacemos formas y texturas sin saber cuál será el resultado final. De todo ello emerge eso que llaman arte».
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- Escrito por Clelia
Escultor, escritor, ilustrador y creador de artes auditivas, Juan Muñoz Torregrosa — el “poeta del espacio” — nació en Madrid, en 1953 en el seno de una familia numerosa y bien asentada. Sus primeras experiencias en el colegio no fueron exitosas: fue expulsado de la escuela por prestar poca atención en clase, pero su educación continuó en casa gracias a la enseñanza privada de un poeta y crítico de arte contratado por su padre. Y fue a través de este encuentro que Muñoz descubrió el modernismo, aspecto clave en sus futuras obras escultóricas. En la década de los setenta, durante el régimen franquista, el joven Muñoz decide viajar a Londres donde estudia en el Croydon College y después en la Central School of Art and Design. Tras conocer a su futura esposa, la escultora española Cristina Iglesias, a la edad de 29 años gana la beca Fulbright con la que pudo viajar a Nueva York para estudiar en el prestigioso Pratt Institute, el centro de estudios privado de arquitectura, diseño interior y diseño industrial fundado en 1887.
En el año 1984, a los 31 años, Muñoz exhibe su trabajo por primera vez en la galería Fernando Vijande en su ciudad natal, empezando así una trayectoria de exposiciones internacionales por los museos Guggenheim en Bilbao y Nueva York, el Art Institute de Chicago, el Museo de Arte Contemporáneo en Los Ángeles y la Tate Modern de Londres.
Una década más tarde, en la primera mitad de los noventa, Muñoz empieza a romper con los conceptos tradicionales de la escultura, a través de la introducción de un elemento narrativo en sus instalaciones. Sus figuras humanas son algo inferiores al tamaño real e interactúan entre sí en el espacio expositivo, creando una secuencia viva, dinámica, en la que el espectador puede participar y sentirse involucrado. Al mismo tiempo, el escultor juega con la ausencia de individualidad en sus figuras, ya que su monocromatismo les hace perder sus rasgos de personalidad hasta crear una sensación incómoda e inquietante en el espectador.
imagen: Double Blind, disponible en http://www.bbc.co.uk/, 14 de mayo de 2010
Juan Muñoz seguirá su exploración psicológica de la persona, el espacio y la relación espectador-obra en centenares de obras artísticas posteriores, principalmente escultóricas pero también pasando por otras disciplinas: ensayos-ficción literarios, obras sonoras, piezas radiofónicas e ilustraciones a mano. En 2001 realiza su serie emblemática Conversation Piece, en la que aborda los temas del silencio, la teatralidad, la interacción y la (in)comunicación a través de cinco figuras humanas realizadas en bronce: bases redondas (incapacidad de moverse, trasladarse) y rostros vacíos, inexpresivos, contrastados con sus gestos vivos y cinéticos. La instalación crea un espacio teatral cargado de drama, narrativa y psicología — nos preguntamos qué relación tienen las figuras entre sí, qué es lo que quieren, pero no pueden, contarse, y cuál es nuestro rol como espectadores en este juego (in)comunicativo.
imagen: Conversation Piece, disponible en http://www.guggenheim.org/
Después de varios años de exposiciones internacionales, en 2000 Muñoz recibe el célebre Premio Nacional de Artes Plásticas, al que respondio con un lacónico “Creo que me compraré un reloj”. El escultor fue el primer artista español en exponer en la Sala de las Turbinas de la Tate Modern, con su obra Double Bind de 2001, su última creación y la que es considerada su obra cumbre. Quizá el ejemplo más claro de la influencia del modernismo en la concepción artística del escultor. Double Bind funciona como una suerte de meta-escultura: transformando radicalmente el amplio espacio de la Sala de las Turbinas (155 m x 35 m), la obra nos presenta varias escenas en diferentes puntos del entorno, jugando con visibilidad e invisibilidad, certeza y misterio, realidad y ficción — temas siempre presentes en la obra de Muñoz. En la parte superior de la instalación, pasan dos ascensores paralelos en movimiento continuo; algunos de los agujeros negros en el suelo son en realidad ilusiones ópticas. En la parte inferior desciende la oscuridad, rota puntualmente por rayos de luz provenientes de los pozos de los ascensores. En estos pozos vislumbramos la presencia de unas figuras humanas cuyas expresiones no conseguimos detectar, haciendo imposible nuestra participación en su drama privado. El cuidadoso posicionamiento de las figuras en un espacio sofisticado y visualmente complejo nos invita a reflexionar sobre la psicología de los personajes y a interactuar — activa o pasivamente — con la escena.
