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- Escrito por Marta Sánchez
Es una exposición antológica, y al mismo tiempo, no lo es. La muestra Memorándum, organizada por el Museo de la Universidad de Navarra, no es un simple recorrido por la obra de artista Luis Gordillo: es un viaje por la “cocina” donde se prepara su arte.
Luis Gordillo en la muestra Memorándum. En rtve.es
Es una exposición antológica, y al mismo tiempo, no lo es. La muestra Memorándum, organizada por el Museo de la Universidad de Navarra, no es un simple recorrido por la obra de artista Luis Gordillo: es un viaje por la “cocina” donde se prepara su arte. Así la ha definido su comisario, Sema D’Acosta, que ha trabajado con el artista codo con codo para lograr el impresionante resultado que se puede visitar actualmente en todas las salas del Museo. La exposición es, en palabras de Luis Gordillo, la más importante que se ha hecho sobre su obra en lo que llevamos del segundo milenio. En ella, sus obras de otras décadas conviven de forma activa con sus últimos trabajos, realizados en tiempos de confinamiento y pandemia; algunos de ellos, como Paolo Ucello Four, finalizados este 2021. ,
Paolo Uccello Four, (2020). Luis Gordillo
La exposición se articula en seis secciones, distribuidas por todos los espacios del centro. Cada sección está dedicada a un campo de investigación característico del trabajo de Gordillo muchos de ellos, transversales a toda su trayectoria: Caras-Carotas, Pinturas Expandidas, Pintura Horizontal/Pintura Vertical, Periodo de Confinamiento y División Fragmentaria. Toda una vida de arte aglutinada en el MUN, con la pintura como protagonista de excepción. En palabras del propio artista: “la pintura es […] una manera de relacionarse con el mundo y, en el fondo, eso es la religión. Es una cosa que te llena la vida, que te relaciona con la naturaleza”.
Luis Gordillo y Sema D’Acosta, artista y comisario, presentan y comentan la muestra Memorándum, inaugurada en el Museo de la Universidad de Navarra.
La obra de Luis Gordillo habla por sí sola. Extensa, analítica, evolutiva, inquieta e inabarcable, cubre gran parte del siglo XX y todo el comienzo del XXI. Desde sus inicios en París, donde residió a principios de los años 60, hasta su última obra (recién finalizada), su trabajo muestra una coherencia y una brillantez que le han ganado el respeto y la admiración de crítica y público.
Imagen de la exposición "Memorándum" en el Museo de la Universidad de Navarra
Precisamente, el carácter inquieto y cambiante de la obra de Gordillo invita a comprender el peculiar punto de vista elegido por Sema D’Acosta a la hora de organizar la exposición. Huyendo de la clásica retrospectiva cronológica, Memorándum desentraña el mecanismo creativo del artista a través de sus cientos de “papelotes” (como los define el propio Luis Gordillo) y cuadernos preparatorios, expuestos en vitrinas. Para D’Acosta, “esa parte es fundamental, es la parte de cocina, del taller”. Y según el propio Gordillo: “Es la parte que está más cerca de la vida”.
Imagen de la exposición "Memorándum" en el Museo de la Universidad de Navarra
El artista confiesa que ha sido organizada “a capricho”; tanto él como el comisario no dudan en destacar la cualidad didáctica de la muestra. Porque además de mostrar un amplísimo panorama de la obra de Luis Gordillo y de acercar su obra a Navarra (cerca del setenta por ciento de las piezas no habían sido expuestas jamás en la Comunidad), el Museo de la Universidad de Navarra hace gala de su carácter investigador y desvela sin pudor el proceso de trabajo, del día a día en el taller del artista. La muestra se podrá visitar en el MUN hasta el 12 de septiembre de 2021.
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Cirujía esquimal (2006). Luis Gordillo
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- Escrito por Marta Sánchez
La trilogía de Lucio Anneo Séneca invita a reflexionar sobre la manera en la que vivimos, el tiempo que disfrutamos y el que perdemos. Este libro reúne tres tratados imprescindibles, que han marcado el pensamiento de otros grandes de la filosofía.
Cubierta del libro Sobre la brevedad de la vida, el ocio y la felicidad. Ed. Acantilado, 2013.
