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- Escrito por Marta Sánchez
El cubismo en la cultura moderna es el primer MOOC sobre el movimiento artístico de vanguardia que se realiza en un museo. Las inscripciones permanecerán abiertas hasta el 17 de junio, pero el curso se repetirá en noviembre.
La guitarra sobre la mesa. Obra de Juan Gris perteneciente a la colección de Fundación Telefónica y Museo Reina Sofía.
En el año 2016, la Fundación Telefónica sumó fuerzas con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía para crear una de las colección de arte cubista más importantes del mundo. La fundación cedió su colección al museo por un plazo de cinco años renovable, acontecimiento celebrado y difundido a través de la exposición Cubismo(s) y experiencias de la modernidad que actualmente se puede visitar en el museo. Siguiendo con esta apuesta de difusión, este mes se abre la inscripción al MOOC El cubismo en la cultura moderna, el primer curso online masivo y gratuito que se imparte sobre esta corriente artística en un museo. El curso tiene una duración de cinco semanas, se imparte totalmente de forma online y está creado con material de la máxima calidad, procedente de ambas instituciones. El propósito del curso es hacer un análisis del movimiento cubista, el más importante e influyente de las vanguardias artísticas del siglo XX, y reconocer su influencia en el arte y la sociedad posterior. El punto de partida elegido para diseñar el curso es el paralelismo entre los cambios sociales y tecnológicos de principios del siglo XX y los que vivimos en la actualidad; en ambos casos, se trata de momentos históricos en los cuales los avances de industria han derivado en profundos cambios culturales.
Presentación del curso El cubismo en la cultura moderna
Para la creación del material formativo, accesible a través de internet a todas las personas que se matriculen en el curso, se ha apostado por los estándares de calidad más elevados. El curso lo ha desarrollado el actual jefe de actividades culturales del Reina Sofía, Chema González, con la colaboración de Laura Fernández Orgaz (responsable de Colecciones e Itinerancias de la Fundación Telefónica) y el profesor de la Universitat Oberta de Catalunya Joan Campàs Montaner. En el diseño también ha intervenido el equipo de Colecciones de la Fundación Telefónica, mientras que la presentación del curso la realiza el escritor Alberto Chessa. La formación está dividida en cuatro secciones o módulos: Una época revolucionaria, La ruptura de la mirada: Picasso y Braque, Cubismo y vanguardia y Los otros cubismos, además de una Conclusión en la que se analiza la presencia e influencia de los planteamientos cubistas en la actualidad. Para cursar la formación, los alumnos deberán descargarse el material y realizar los test y las actividades, siempre de acuerdo a la metodología MOOC. Con esta iniciativa, el Museo Reina Sofía y la Fundación Telefónica abren una vía fascinante a la cultura abierta y la difusión del arte.
“Fabulosas y rebeldes”. Joana Bonet rinde homenaje a las figuras femeninas que influyeron en su vida
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- Escrito por Marta Sánchez
El subtítulo de este libro, “Cómo me hice mujer”, no deja lugar a dudas. Joana Bonet repasa las vidas y la obra de grandes mujeres de la historia moderna que influyeron en su propia identidad.
Cubierta de Fabulosas y Rebeldes. Cómo me hice mujer (2019). Joana Bonet. Ediciones Destino
Íntimo y difícil de clasificar, el último libro de la escritora y periodista Joana Bonet es una auténtica elegía a la fuerza de la mujer. Fabulosas y rebeldes. Cómo me hice mujer (Ediciones Destino) es una amalgama de los sentimientos, opiniones, referentes, recuerdos y deseos de la autora, a través de los y las cuales traza un sutil camino hacia su propia identidad femenina. El libro comienza con sus recuerdos de infancia: el pequeño pueblo donde transcurrió, la granja de su familia (con todos los horrores que despiertan algunas prácticas en una niña sensible, como la matanza del cerdo o la muerte de los animales por el calor), sus lecturas incansables, a veces nocturnas; la música, siempre presente en su entorno familiar… A partir de ese punto, la autora prosigue con sus recuerdos a modo de prólogo para hablar sobre cuarenta mujeres que influyeron, directa o indirectamente, en la forja de su personalidad. La pasión por las figuras femeninas que invadieron en su momento campos eminentemente masculinos, como la literatura, está arraigada en Joana Bonet desde la infancia. En el libro lo describe así: “Me interrogaba acerca de aquellas pioneras que habían desafiado el destino aun viviendo aisladas, y entonces, me convencía de que mi pequeño mundo dejaba de ser un lastre, tan solo representaba una circunstancia pasajera, una cárcel de oro que me permitía leer, pensar, sentir, hablar conmigo misma durante horas porque casi todos los juegos me aburrían.”