imagen: Many Times (1999), disponible en http://www.guggenheim-bilbao.es/
Juan Muñoz falleció en 2001 en Ibiza a los 48 años de un paro cardíaco.
imagen: Conversation, disponible en http://www.thinkspain.com/, 16 de febrero de 2011
imagen: Figuras sentadas con cinco tambores 1999, disponible en http://www.ocio.net
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- Escrito por Marisa Carrero
El pintor y fotógrafo Richard Prince representó, junto a Cindy Sherman, una nueva forma revolucionaria de ver y hacer fotografía, allá por los años sesenta, gracias en gran parte a las nuevas tendencias como el vídeo y el cine, pero siempre envuelto en la polémica y la crítica: «Con cada generación, el arte se reinventa (…). Prince tiene la capacidad de transgredir, de mostrar una falta de respeto hacia los límites», en opinión de Almine Ruiz-Picasso, miembro del Patronato de la Fundación del MPM y copresidenta de FABA. Richard Prince nació en la llamada Zona del Canal de Panamá, en 1949, cuando esta aún era colonia de Estados Unidos, aunque, al poco tiempo, su familia se trasladó a Boston. En 1973, Prince decide ingresar en el Instituto de Arte de San Francisco, pero, al no tener mucho éxito, decide trasladarse a trabajar a Nueva York mientras piensa qué hacer con su vida.
El pintor y fotógrafo Richard Prince representó, junto a Cindy Sherman, una nueva forma revolucionaria de ver y hacer fotografía, allá por los años sesenta, gracias en gran parte a las nuevas tendencias como el vídeo y el cine, pero siempre envuelto en la polémica y la crítica: «Con cada generación, el arte se reinventa (…). Prince tiene la capacidad de transgredir, de mostrar una falta de respeto hacia los límites», en opinión de Almine Ruiz-Picasso, miembro del Patronato de la Fundación del MPM y copresidenta de FABA.
Richard Prince nació en la llamada Zona del Canal de Panamá, en 1949, cuando esta aún era colonia de Estados Unidos, aunque, al poco tiempo, su familia se trasladó a Boston. En 1973, Prince decide ingresar en el Instituto de Arte de San Francisco, pero, al no tener mucho éxito, decide trasladarse a trabajar a Nueva York mientras piensa qué hacer con su vida. En este tiempo, y siguiendo el concepto pop de la «apropiación» y la «descontextualización», va perfilando su estilo artístico usando imágenes anónimas del mundo publicitario para crear sus obras.
En 1975, el artista creó una serie de collages hechos a base de fotografías que iba tomando de distintos anuncios y otros medios, revolucionando absolutamente la idea de autoría y cuestionando el papel tradicional del artista, pero también dando lugar a un gran debate dentro del mundo del arte.
Su trabajo en la hemeroteca de Time-Life, manejando recortes de revistas, le hizo pensar en las posibilidades de trabajar con tantas imágenes, combinadas, yuxtapuestas, manipuladas, etc. Así surgen sus primeros trabajos Untitled (Cigarettes) (1978-1979) y Untitled (Three women looking in the same direction) (1980) formados por imágenes publicitarias que el propio artista ha combinado a su antojo volviendo a fotografiarlas nuevamente y creando una mirada deliberadamente artificial. Con una de ellas, Untitled Cowboy, se originó un auténtico debate en el mundillo del arte cuando, años después, en 2005, consiguió alcanzar la cifra de un millón de dólares en una subasta organizada por la casa Christie's de Nueva York.
Imagen: Richard Prince, disponible en http://marshallmatlock.com/
Imagen: Untitled (Man´s hand with cigarette), 1980, disponible en http://www3.mcachicago.org/,
Muchos han sido los críticos que han querido definir o etiquetar esta forma de hacer fotografía. Lo han llamado Appropriation, Artist´s Book, Simulation, etc. Pero lo de menos es cómo se llame sino cómo lo conciben sus creadores. Para Prince y otros artistas similares como Cindy Sherman o Barbara Kruger se trataba de presentar las imágenes de la cultura de masas fuera de su contexto y de su finalidad. Así, y dentro del movimiento New Wave, el artista siguió realizando sus creaciones en la refotografía usando catálogos comerciales, fotos anónimas, algunas fotos personales, que él volvía a fotografiar para sus creaciones.
La polémica estaba servida. ¿Cual era su valor artístico si se apropiaba de las fotos de otros? ¿Qué pasaba con el derecho de autor de esas fotografías o con el copyright? De hecho, en 1977, Prince estuvo metido en una importante querella con el diario New York Times por el uso de algunas de sus fotografías ya publicadas.