“No tenemos poco tiempo, sino que perdemos mucho”. Esta frase, tan escueta como demoledora, marca los tres volúmenes que conforman Sobre la brevedad de la vida, el ocio y la felicidad (Ed. Acantilado, 2013). El libro reúne tres de los tratados imprescindibles escritos por el filósofo Lucio Anneo Séneca y los edita con una magnífica traducción de Eduardo Gil Bera, en una publicación esencial que no ha perdido vigencia a lo largo de los siglos. En el libro encontramos los tratados De brevitate vitae (año 49), De vita beata (circa 58) y De otio (circa 62). En los tres, el filósofo interpela directamente al lector y resalta cuestiones que le sorprenden y le indignan. El objetivo de las obras es evidente: reprochar a los seres humanos su poco interés por vivir vidas plenas, dedicando el exiguo tiempo de que disponen a metas tan banales como la consecución de fortuna y riquezas, la protección de las posesiones o el asalto al poder. El filósofo entra en la cuestión de forma directa, desde el primer capítulo del primer volumen (dedicado a la brevedad de la vida), y lo hace con sentencias brillantes: “No dudo de la verdad de la aseveración, dicha a modo de oráculo, del máximo de los poetas: ‘Es exigua la parte de vida que vivimos’. En verdad, todo el espacio restante no es vida, sino tiempo”.
Estatua de Séneca en Córdoba, obra de Amadeo Ruiz Olmos. En wikipedia
Séneca dedica las páginas de los volúmenes a poner al lector, literalmente, ante las cuerdas. Con el objetivo de hacer “despertar” al género humano de su abandono y su molicie, en el primer volumen invita a los ancianos a reflexionar sobre cómo ha sido su vida. Cuánto de esa vida ha sido realmente día, y cuánto simplemente, “tiempo”. En este párrafo magistral, el filósofo sugiere: “Haz memoria de cuándo estuviste seguro de tu propósito, cuántos días se desarrollaron como los habías programado, cuándo dispusiste de ti mismo, cuándo permaneció tu rostro inmutable y tu ánimo indemne, qué has hecho en tan largo tiempo, cuántos saquearon tu vida sin que sintieras la pérdida, cuánto se llevó el dolor vano, la alegría estúpida, el ávido deseo, los cumplidos, y qué poco ha quedado de lo tuyo. Comprenderás que mueres antes de tiempo.” Frente a quienes se quejan de lo corta que es la vida, él rebate que no lo es; simplemente, no la aprovechamos lo suficiente. Los otros dos libros invitan a luchar contra ese concepto de brevedad, animando al lector a sacar chispas a su tiempo mediante la búsqueda del conocimiento y la quietud. Como indica Fermín Herrero en la reseña publicada en El Norte de Castilla, Séneca nos anima a buscar “el camino a la renuncia y la aceptación que, desde la quietud, alcance a discernir, a vislumbrar al menos, la verdad”.
Sobre la brevedad de la vida, el ocio y la felicidad (Acantilado) disponible en Amazon
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- Escrito por Marta Sánchez
Las subastas y los grandes museos occidentales dirigen su mirada hacia el arte emergente africano, dando visibilidad a nuevos y potentes artistas como Aboudia.
El artista Aboudia (Abdoulaye Diarrassouba) frente a una de sus obras. Vía trueafrica.co.
A principios del siglo XX, el arte procedente de África despertó un enorme interés en las vanguardias artísticas europeas. Desde el movimiento Dadá, que empleaba las máscaras africanas como inspiración para sus performances (y cuyos integrantes eran apasionados coleccionistas de estos objetos), hasta la obra de artistas de renombre mundial como Pablo Picasso, las corrientes plásticas del siglo XX no hubieran sido lo mismo sin la influencia del arte llegado del continente africano. Actualmente, este interés experimenta un poderoso renacer; si bien en este caso el objeto de deseo no es el arte étnico, sino el contemporáneo. Las obras de los jóvenes artistas africanos pugnan por hacerse un lugar en los grandes museos, que empiezan a colocarlas en el punto de mira de sus adquisiciones.
Go, 2019. Aboudia Diarrassouba
Las redes sociales, con Instragram a la cabeza, son las máximas responsables de la difusión de este soberbio imaginario. Entre otros artistas emergentes como Portia Zavavahera, Cyrus Karibu o Aya Tarek, o consolidados como Chéri Samba, Raymond Tsham Mateng, Pierre Bodo, el nombre de Aboudia destaca por su potencia. Aboudia es el nom de guerre de Abdoulaye Diarrassouba, nacido en Costa de Marfil en 1983 y que actualmente divide su vida y su trabajo entre sus estudios de Nueva York y Abiyán, su ciudad natal. Con una imagen en redes tan intensa como polémica, sus grandes lienzos guardan una evidente relación con la obra de Jean-Michel Basquiat, de la cual heredan el rotundo trazo expresionista, la conciencia de raza y un magistral uso del color.
