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- Escrito por Marta S. Galindez
El libro, editado y prologado por Sir David Cannadine, relata la apasionada relación con la pintura que mantuvo el célebre político y estadista británico.
Portada del libro The Statesman as Artist, de Bloomsbury. En winstonchurchill.org
“A medida de que el antiguo soldado se convertía en pintor, encaraba naturalmente sus encuentros con los lienzos vacíos, prístinos e intimidantes como batallas de voluntad, que debían ser vencidas a través de un sobrecogedor despliegue de colores poderosos y fuerza cromática”. Este párrafo da la medida de los textos que pueblan las páginas de The Statesman and the Artist, el libro publicado a finales de 2018 por la editorial inglesa Bloomsbury que refleja la intensa relación que Sir Winston Churchill mantuvo con la pintura. El célebre político y estadista entró en contacto con los pinceles y lienzos tras el desastre de la Batalla de Gallipolli, sucedida en el verano de 1915, que le produjo un intenso estado de depresión (bien conocido por Churchill, quien en sus escritos habla sobre dicho estado como “the black dog”, el perro negro). Fuera de la vida militar y política y con un cargo meramente representativo, buscó refugio en Hoe Farmjunto con su mujer, Clementine. Durante una visita de su hermano Jack, su cuñada Goonie invitó a Churchill a jugar con las acuarelas y el papel. Fue el comienzo de una apasionada relación, que el futuro Primer Ministro británico conservaría durante toda su vida.
Presentación del libro The Statesman and the Artist por el autor, Sir David Cannadine. Vía The International Churchill Society
Las páginas del fascinante libro del historiador Sir David Cannadine nos hacen viajar por la vida del célebre personaje, siempre a través de su pasión artística. Si bien Churchill no pasó de ser un artista aficionado, sus obras tenían una calidad aceptable y se inspiraban en nuevas escuelas pictóricas, como la impresionista. El estadista no se limitó a pintar: también escribió dos artículos sobre pintura, que fueron publicados en 1921 y 1922 por la revista Strand. En este caso, el político demostró sobradamente su reconocido talento para la escritura: en palabras del autor del libro, “Churchill escribió los artículos con una humildad y un candor auto-despreciativo nada comunes, aderezándolos con un brío y un sentido lúdico claramente reconocibles, y con vívidas construcciones léxicas”. A lo largo de las décadas siguientes Winston Churchill continuó pintando paisajes y naturalezas muertas, manteniéndose siempre alejado de las corrientes más modernas que apuntaban hacia el arte abstracto. El libro rinde un sentido homenaje a la pasión de Churchill por una afición sobrevenida, que convirtió en un elemento liberador y a la que dedicó tanto tiempo y energía como a su carrera política.
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- Escrito por Marta Sánchez
“Video-Translaciones: miradas x espacios” es una muestra paralela a la feria de arte, donde trece creadores del país invitado proponen un recorrido sensorial e inmersivo a través de sus obras.
Indoor/Outdoor. Luis Soldevilla (2012). En condeduquemadrid.es
En la edición de ARCOMadrid 2019, Perú desembarcará en la capital para deslumbrar con la fuerza creadora de sus artistas. Este año, la feria de arte internacional ha elegido al país andino como invitado de excepción. El criterio fundamental ha sido la calidad, que ha servido para diferenciar a los creadores peruanos de otras opciones y así apostar por su presencia; concretamente, en ARCOMadrid se mostrará el trabajo de 23 artistas seleccionados y coordinados por la comisaria Sharon Lerner. De forma paralela, el centro Conde Duque de Madrid ha programado la exposición “Video-Traslaciones: miradas x espacios”: una fascinante selección de videoinstalaciones de última generación, creadas por trece artistas del país. Los trabajos seleccionados han sido realizados por Luz María Bedoya, Ricardo Yui, Luis Soldevilla, Elizabeth Vásquez, Arturo Kameya, Verónica Luyo, Juan Salas, Miguel Cordero, Katherinne Fiedler, Rudolph Castro, Daviz Zink Yi, Marco Pando y Álvaro Icaza.