Imagen: Untitled (three women looking in the same direction), disponible en https://rfc.museum
Imagen: Untitled (four women looking in the same direction), disponible en http://www.theslideprojector.com/
Y no fue la única. En 1983, se enfrentó, en otra batalla judicial con la madre de la actriz Brooke Shields, al utilizar una fotografía del autor Garry Gross donde la actriz de diez años aparecía de pie en una bañera, tremendamente maquillada y en una clara alusión a la precocidad sexual. La exhibición de esta imagen, denominada Spiritual America, trataba de reflejar, en opinión de la crítica Nancy Spector, que: «cualquier pura espiritualidad americana está ya siempre contaminada, impura; es una mezcla de patriotismo, capitalismo y cultura popular».
En los años ochenta, la atracción de Prince por los marginados, las tribus urbanas, los «sin techo», en definitiva, los pertenecientes al llamado dark side (lado oscuro) produjo toda una serie de obras basadas en imágenes yuxtapuestas a las que él llamó gangs (bandas) centradas en motivos concretos de la cultura pop. Un ejemplo es su obra Enterteiners (Animadores) en la que unió diferentes diapositivas de 35 mm cada una, procedentes de varios anuncios y revistas y creó con ellas un negativo mayor desde el cual realizó la impresión final.
Imagen: Brooke Shields, disponible en http://www.pasunautre.com/, 25 de junio de 2012
Lo mismo ocurría con su serie Jokes, en torno al año 1986, donde partiendo de imágenes y textos ya existentes que redibujó como serigrafías, plasmó su visión acerca de las fantasías y las frustraciones sexuales de la clase media estadounidense, utilizando el humor y la caricatura, dada su afición e interés por los cómics.
Sus «apropiaciones» continuaron en otras series de fotografías como Cowboys and Grilfriends, en las que Prince toma símbolos básicos de Estados Unidos para darles otro significado completamente diferente. En la serie Cowboys, los vaqueros tomados de los anuncios de Marlboro pasaron a ser algo arcaico, colonialista y machista, nada que ver con esa visión romántica anterior. La serie Girlfriends se basaba en las fotos que los moteros enviaban de sus novias, subidas en la Harley Davidson de rigor, a las revistas de motos. Fuera de este contexto, estas fotos solo eran otra muestra más del uso del erotismo y del cuerpo femenino como reclamo publicitario.
Imagen: Untitled Cowboy, disponible en http://www.americansuburbx.com/, 26 de abril de 2011
Imagen: Untitled (Girlfriend), 2008, disponible en https://www.gagosian.com
Después de vivir en Nueva York durante 25 años, Richard Prince decidió trasladar su residencia al norte del estado y crear allí una especie de minimuseo, el Second House. En él recogió algunas de sus obras, tanto fotografías como esculturas y pinturas, entre las que destacaba su serie de Car Hood decorando los alrededores de la casa. Este museo permaneció abierto durante seis años (desde 2001 al 2007) y su colección fue regalada por el artista al museo Guggenheim de Nueva York. Desgraciadamente, un rayo provocó un grave incendió en el edificio que causó importantes daños.
En este lugar, creó también la conocida serie de pinturas Nurse Paintings (2003) inspirada en las novelas románticas de los años cincuenta, de temática médica. Para realizar este trabajo, el artista se dedicó a fotocopiar las portadas de muchos de estos cómics y a transformarlas después en pinturas, con cierto aire de misterio y terror al mismo tiempo. La influencia de esta obra suya llevó al artista a una colaboración con Marks Jacobs para un desfile de Louis Vuitton (2008) inspirado en ellas.
Imagen: Sonic Nurse, disponible en http://fr.phaidon.com/
Si esta serie representaba toda una simbología femenina, la exposición que llevó a cabo en septiembre de 2008, en la Galería Serpentine, representaba la simbología opuesta, es decir, la masculina, a través de una serie de esculturas de automóviles hechas de distintos materiales y decoradas con el particular estilo de Prince. La exposición recibía a los visitantes con la imagen de un enorme coche de plástico decorado con una mujer pintada en su capó.