Aboudia habla sobre su obra para la Ethan Cohen Gallery de Nueva York, con motivo de la exposición celebrada en el año 2015. Vía efca.com.
El éxito de la obra de Aboudia ha sido un punto de inflexión en la vida del joven creador. Aboudia ha sabido expresar de forma contemporánea el horror de la guerra vivida en su país, Costa de Marfil: durante la contienda, el artista sobrevivió a la violencia convirtiendo el sótano en el que se ocultó en su propio estudio de arte.
Aboudia -Trois amis III. Artsy
En una entrevista realizada por trueafrica.co, Aboudia deja clara que su atracción por el arte no es en absoluto sobrevenida. “Nací con pasión por el arte y empecé a pintar a una edad muy temprana. Por lo tanto, siempre he sido artista”. El pintor también señala que una de sus influencias fundamentales son los grafitis que realizan los niños y adolescentes en las calles de los distritos de Abobo, Yopougon y Treichville de Abiyán (capital de Costa de Marfil, donde el artista se crio). Si bien la guerra civil ejerció una poderosa influencia en los lienzos del Aboudia, según sus propias palabras esa etapa ya forma parte del pasado: “una vez terminada la guerra he vuelto a mi inspiración original: los chicos de las calles de Abiyán”. Actualmente su obra forma parte de colecciones tan importantes como la de la Galería Saatchi (Nueva York) o la Frank Cohen Collection (Londres). En el mercado de las subastas, en los últimos años algunas de sus pinturas han alcanzado precios cercanos a los 100.000 dólares.
Aboudia -L’aventurier II
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- Escrito por Marta Sánchez
En un texto en el que la prosa lee como verso (y viceversa), el escritor se mete en la piel del artista y su entorno personal, haciendo estallar la luz de sus cuadros en cada página.
Cubierta del libro Vivir con el corazón (Ed. La Huerta Grande) y retrato de Javier Santiso en El país.com.
Desde la primera página de Vivir con el corazón (La Huerta Grande, 2021), Javier Santiso desboca su prosa en un alud desenfrenado de frases e imágenes, separadas por comas. Al lector le queda, por tanto, bien claro que la intención del escritor y poeta no es crear una novela al uso; mucho menos, una biografía del famosísimo pintor preimpresionista. Al contrario, el libro de Santiso busca introducirse en los lienzos de Van Gogh y penetrar debajo de su piel. Y lo hace a través de ocho episodios, en los que disecciona su vida y obra a través de “historias minúsculas” sobre la relación del artista con otras personas a las que amó. El primer capítulo se centra en el propio pintor, indagando en el alma perdida de un hombre que visitaba su propia tumba. En realidad, se trataba de la de un hermano gemelo muerto al nacer, al que se enterró con su mismo nombre. “Ese hermano que nace y muere al mismo tiempo con un año de distancia, lleva también el mismo nombre que él”. A partir de este hecho, las páginas del ibro nos empujan de lleno en la personalidad y la vorágine de pensamientos del Van Gogh ficticio, un personaje recreado por el escritor que sentimos muy próximo al real. La avalancha de imágenes visuales y literarias, tan característica de la lírica, permite al escritor recrear un universo personal equivalente al imaginario pictórico del protagonista de la novela: un despliegue de colores, formas, paisajes, animales y figuras simbólicas, que la calidad de la escritura de Santiso hace visibles a través de la palabra impresa.
Posible retrato de Vincent van Gogh (tercera figura por la izquierda) con Paul Gaugin y Émile Bernard, entre otros. Realizada por Jule Antoine. En news.artnet.com
“Vincent siempre quiso algo más, quería hacer bailar las flores, escribir lo imposible sobre la pared verde del viento, iluminar, vivir con el corazón”. Esta frase refleja el objetivo de la novela, la primera publicada por un escritor acostumbrado a reflejar belleza y alma a través de la poesía. Santiso se reencarna en Vincent e imagina sus momentos de ansiedad y de vibración; de inspiración, pero también de confusión. Entre líneas, el escritor nos va dando inteligentes pinceladas (nunca mejor dicho) de la realidad del artista, un hombre atormentado que solo podía descargar su sufrimiento en el arte, el alcohol y los excesos. Nos cuenta cómo el alcohol presente en la absenta, la bebida bohemia por excelencia a la que era aficionado, provocaba visiones en su mente que creaban “halos de colores”. Y cómo el doctor Gachet, protagonista de uno de los retratos más famosos y cotizados de la historia del arte, le proporcionaba dedalera y santonina para controlar sus “erupciones volcánicas”. Los siguientes capítulos, escritos a través de personajes como su hermano Theo o su cartero, Joseph Roulin, siguen la misma dinámica. Tal y como comenta el escritor en una reciente entrevista a El País, “el libro surge como una riada, de manera descontrolada en el verano mágico de 2019, después de leer la ópera verbal que despliega [Pierre] Michon en 'Rimbaud el hijo' y que me dejó descolocado”. En definitiva, nos encontramos con una novela deslumbrante y arrolladora, que refleja como ninguna los colores siempre en movimiento y la luz profunda de los lienzos de Van Gogh. En palabras del escritor: “Vincent quiere más, quiere mucho más, quiere vivir con el corazón, que le operen a cielo abierto, que los columpios sigan jugando en sus ojos”.
