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- Escrito por Maira Herrero
Lygia Clark: The Abandonment of Art, 1940-1988. MoMA. Nueva York.
“ Se trata de desafiar las narrativas canónicas con la intrusión de objetos diferentes”
Así entiende el arte, el conservador jefe de Arte de América Latina del MoMA, Luis Enrique Pérez-Oramas. Y así lo recoge la exposición de la brasileña Lygia Clark que recorre las distintas formas de la artista de entender el arte a lo largo de los años y que le han convertido en una de las figuras centrales del arte Latinoamericano del siglo XX.
Los primeros años del trabajo de Lygia Clark quedan enmarcados dentro de la corriente de la abstracción geométrica, con la que rompió años mas tarde para pasar a formar parte del grupo de artistas brasileños que firmaron el manifiesto Neoconcreto (1959), como respuesta al exacerbado racionalismo en el arte en los años anteriores a la Segunda Guerra Mundial. Buscan la recuperación del aura en la obra de arte, el regreso a las intenciones expresivas, la recuperación de la subjetividad y un intento de renovación del lenguaje dentro de la máxima “sin emoción el Arte es precario”.
Solo unos meses después de la firma del manifiesto se distancia del grupo y comienza a repensar la obra de arte en su relación con una participación activa del espectador. Para ello requiere redefinir la percepción, la exhibición, la comunicación y las estructura. Una ruptura con la obra de arte definida y acabada. Clack busca revitalizar la noción del objeto artístico autónomo. La pintura se emancipa desdoblándose en objeto, se transforma en cosa.
La exposición comienza con sus primeros trabajos que se enmarcan en el territorio formal de la abstracción , pero poco a poco su pintura va transformándose y convirtiéndose en cuerpo. Se independiza y las formas conquistan el espacio de manera decisiva para luego romper con la distancia entre el espectador y la obra, e interpelarle como una nueva forma de desafío del mundo inorgánico frente al orgánico. Aparecen las “líneas orgánicas”, esas líneas que agrietan el cuerpo de la pintura, esas líneas de ruptura. Busca la emancipación de la pintura de sus marcos convencionales, “la pintura cae al suelo”. Cuerpos que interactúan con otros cuerpos.
En 1961 comienza a crear , los denominados Bichos, unas placas de aluminio, acero inoxidable, y metal pulido, articuladas por bisagras. Son construcciones hecha de varios planos, que no se define escultóricamente por una masa determinada, como tampoco por una base o pedestal, son organismos vivo y activo con el que el espectador puede interactuar. El MOMA los presenta sin protección alguna para que el visitante pueda aproximarse e imaginar las multiplicidad de formas que ofrece la obra.
Entre 1964 y 1965 se produce un momento critico en su trabajo creativo. Su obra “Caminando” , una de las más representativa de su producción, plantea nuevas vías de entendimiento. La obra es su propia acción, es la fusión con el espectador. El interés por la forma, se concreta en la banda de Moebius y sus implicaciones, lo que esa forma puede hacer. Es la cinta o banda en la que no existe discontinuidad entre dentro y fuera, entre interior y exterior. La acción de “Caminando”, consiste en que el espectador corte un trozo de papel en forma de cinta de Moebius hasta llegar a hacer una línea finísima que se convierte en lo que podríamos llamar una línea residual, que a su vez se transforma en “el resto” de la acción, es decir, en “la obra es su propia acción”, el descubrimiento de esa línea orgánica que tanto fascina a la brasileña. “Caminando” es una de las piezas centrales en el trabajo de Clark y de esto modo lo han entendido los comisarios de la muestra, dejando que los visitantes se acerca a la obra, pero solo los más atrevidos responden a la intención de la artista.
En 1966 un accidente de automóvil dejo a Lygia con una mano inutilizada por una fractura en la mañeca, y el envoltorio que protegen el hueso roto le sirve de disculpa para crear una pieza con una bolsa de plástico transparente que llena de aire y una piedra que coloca en la bolsa. Este es el primer objeto relacional que describe en un texto importantísimo para entender esta etapa de su vida: “Para descubrir el sentido de nuestros gestos rutinarios”.
La exposición reúne mas de trescientas obras, procedentes de Museos y colecciones privadas de todo el mundo y son tantas cosas las que se podrían decir de esta artista plástica brasileña que creo que sería interesante indagar a fondo sobre su trabajo y su manera de entender el arte. En 1997 la Fundación Antoni Tapies le dedicó una exposición y la Fundación Juan March en 2011 presentó algunos de sus trabajos en la exposición América fría, “La abstracción Geométrica en Latinoamérica (1934-1973)”.
La exposición nos hunde en una reflexión sobre el papel del espectador y su transformación de mero receptor pasivo de una obra cerrada a su intervención activa, interpretándola, manipulándola e incluso formando parte físicamente de su composición. Una pluralidad de significados que convergen en un solo significantes, para crear una nueva percepción estética.
Lygia Clark (Bel Horizonte, 1920-Río de Janeiro, 1988). Se formo en Río de Janeiro y París y después de pasar por la abstracción, formo parte del Grupo Frente y más tarde fue una de las firmantes del manifiesto del Neo-Concretismo, a partir de 1960 desarrolló su faceta mas creativa buscando la interacción de la obra con el espectador. Actualmente es considerada una referencia en el estudio de los limites de la obra de arte y el papel activo del receptor de las obras.