Joana Bonet en Gent de Paraula (2013). En RTVE.es
Los capítulos del libro desgranan las vidas y las obras de todo tipo de personalidades influyentes, cuyas trayectorias abarcan distintos campos sociales, artísticos o políticos. Encontramos páginas dedicadas a artistas, como Louise Bourgeois o Maruja Mallo; músicas como Patty Smith o Nina Simone; mujeres “detrás del hombre”, como Gala Dalí, Vera Nabokov o Zenobia Camprubí; figuras del espectáculo como Lola Flores, o filántropas como Peggy Guggenheim. Así, hasta cuarenta nombres: mujeres que por distintos motivos y con distintos medios destacaron por méritos propios, por encima del omnipresente patriarcado. Y es que el feminismo es un ingrediente fundamental para entender este libro. En este sentido, Bonet destaca a las mujeres (conocidas o anónimas) que hicieron posible su arraigo en las sociedades actuales: “Hoy el feminismo avanza a nivel mundial y parece que ha arraigado con fuerza en la juventud universitaria y también en la sindicalista. Es evidente que ha ganado la batalla de la opinión pública. Pero detrás del titular se esconden miles de vidas de mujeres que pisaron a contracorriente.”
Fabulosas y Rebeldes. Cómo me hice mujer disponible en Amazon
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- Escrito por Marta Sánchez
El escritor presentó su última novela en la Feria del Libro de Madrid. El título hace referencia a una obra (ficticia) que se nombra en el texto, y está inspirado a su vez en un verso del poeta Luis Cernuda.
Retrato de Gustavo Martín Garzo y carátula de La rama que no existe (2018). Editorial Planeta de Libros. En lavozdegalicia.es
“La necesidad del arte surge del miedo a que la vida deje de decirte cosas. A que no tenga sentido”. Con estas hermosas palabras, Gustavo Martín Garzo nos introduce de lleno en la que es su última novela: La rama que no existe, un texto que crea una figura de ficción a partir de un personaje real. El protagonista, Eduardo Blanchard, es un sobrino (ficticio) de la pintora María Blanchard, una de las artistas de vanguardia más importantes de la pintura española. El escritor nos lo presenta retirado del mundo y del arte, habitando uno de los parajes más bellos y melancólicos de la cornisa cantábrica: las Marismas de Oyambre, cercanas a la Santander natal de la pintora. La trama funde el arte con la vida; las historias cotidianas, con las más trágicas; el amor, con el desengaño. Y lo hace mediante una sutil sucesión e interacción de historias protagonizadas por tres personajes. Además de Eduardo Blanchard, en la novela aparecen también las figuras de Claudia (una profesora de instituto que vive una breve e intensa historia de amor con el pintor) y el narrador, amigo y compañero de trabajo de Claudia, y enamorado de ella en secreto en el pasado. De la pasión entre Blanchard y Claudia irá surgiendo el trágico pasado del artista, que se refleja en sus pinturas.
Gustavo Martín Garzo en la presentación del libro durante la Feria del Libro de León. Vía Leonoticias DiarioDigital
“Precisamente es una de las obras de Eduardo Blanchard la que da nombre al libro. A su vez, su título se remite al poema de Luis Cernuda No decía palabras, perteneciente al poemario Los placeres prohibidos. “No decía palabras, / acercaba tan sólo un cuerpo interrogante, /porque ignoraba que el deseo es una pregunta / cuya respuesta no existe, / una hoja cuya rama no existe, / un mundo cuyo cielo no existe” . La presencia del arte se convierte en uno de los hilos alrededor se teje la trama; pero no un arte cualquiera, meramente decorativo, sino ese arte que “no hablaba de lo que teníamos, sino de lo que nos faltaba”. Del arte que busca reflejar “una belleza que tenía que ver con la oscuridad del mundo y de nuestro corazón”. La voz del narrador de la historia trabaja desde el recuerdo: nos cuenta trazos de algo que sucedió entre dos personas, desde el punto de vista subjetivo de alguien que deseó a una de las dos. Y es en esos recuerdos en los que se va desvelando la relación entre Eduardo y Claudia, a través de la cual Martín Garzo nos adentra en la zona cero del amor y el desamor; de la soledad, y de su reflejo en el arte.
La rama que no existe disponible en Amazon
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- Escrito por Marta Sánchez
Bajo el nombre de Estancias, Cuerpos, Palabras, la exposición reúne más de un centenar de obras del artista norteamericano, que demuestran la capacidad multidisciplinar de un creador singular e inclasificable.
Doble dedo en el ojo II (1985). Tubo de neón montado sobre monolito de aluminio. Obra de Bruce Nauman en museopicassomalaga.org
La obra de Bruce Nauman resulta fundamental para comprender la evolución del arte de las últimas décadas. Multidisciplinar como pocos, creador incansable, destructor de fronteras entre campos artísticos e interpelador directo frente al espectador, Nauman ha trabajado con todo tipo de materiales y técnicas para crear un corpus de obra coherente, significativo y sólido. En su programación de 2019, el Museo Picasso de Málaga inaugura como propuesta “estrella” la mayor retrospectiva sobre el artista organizada en España en los últimos 25 años. Estancias, Cuerpos, Palabras agrupa y organiza más de cien obras de gran formato, para cuya exhibición ha sido necesario reacondicionar algunas de las salas del museo. La exposición ha sido comisariada por José Lebrero Stals, director artístico del Museo Picasso Málaga, en colaboración con Eugen Blume. Entre 2001 y 2016 Blume ejerció la dirección del Museo de Arte Contemporáneo Hamburger Banhof de Berlín, que acoge una importante cantidad de obras del artista; es, sin duda, un experto de referencia el trabajo de Nauman.