Imagen (izquiereda): Continuation 3, disponible en http://suehubbard.com/
A lo largo de su carrera, Richard Prince no ha dejado de provocar, de ir contracorriente, apropiándose de los trabajos de otros para darles su propia visión y enfrentándose a numerosas demandas por este motivo. Una de ellas fue la que falló un juzgado de Manhattan, en 2012, en contra del artista al considerarlo culpable de apropiación indebida de unas fotos publicadas en un libro del fotógrafo francés Patrick Cariou, sobre los rastafaris. Él se dedicó a trabajar con aquellas que más le gustaban para elaborar su collage personal, refotografiarlo todo y ponerle su firma; una obra que llegó a venderse por dos millones y medio de dólares. Para algunos, se limitó a coger el trabajo que Cariou había preparado durante años, recortarlo y manipularlo, mientras la Gagosian Gallery de Nueva York recaudaba más de diez millones de dólares con su exhibición.
Imagen (izquierda): patrick cariou fights richard prince and gagosian over copyright, disponible en http://www.americansuburbx.com/, 24 de Julio de 2015
Imagen (Derecha): Cheese & Crackers, disponible en http://www.americansuburbx.com/,
En otras ocasiones han sido los propios museos los que le han invitado a apropiarse de la obra de otros autores, como ocurrió en el Museo Picasso de Málaga en el invierno de 2012. Admirador incondicional de Picasso, dijo de él: “Picasso era un dibujante extraordinario. La forma en que dibuja la figura con esa indescriptible libertad que aplica a la forma sigue siendo asombrosa para mí». «No es que estén inspiradas directamente en Picasso, pero sí en el espíritu de Picasso». En esta ocasión, el artista pudo servirse de más de cien obras del pintor malagueño para crear su propia exposición, Prince/Picasso, en la que se pueden reconocer algunas figuras femeninas y otros iconos de la pintura picassiana.
Tras las últimas exposiciones del artista en la Skarstedt Gallery de Londres, o en Le case d'Arte, de Milán, en 2013, sus obras se pueden ver, durante este año 2014, en la Kunsthaus Bregenz, en Bregenz (Austria) hasta el mes de octubre. En nuestro país, una de sus últimas muestras tiene lugar en El Centro Cultural Caja Granada hasta el próximo 11 de enero de 2015, en una exposición basada en la colección fotográfica de Telefónica, una de las más prestigiosas del mundo, compartiendo espacio con otros famosos fotógrafos como Gursky o Marina Abramovic. En ella, el artista estará representado por su serie Cowboys and Girlfriends.
Sea cual sea la posición que adoptemos, es innegable que Richard Prince ha conseguido colocarse en los más altos puestos del mundo artístico contemporáneo, entre otras cosas, gracias a su forma irónica de entender la realidad cotidiana y de representarla. Él ha utilizado los iconos populares surgidos de los medios de comunicación, así como la figura de la mujer y la sexualidad para expresarse, usando muchas veces el humor y combinando pintura, fotografía y palabra.
Para definir el arte y la figura de este artista, muchos han utilizado el término Appropriation art (Apropiacionismo: uso de objetos o imágenes de otros artistas para crear un trabajo nuevo). Para conocer la opinión del autor, basta con leer sus propias palabras: «Pide, toma prestado, roba. Por todos los medios posibles». «No esperes la luz verde. Esto de creer en el todo gratis ha estado ahí durante mucho tiempo. La pregunta ahora es “¿quién te has creído que eres?”… Y la respuesta es “quien me dé la gana de ser”. El objetivo es asaltar la cultura. Y la manera que tengo de hacerlo es dejar ondear mi bandera freak…».
Imagen: nuts, disponible en https://farticulate.wordpress.com, 15 de noviembre de 2010
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- Richard Prince: Biografía, Obras y Exposiciones - - Página principal: Alejandra de Argos -
- Detalles
- Escrito por Clelia
Thomas Schütte, nació en Oldenburg, Alemania en el año 1954. Su carrera artística abarca desde la pintura, escultura, arquitectura, instalaciones y el diseño. Estudió arte en Kunstakademie Düsseldorf desde 1973 hasta 1981. Fue alumno de Fritz Schwegler y de Gerhard Richter. Schütte comentó sobre este último que se matriculó en sus clases porque “se sintió atraído por la ambivalente relación de su mentor frente a la pintura y la abstracción”.
Heredó de Richter su crítica por la pintura vanguardista y de los seguidores del maestro, como Blinky Palermo y Daniel Buren, lo convencional.