Libre. Rudolf Castro (2013). En condeduquemadrid.es
En Perú el arte audiovisual lleva más de 15 años de desarrollo gracias al trabajo de dos generaciones de creadores, a las que pertenecen los artistas que han desembarcado en Madrid. En las obras expuestas (que podrán verse en la Sala de Bóvedas del Centro Conde Duque) se fusionan proyecciones audiovisuales, figuras exentas, opciones interactivas y archivos sonoros, destinados a generar entornos envolventes. El espectador traspasa los límites de las obras para pasar a formar parte de ellas, experimentando en su propia piel lo que cada artista ha querido transmitir. Uno de los comisarios de la muestra, Jorge Villacorta, señalaba que las obras expuestas “van desde la investigación en la memoria, hasta la comprensión del entorno natural. Queremos mostrar cómo se ubica en el espacio un artista peruano que hace videoinstalación, cómo comprende el espacio geográfico, social o político, y cómo lo subvierte”. Video-Translaciones no es la única exposición dedicada a Perú paralela a ARCOMadrid: durante estos días convivirá con otras muestras como Nazca o Amazonías. Sin embargo, sí es la única que apuesta por el uso de las nuevas tecnologías en arte. Sin duda, se trata de una magnífica oportunidad para descubrir la evolución de las artes visuales en Perú: qué trayectoria siguen sus artistas y qué puntos de conexión generan con lo que se está haciendo en otros países.
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- Escrito por Marta S. Galindez
La artista representará a Francia en el evento artístico del año. Mientras tanto, el Museo de Arte Contemporáneo de Amberes le dedica la mayor retrospectiva de su obra organizada hasta la fecha.
Laure Prouvost. En lissongallery.com
Invención y realidad /mentira y verdad. Son conceptos que van intrínsecamente unidos en su contradictoria concepción, algo de lo que la artista Laure Prouvost es plenamente consciente. Este año 2019, la creadora francesa será testigo de dos acontecimientos de enorme relevancia en su trayectoria. En mayo de 2018 se confirmó que Prouvost será la representante de Francia en la Bienal de Venecia de 2019, siendo la tercera mujer en representar al país galo en el evento. Por otra parte, el Museo de Arte Contemporáneo de Amberes (Bélgica) acaba de inaugurar la mayor exposición retrospectiva de su obra organizada hasta la fecha. La muestra permanecerá abierta hasta el mes de mayo y reúne un gran número de piezas realizadas por la artista durante los últimos quince años, incluyendo sus últimas instalaciones de gran formato.
Retrato de Laure Prouvost. Cortesía de Alexandre Guirkinger. En artnet.com
Prouvost es una de las artistas más inclasificables y provocadoras del panorama actual. Recientemente, su presencia en una cena organizada en su honor por el New Museum y la casa de moda Alexander McQueen levantó un revuelo considerable. Durante el evento, la artista expresó su agradecimiento contando a los asistentes a la cena que su abuela, aún viva, solía atarse de los tobillos a un aeroplano (pilotado por su abuelo) y volar desnuda, flotando por el cielo. El director del museo, Massimiliano Gioni, se apresuró a contextualizar las declaraciones de Prouvost, explicando a sus compañeros de mesa que el trabajo de Prouvost se basa precisamente en “mezclar ficción y realidad”. Además de la retrospectiva y la bienal, este año la artista también actuará en Performatik19, la Bienal de Artes Performativas que tendrá lugar en Bruselas.
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- Escrito por Marta S. Galindez
La acción forma parte de un plan para obtener fondos con los que financiar el ajuste de salarios para las trabajadoras del consistorio. El ayuntamiento alquilará después los edificios para mantener su uso público.