Habitación amarilla (triangular) (1973) Instalación de Bruce Nauman. En europasur.es
El trabajo de Bruce Nauman hace hincapié en el proceso creativo y en su relación con el entorno, más que en el resultado final. Por esta razón, en muchas ocasiones ha sido etiquetado como “artista conceptual”, una definición parcial que en modo alguno abarca todas las lecturas de su obra. Nauman incluye en sus piezas referencias a todo tipo de disciplinas artísticas, desde las artes escénicas y el movimiento hasta la literatura o la música. La filosofía está también muy presente en su proceso creativo, concretamente el pensamiento del filósofo alemán Ludwig Wittgenstein (figura clave de la filosofía analítica, centrada en el lenguaje verbal), así como las matemáticas y su traducción a las leyes de la naturaleza. Con estos mimbres, Nauman genera obras reflexivas e impactantes que siempre esperan (y merecen) una segunda visión en profundidad. La exposición del Museo Picasso es, en este sentido, una estupenda oportunidad para descubrir o redescubrir al artista y su trabajo, siendo además la primera retrospectiva sobre un artista vivo que organiza el museo desde el año 2012. Como paso previo a la exposición, que permanecerá abierta entre el 17 de junio y el 1 de septiembre de 2019, invitamos a visitar este artículo para profundizar en la biografía, obras y exposiciones de Bruce Nauman.
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- Escrito por Marta Sánchez
Tras una exhaustiva labor de investigación, el museo inaugura la muestra Zuloaga 1870-1945. Una impresionante selección de cien pinturas con sesenta piezas inéditas, que refleja la maestría de un artista polémico.
La víctima de la fiesta (1910). Pintura de Ignacio Zuloaga perteneciente a la Hispanic Society of America.
Actualmente cedida en depósito al Museo de Bellas Artes de Bilbao. En museobilbao.com
Ignacio Zuloaga (1870-1945) es uno de los pintores más populares de la escuela realista y naturalista española, vigente entre finales del siglo XIX y principios del XX. Su obra es muy vasta y abarca temáticas como las escenas costumbristas y el retrato. Es uno de los raros casos del artista que triunfa en vida y mantiene su éxito después de la muerte, siendo admirado en su época por intelectuales de la talla de Miguel de Unamuno. El Museo de Bellas Artes de Bilbao inaugura esta temporada la exposición Ignacio Zuloaga 1870 – 1945, una gran retrospectiva con un centenar de pinturas que incluye sesenta piezas nunca expuestas antes. La muestra pretende alcanzar un doble objetivo: exponer las obras en conjunto para dar una visión global del mundo creativo del pintor, y “reconciliar” al público con un artista cuya posición ideológica ha influido permanentemente en la apreciación de su obra. Aplaudido como artista y puesto en entredicho por su apoyo al franquismo, la exposición permite admirar la calidad de su pintura dejando aparte aspectos externos. En la muestra, el museo ha decidido no exponer las obras que el pintor realizó como iconos del franquismo: su poca relevancia artística y la posible distorsión que pudieran generar en el conjunto global han sido las razones de esta decisión.
Recorrido por la exposición Zuloaga 1870-1945. Vía Europa Press.
Entre las obras más populares de Ignacio Zuloaga destacan, sin duda, sus pinturas costumbristas. En línea con el realismo social de la época, el pintor nunca renunció a mostrar la realidad en toda su crudeza: en sus lienzos aparecen personajes extraídos directamente de la “España profunda” de la época, testigos de un país claramente subdesarrollado que había dejado atrás las glorias pasadas. Por otra parte, la muestra también expone brillantes retratos de la alta sociedad y la política, como el magnífico Retrato de la Señora de Garay o el que refleja a la propia familia del pintor. Según Miguel Zugaza, director del museo, la exposición refleja su “brillante trayectoria autodidacta, su excepcionalidad como retratista de personas y perros, y se analizan sus coqueteos con el franquismo”. En relación con este polémico tema, la exposición no renuncia a mostrar las obras encargadas al pintor por personalidades del fascismo: Ignacio Zuloaga se adhiere al levantamiento franquista desde sus inicios y trabaja como propagandista del movimiento, retratando a Franco y a su familia. También realiza encargos para líderes fascistas, como Hitler y Mussolini. Según Mikel Lertxundi, el historiador que ha realizado la investigación previa junto con Javier Novo González, la obra de Zuloaga no fue objeto de manipulación ni utilización. “Cuando pinta a Franco en 1941 […] lo hae porque quiere, en beneficio propio”. Consideraciones ideológicas aparte, la exposición del Museo de Bellas Artes de Bilbao es una excelente oportunidad para descubrir y admirar a uno de los pintores realistas más brillantes del arte español de todos los tiempos.
