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- Escrito por Marta S. Galindez
Desde su inicio en Nueva York y tras una aplaudida andadura, la obra llega a España con la intención de despertar conciencias ante una Europa al borde del abismo. Primera parada: Valencia.
Cartel de la obra Looking for Europe de Bernard Henri Levy
El escenario, la habitación de un hotel en Sarajevo. El protagonista, un escritor con el encargo de escribir un discurso sobre Europa, con un plazo límite de 90 minutos. El conflicto: la imposibilidad por parte del intelectual de mostrar el continente y su historia bajo una luz positiva. Son los mimbres con los que el escritor, ensayista y filósofo Bernard Henri Levy articula su obra Looking for Europe, un monólogo interior que actualmente interpreta él mismo sobre las tablas. La obra, una reflexión sobre el concepto europeísta y su crítica situación, llega a España tras una exitosa trayectoria iniciada el 5 noviembre de 2018 (día en el que Bernard Henri Levy cumplió 70 años) en Broadway, Nueva York. En esta ocasión es el propio Levy quien interpreta al protagonista, un aliciente más para no perderse el intenso monólogo destinado a interpelar y despertar conciencias.
Un momento de la obra durante su representación inaugural en Nueva York (2018). En laregledujeu.org
El texto se enfrenta a la complicada situación que actualmente vive el continente europeo. Temas candentes como advenimiento de los populismos, las dudosas alianzas entre ideologías contrarias o el problema de los nacionalismos configuran un panorama desolador. El protagonista de Looking for Europe es consciente de que el llamado “viejo continente” se enfrenta hoy a una oleada de corrientes xenófobas y nacionalistas, que amenazan con destruir todo lo creado tras el fin de las grandes guerras. Encerrado en su habitación y viendo cómo el tiempo corre, acuden en su ayuda los espíritus de figuras como Goethe, Dante o Vaclav Hável. Durante el tiempo que dura la obra, el escritor hace un repaso por los últimos acontecimientos políticos y culturales europeos en busca de la ansiada salida. Todo parece perdido, pero aún queda un rayo de esperanza… La obra invita a reflexionar sobre la búsqueda de soluciones a través del estudio de la historia. Desde Valencia, el monólogo visitará después Barcelona y Madrid antes de seguir su recorrido por otras capitales europeas.
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- Escrito por Marta S. Galindez
El escultor del hierro por excelencia falleció en Madrid a los 94 años de edad. Autor de algunas de las obras más improtantes del arte español de las últimas décadas, trabajó con pasión hasta el final de su vida.
Retrato de Martín Chirino en el año 2012. Foto de Javier Gavinet en diariodeavisos.com
“El arte auténtico es el que se trabaja con la materia de la pasión”. Estas palabras, pronunciadas por el escultor Martín Chirino hace tan solo un año, reflejan bien lo que eran para él el arte y la escultura. El escultor del hierro por excelencia, que insufló vida y movimiento a un material tan estático como el hierro, ha fallecido en su casa de Morata de Tajuña (Madrid) a los 94 años de edad. Durante los últimos meses y aquejado de una grave enfermedad, Chirino se limitó a crear a través del papel y el lápiz: su avanzada edad y delicado estado de salud no le permitían prender la forja, su auténtica pasión. Una obra final para setenta años de trayectoria creativa que le han convertido en uno de los artistas de referencia en el campo de la escultura abstracta, a nivel internacional. Su obra nunca perdió su esencia contemporánea y rompedora, siempre impregnada de un equilibrio sutil y una poesía intrínseca que entablaba un diálogo constante con el arte más transversal. Ese arte que rompe las fronteras entre figurativismo y abstracción, y apunta directo al corazón de quien lo contempla.
Vídeo de la exposición Martín Chrino, obras para una colección, celebrada en el CBA de Madrid en el año 2013
“El arte auténtico es el que se trabaja con la materia de la pasión”. Estas palabras, pronunciadas por el escultor Martín Chirino hace tan solo un año, reflejan bien lo que eran para él el arte y la escultura. El escultor del hierro por excelencia, que insufló vida y movimiento a un material tan estático como el hierro, ha fallecido en su casa de Morata de Tajuña (Madrid) a los 94 años de edad. Durante los últimos meses y aquejado de una grave enfermedad, Chirino se limitó a crear a través del papel y el lápiz: su avanzada edad y delicado estado de salud no le permitían prender la forja, su auténtica pasión. Una obra final para setenta años de trayectoria creativa que le han convertido en uno de los artistas de referencia en el campo de la escultura abstracta, a nivel internacional. Su obra nunca perdió su esencia contemporánea y rompedora, siempre impregnada de un equilibrio sutil y una poesía intrínseca que entablaba un diálogo constante con el arte más transversal. Ese arte que rompe las fronteras entre figurativismo y abstracción, y apunta directo al corazón de quien lo contempla.