Vivir con el corazón (La Huerta Grande) disponible en Amazon
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- Escrito por Marta Sánchez
El médico y antropólogo ha sido galardonado con el premio por su llamamiento a mejorar los sistemas sanitarios públicos y su apuesta por “tratar la salud como uno de los derechos humanos”.
El Dr. Paul Farmer, Co-Fundador de Partners in Health y galardonado con el Premio Berggruen 2020. Vía Nytimes.com.
El premio Berggruen se otorga desde el año 2016 a hombres y mujeres cuyas ideas “han moldeado profundamente el autoconocimiento y el progreso del ser humano, en un mundo en constante cambio”. Este año 2020 el galardón ha sido concedido al Dr. Paul Farmer, médico especializado en enfermedades infecciosas y antropólogo cuya labor se distingue por la defensa del ejercicio de la sanidad como derecho innato del ser humano. La crisis sanitaria y social causada por el coronavirus ha vuelto a demostrar la desigualdad que afecta a las comunidades con menos recursos, algo que el Dr. Farmer ha dedicado su vida a denunciar. Según Amy Gutmann, miembro del jurado y presidenta de la Universidad de Pennsylvania, “el llamamiento del Dr. Farmer a mejorar los sistemas sanitarios públicos no es solo una cuestión científica, sino también política, económica y ética. En esta crisis, al igual en que las precedentes, nuestro conocimiento sobrepasa con creces nuestra voluntad de poner soluciones eficaces en acción”. El prestigioso galardón fue creado en el año 2016 y es otorgado cada año por el Berggruen Institute, una institución co-fundada por Nicolas Berggruen, filántropo e impulsor de proyectos relacionados con la mejora de las condiciones de vida en las sociedade humanas. Creado en 2019, su función es “investigar maneras de moldear las instituciones políticas y sociales frente a las grandes transformaciones que experimenta hoy nuestro mundo”.
El Dr. Paul Farmer habla sobre la elevada mortalidad causada por la COVID-19 en EEUU, calificándola como un efecto de “décadas de ausencia de inversión en sanidad pública y siglos de desigualdad social”. Vía Democracy Now!
La labor del Dr. Paul Farmer es, en este sentido, paradigmática. Es uno de los fundadores de Partners in Health, una organización sin ánimo de lucro cuyo objetivo es demostrar la eficacia de la aplicación de sistemas sanitarios de calidad en comunidades con pocos recursos. Trabaja como profesor de la Kolokotrones University y es Jefe del Departamento de Salud Global y Medicina Social de la Harvard Medical School, y Jefe de la División de Igualdad de Salud Global en el Women’s Hospital de Boston. Su trabajo ha contribuido a desarrollar tratamientos para pandemias como el Ébola, el SIDA o la tuberculosis en lo que él califica como “desiertos clínicos”: Ruanda, Haití o Perú, especialmente. Este año, su labor en defensa de la necesidad de implantar sistemas sanitarios públicos de calidad durante la pandemia le ha hecho merecedor del premio. De hecho, junto con sus colegas de Partners in Health fue el encargado de diseñar e implementar la respuesta frente a la COVID-19 del Estado de Massachusetts, una acción que por su eficacia fue replicada después en otros doce estados. Según Nicolas Berggruen, “como pensador y con su involucración directa, el Dr. Paul Farmer ha conectado la articulación filosófica de los derechos humanos con la defensa de la salud”. El galardón, dotado con un millón de dólares, reconoce una vez más la magnífica labor del médico y antropólogo, desarrollada durante cerca de 30 años en comunidades con recursos mínimos (ubicadas sobre todo en Haití y África Occidental) y que le ha llevado a publicar un total de doce libros.