En sus proyectos de los años 70 y 80 se refleja la crisis de identidad individual y colectiva que se vivió en Alemania. En 1970 realizó su primera exposicion individual, iniciando una carrera meteórica. En el año 1975 se introduce en el diseño, demostrando las posibilidades que esta disciplina aporta al arte y que desarrolló con sus frisos ornamentales y papeles pintados. Schütte decía al respecto: "no considero la decoración en un sentido negativo. Es uno de los terrenos más fabulosos en los que se puede trabajar”. Expresaba esta filosfía en obras como “Anillas” de 1990 y “Guirnaldas” en 1980. Su reconocida creación “Gran pared” (Groβe Mauer) realizada en 1977 fue compuesta por más de 1.000 ladrillos, donde se observan pinturas abstractas en cada uno de ellos con formas arquitectónicas.
Aunque es considerado escultor, sus comienzos artísticos son pictóricos. La arquitectura es otra de las pasiones del artista que se aprecian en una amplitud de tipologías constructivas, a través de maquetas de edificios, villas, miradores, tribunas para pájaros o espacios públicos.
Esta presentación precede a la de 1981, donde enseñaba una tumba que representaba su muerte prematura. Continuó con un gran monumento sobre Alain Colas, quien se extravió en el mar en 1989, también una cripta sobre el fantasmal Hitler en 1991. Sus modelos expresaban temas sociales, políticos o culturales a través de sus dibujos, grabados, fotografías y esculturas. Entre los años 80 y 90 desarrolló la figuración, dándose a conocer por tres imágenes de aluminio antropomorfas de gran tamaño, que en 1996 se presentaron como “Grandes Fantasmas”.
En el año 2012 se presenta la primera exposición dedicada al artista en Italia, en el Museo Castello di Rivoli. Su creatividad se pone de manifiesto en la serie "Frauen", con mujeres tendidas en una mesa en diferentes posturas, unas más definidas que otras. Esta serie constaba de 18 esculturas reproducidas en bronce, aluminio y acero, algunas de ellas en colores brillantes, expuestas junto a 100 acuarelas privadas. En la entrada de acceso al castillo, el espectador era recibido por dos monumentales esculturas llamadas “Enemigos Unidos”, de cuatro metros de alto. Las formas estan relacionadas con personas de edad avanzada, rostros angustiados y la cuerda que los une, casi dibuja las figuras.
Sus obras son irónicas y ambivalentes, como "Kirschensäule" que fue instalada en Kassel y Documenta 9 en 1992. Utilizó acuarelas, grabados y cerámicas para reflejar los elementos de la vida diaria, tanto políticos como culturales. Durante los noventa se interesó por la herencia de la cultura romana, creando las enormes cabezas llamadas “Asquerosos Dictadores”, además de las imágenes “Mujeres” esculpidas en acero y otros materiales. Con géneros tradicionales consiguió resultados extraordinarios y modernos.
Sus muestras más destacadas han sido en Whitechapel Art Gallery en Londres en 1998 y en Dia Art Foundation en Nueva York en 1998–1999. Destacan también Documenta 8, 9 y 10. Entre las más recientes, se pueden mencionar 55º Carnegie International en Pittsburgh durante 2008. Kunst Haus en Munich, 2009 y la exposición individual en el Museo de Arte Reina Sofía, en 2010 con el título de “Retrospección” que representó sus treinta años de trabajo en un diálogo con el pasado, fuente de su inspiración. Ha sido premiado en varias ocasiones, recibiendo el galardón del León de Oro en la Bienal de Venecia en 2005.
Thomas Schütte fue el artista de mayor influencia en la Serpentine Gallery en 2012, con figuras humanas y poéticas, que poseen un toque emocional. Reunió pinturas, esculturas y también su serie “Dibujo Espejo”, con el mismo espíritu. La obra central en esta exposición fue “El Padre Estado” de 2011, ejecutada en acero con una figura autoritaria pero a la vez débil, demostraba su interés por lo épico y por el estudio de la fragilidad.
Hasta el 26 de octubre de 2014 se puede visitar la muestra colectiva “Raumbilder”, que incluye sus piezas en el Museo de Arte Reina Sofía, junto a otros renombrados escultores alemanes, como Bogomir Ecker, Reinhard Mucha.
Thomas Schutte en la actualidad reside y desarrolla su actividad creativa en Düsseldorf. Sus espectaculares piezas, son diversas en su temática y también en los medios que utiliza. Preocupado por la sociedad de su tiempo, plasmó esta realidad sin dejar de lado sus curiosidades. Respecto a las técnicas comentó “Yo puedo trabajar con todo tipo de técnicas, herramientas y materiales. Pero no atiendo a fórmulas. De alguien como Claes Oldenburg se puede aprender mucho, por ejemplo. De un boceto sobre cartón se puede lograr algo monumental. Además de eso, yo no le tengo miedo al color, como le sucede a muchos escultores. Ni le temo al tamaño.”