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- Escrito por Marta S. Galindez
Escrita a dos manos por Cecilio de Oriol y José Lázaro, director de Ediciones Deliberar, "El alma de las mujeres" se adentra en el mundo femenino mediante una intensa correspondencia vía email.
Portada del libro “El alma de las mujeres” de Cecilio de Oriol y José Lázaro. (2017)
En un día como el 8 de marzo, toda literatura enfocada a penetrar en el mundo de la mujer se debe celebrar como un regalo. El libro El alma de las mujeres, destilado a partir de la correspondencia por email mantenida entre el profesor José Lázaro y el escritor novel Cecilio de Oriol, ofrece un nuevo punto de vista sobre un tema recurrente, pero no menos necesario. Y al mismo tiempo, descubre una nueva forma de hacer literatura. El escritor hizo llegar sus textos a José Lázaro, a través del correo electrónico: la respuesta de Lázaro no se hizo esperar, fascinado e intrigado por el aluvión de creatividad que desembarcó en su bandeja de entrada. La necesidad de editar el material propició la respuesta de Lázaro al mail de De Oriol, lo que desembocó en un cruce de emails que nos recuerda a las relaciones epistolares entre escritores de siglos pasados. Un género que podríamos llamar de nueva creación, y que ya ha sido bautizado como “neoepistolar”.
José Lázaro, autor del libro “El alma de las mujeres” junto con Cecilio de Oriol. En deliberar.es
Si bien el formato no puede ser más innovador, el contenido es una vuelta de tuerca más al tema de la esencia de la mujer (o “el alma”, como sugiere el título de la novela). El discurso se posiciona desde el principio a favor de la igualdad entre hombres y mujeres, con declaraciones arriesgadas y fundadas que siempre hacen hincapié en la equiparación entre ambos sexos: “la sensibilidad de las mujeres – lo mismo que la inteligencia, el sentimiento o la intuición – es exactamente igual que la de los hombres”. Pero al mismo tiempo, en las páginas del libro también encontramos otros conceptos que analizan diferencias, como por ejemplo la forma en la que hombres y mujeres alcanzan (o no) el amor a través del deseo, y viceversa. En la novela. estos temas se tratan a través del diálogo entre cuatro personajes, uno de los cuales (el protagonista principal) comparte nombre con el escritor Cecilio de Oriol. Feminista, divertido e innovador, “El alma de las mujeres” es sin duda un libro imprescindible en los tiempos que corren.
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- Escrito por Marta S. Galindez
“Opulent Ascension” es una gran escultura multicolor creada como homenaje a su hijo mayor, fallecido en accidente de coche a los 19 años. La obra forma parte de “Human”, una exposición de su obra coincidente con la Bienal.
Diseño para Opulent Ascension y panel del Tríptico de la Madonna, de Sean Scully. En news.artnet.com
2019 es año de Bienal. Los artistas más preeminentes y prestigiosos de la escena actual estarán en Venecia este año, con obras destinadas a atraer, enamorar o (incluso) escandalizar al público. Entre ellos figura un nombre fundamental en el arte de las últimas décadas: Sean Scully, el gran artista irlandés reconocido por su imprescindible aporte a la abstracción pictórica y plástica. Scully estará este año en la Ciudad de los Canales, pero no en cualquier lugar. Su última obra se expondrá en la Basilica de San Giorgio Maggiore, un magnífico enclave que forma parte de una abadía del siglo XVI y cuya espiritualidad crea un escenario inmejorable para sus obrasy. Muy especialmente para Opulent Ascension, una escultura a gran escala que deslumbrará al público bajo la espectacular cúpula renacentista de Andrea Palladio. La obra, una “escalera al cielo” creada mediante superposición de capas de fieltro multicolor, está inspirada en la historia de Jacob que aparece en el Antiguo Testamento y en la película “La escalera de Jacob” (1990). Imaginada como una conexión entre la tierra y el cielo, la obra se eleva hacia otra dimensión; en ella, el artista busca el recuerdo de su hijo desaparecido.