Fachada del Riverside Museum de Glasgow. En mapsofworld.com
En unos tiempos en los que todo tiene un precio, casi no sorprenden noticias como la que difundió hace unos días la cadena británica BBC. El Ayuntamiento de Glasgow ha decidido “vender” una serie de edificios emblemáticos de la ciudad para recaudar fondos: entre ellos se encuentra el Riverside Museum, una institución dedicada al transporte cuya magnífica arquitectura contemporánea, obra de Zaha Hadid, la ha convertido en un icono contemporáneo de la capital escocesa. El museo se inauguró en el año 2011 en el Pointhouse Quay y supuso el comienzo de la regeneración de la zona, tal y como sucedió a finales del siglo XX con el Museo Guggenheim de Bilbao. En el año 2014 el Riverside Museum obtuvo el Premio al Museo Europeo del Año, otorgado por el Foto Europeo de Museos, que galardona a las instituciones museísticas más innovadoras.
La arquitecta Zaha Hadid frente al Riverside Museum de Glasgow, 2011. Foto: Jeff J. Michel / Getty Images. En wnpr.org
El edificio que alberga el museo escocés fue el primer encargo institucional realizado por el Reino Unido a la arquitecta, fallecida en el año 2016. El plan del consistorio consiste en hipotecar distintos edificios y no se detiene en el Riverside Museum, sino que incluye también enclaves como el Glasgow Royal Concert Hall, el SEC Armadillo y el Emirates Arena, entre otros. Fuera de tratarse de mero afán recaudatorio, la decisión se ha tomado por una buena causa: los fondos obtenidos contribuirán a cubrir un ajuste salarial anunciado por el ayuntamiento para sus trabajadoras. Según la alcaldesa de Glasgow, Susan Aitken, el coste anual del acuerdo costará a las arcas públicas unos 25 millones de libras “durante años”. Para cubrirlo se ha establecido un desembolso de 548 millones de libras, gran parte del cual se obtendrá de las mencionadas hipotecas. El ayuntamiento de Glasgow anunció también que los edificios seguirá siendo de propiedad pública y se mantendrán abiertos y en uso, sin perjuicio alguno para los usuarios.
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- Escrito por Marta S. Galindez
La presencia de la estructura en el hueco cenital de la instalación “Meeting” ha provocado el cierre temporal del espacio, que volverá a abrirse cuando el elemento intrusivo desaparezca del cielo
La abertura cenital de la obra Meeting de James Turrell, con la grúa visible por la parte inferior. En artsy.net
Las instalaciones site specific son arte vivo y cambiante, obras que pueden tener una duración efímera o revestir vocación de perdurar. Este último es el sentido de la instalación Meeting (1986), creada por James Turrell en el MoMA de Nueva York. La obra, una habitación vacía e iluminada con cambios de luz en la que una abertura cuadrada creada en el techo incorpora la presencia del cielo en la propia instalación, ha sido cerrada por orden del artista de forma temporal. La razón ha sido la presencia de un “intruso” que ha alterado de forma significativa la propia pieza: la pluma de una grúa, que se puede ver en la parte inferior de la abertura cuadrada. Su presencia interfiere claramente con la intención de Turrell de generar una forma cromática y cambiante, creada recortando visualmente parte del cielo. La grúa se ha instalado para levantar una pareja de torres de apartamentos de lujo en Long Island y se retirará cuando se termine la construcción.
Vídeo de la instalación Meeting de James Turrell en el MoMA de Nueva York
Meeting es una de los skyspaces (espacios de cielo) más famosos de James Turrell, y el primero que el artista construyó en los Estados Unidos. Desde los años 80, la obra invita a los visitantes del Museum of Modern Art de Nueva York a observar el firmamento a través de una abertura diáfana. En una reforma reciente, el hueco se rodeó con luces LED que van adaptándose a la posición del sol y el acceso de la luz natural: la instalación tiene un potente sentido espiritual y reflexivo, que se ve fuertemente comprometido por la presencia de la grúa. El cierre ha sido comentado y justificado por la portavoz del museo, que tranquilizó a los medios comentando que “el edificio terminado no será visible desde la instalación. Reabriremos la obra lo antes posible, en el momento en el que la grúa desaparezca”. Se calcula que las torres se terminarán de edificar en junio de 2019, momento en el que los visitantes del MoMA podrán volver a disfrutar de la obra de James Turrell sin barreras ni interrupciones.