Retrato de Sean Scully frente a una de sus obras. Foto de Thomas Frey / Picture Alliance. Getty Images. En news.artnet.com
Aunque Opulent Ascension es la pieza más significativa de la muestra, no es la única. La exposición Human constará de varias obras situadas en distintos puntos del recinto religioso, invitando al público a conectar con el entorno y con el arte a través del mismo sentido místico. En realidad, la exposición empezó con una propuesta de los monjes benedictinos que rigen la abadía y la iglesia. Durante un encuentro fortuito con Sean Scully en Montserrat (Barcelona), unos representantes de la comunidad religiosa veneciana invitaron al artista a visitar su abadía… y este es el resultado. Javier Molins, comisario de Human, comentaba que “a los monjes de Venecia les encantó la espiritualidad de la obra de Scully. Él, por su parte, está muy emocionado con el proyecto”. En la muestra también se podrá admirar el Tríptico de la Madonna, una colorista composición figurativa en la que aparece su hijo pequeño, Oisin. A estas obras les acompañarán una selección de esculturas abstractas, más en la línea de lo que se suele esperar de la trayectoria del artista, y una nueva y sorprendente pieza: un manuscrito iluminado a la manera medieval, situado tras el altar mayor de la Basílica e inspirado en los libros creados por los monjes benedictinos hace más de cinco siglos. La exposición Human se podrá visitar desde el 11 de mayo hasta el 13 de octubre de 2019.
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- Escrito por Marta S. Galindez
David Hockney expone sus paisajes a gran escala en el Museo Van Gogh de Amsterdam y cumple un sueño largamente acariciado: compartir espacio con su artista de referencia.
Imagen de la exposición Hockney - Van Gogh, The Joy of Nature en el Museo Van Gogh. Foto de Jan-Kees Steenman. En livingit.euronews.com
David Hockney, el artista vivo más cotizado en la actualidad, acaba de recibir un regalo que no tiene precio. En el año 2018 el pintor recibió una oferta que no pudo rechazar: el Museo Van Gogh de Ámsterdam le propuso realizar una gran exposición de sus paisajes en ran formato, junto con algunas obras de su admirado Vincent Van Gogh. “Me sentí muy halagado”, comentó el artista recientemente, con ocasión de la inauguración de la muestra Hockney – Van Gogh: The Joy of Nature que se podrá visitar hasta el 26 de mayo de 2019. La selección de piezas reúne paisajes a gran escala pintados por el artista británico directamente de la naturaleza, junto con los óleos (mucho más pequeños) realizados por el pintor holandés. La diferencia entre ambas obras, además, también radica en la técnica: desde las poderosas pinceladas de Van Gogh hasta los “brochazos” de Hockney, plasmados directamente sobre el iPad e impresos después a gran escala, ha transcurrido más de un siglo de avances tecnológicos. Y aun así las obras dialogan entre sí con fluidez y conforman una muestra excepcional, que despierta nuevos puntos de vista en los cuadros de ambos artistas.
Tráiler sobre la exposición Hockney – Van Gogh: The joy of nature. Vía Museo Van Gogh
“Cualquier artista que te hable directamente es un artista contemporáneo. Van Gogh, para mí, lo es”, declaró David Hockney, que nunca ha ocultado una admiración sin límites por el pintor holandés, ni su clara influencia sobre su propia obra. El primer encuentro entre Hockney y Van Gogh tuvo lugar en 1954, cuando el inglés tenía tan solo 16 años y acababa de empezar sus estudios en la Escuela de Arte de Bradford. “Nunca había visto cuadros como esos antes. En la escuela, todo el mundo pintaba con grises”. El uso de los colores vibrantes es una de las características que hermana a ambos artistas, además de la pasión por pintar directamente de la naturaleza. Para la exposición, el museo ha seleccionado una serie de paisajes creados por Hockney durante un periodo de nueve años, en los cuales regresó a su Yorkshire natal (desde su ciudad adoptiva, Los Ángeles) para visitar a su madre. Fue su amigo Jonathan Silver, entonces enfermo terminal, quien le animó a retratar la campiña de su infancia. En la muestra Hockney - Van Gogh: The joy of nature se exponen obras como La llegada de la primavera en Woldgate, East Yorkshire en 2011 o La carretera a York a través Sledmere, ambas de David Hockney, junto con cuadros como La cosecha o El jardín del Hospital de Saint Paul, de Vincent Van Gogh.