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- Escrito por Maira Herrero
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Autor colaborador: Maira Herrero, |
¿La moda es Arte?. “Esa es la pregunta del siglo para nuestra profesión”.
Así responde Dries Van Noten en la entrevista que le hace Pamela Golbin, conservadora jefe de moda y textiles en el Museo y comisaria de la exposición, publicada con motivo de la inauguración de Inspirations en el Museo de Artes Decorativas de París.
La muestra recorre el trabajo, absolutamente innovador, de los diseños de Dries Van Noten. La manera en como trata los tejidos para darles un nuevo uso, la riqueza de sus bordados y las combinaciones más atrevidas con un resultado cautivador. El proceso de creación pone en juego tantas influencias y elementos de inspiración que unos con otros se van contraponiendo para dar lugar a piezas atemporales. Nunca son asociaciones directas sino llamadas de atención, un gesto, un olor, un color, una canción, un cuadro …
Su idea del diseño nada tiene que ver con tendencias, su inspiración se basa en lo que el mundo le ofrece, desde el folclore de algún lugar lejano, hasta el cine con películas como El Piano de Jane Campion o los maravilloso trajes de Balenciaga, incluso la música de David Bowie. Las cosas que durante estos 30 años de intenso trabajo, se le han ido cruzando en la vida y han llamado su atención.
El diseñador belga, ha colaborado activamente con el arquitecto Jean-Dominique Secondi, responsable del montaje, en la disposición de las piezas, y ha tratado de dar respuesta a la pregunta del papel de la moda en la cultura, poniendo en escena muchos de los elementos que han inspirado su obra. “Está todo lo que me gusta, lo que me ha dado ideas, en lo que he basado cada una de mis colecciones”. El montaje es un elemento más de su trabajo creativo.
La puesta en escena es un lujo para los amantes del espectáculo. En un ambiente dominado por el dramatismo del juego de luces con la oscuridad reinante, se dan cita no solo los diseños del creador belga sino esas imágenes que le han inspirado a través de cuadros, diseños de otros grandes creadores, fotos, fragmentos de películas y los estampados florales como una constante en su mundo creativo.
“Es el resultado de un gran esfuerzo en equipo y de un ejercicio de estilo” que marca una gran personalidad en busca de la innovación con el trabajo de los bordadores indios, los tintados imposibles, los estampados de las telas italianas y francesas, el montaje de los patchworks y la grandilocuencia contenida del trabajo bien hecho.
Creo que Van Noten da respuesta con esta exposición del valor de la moda dentro de nuestra cultura, resaltando el intenso trabajo creativo que hay detrás de cada pieza. La moda constituye todo un lenguaje que habla del creador, del consumidor y del entorno, en definitiva, de nuestra cultura.
Dries Van Noten nació en Amberes en 1958, se graduó en la Royal Academy of Fine Arts de su ciudad natal y presentó su primera colección en Londres en 1986 como componente del grupo denominado Antwerp Six. Desde entonces no ha dejado de trabajar.
Hasta el 31 de Agosto en Les Arts Décoratifs. París
http://www.lesartsdecoratifs.fr/
http://i-d.vice.com/en_gb/watch/episode/1952/dries-van-noten-inspirations
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- Escrito por Maira Herrero
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Autor colaborador: Maira Herrero, |
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La primera vez que me acerque al fascinante mundo de Olafur Eliasson (Copenhaguen, 1967) fue hace más de una década, en Octubre de 2003 en la Tate Modern de Londres. La obra a la que me enfrentaba era una instalación increíble que ocupaba toda la entrada del Museo (Turbine Hall). La impresión fue mayúscula pues la luz, el color y el sonido me envolvieron de tal manera que creía estar viendo un sol crepuscular dentro de la gran sala. Realidad y ficción se mezclaron en mi cabeza y me envolvieron junto con otros visitantes en una nueva dimensión. Desde entonces he seguido al que considero uno de los artistas más consolidados del panorama internacional actual. Lo sensorial, imaginativo y técnico se ponen al servicio del espectador para entender el juego de posibilidades de la obra de arte.
El pasado 21 de Febrero Olafur Elisson inauguró en la Galería Elvira González de Madrid su segunda exposición, Your successful uncertainty. Una vez más el título hace un guiño y tiende la mano al visitante, recordándole que la interacción es parte de su arte. A menudo los título de las obras van precedidas del pronombre posesivo Your: Your uncertain shadow, Your blind movement …
Esta exposición esta actualmente incluida en la selección de Alejandra de Argos de las 10 mejores exposiciones en Madrid.
Las piezas que conforman la muestra son muy diferentes en sentido formal pero todas están presididas por esa relación que siempre es patente en la obra de Eliasson: la naturaleza como fuerza creadora y la ciencia a través de la técnica como respuesta a ese sin fin de preguntas. Eliasson es un buscador en el sentido más amplio de la palabra, busca a través del contacto con la propia naturaleza de la que toma imágenes, como las que se pueden ver en la exposición (The hot spring series), recoge maderas durante sus largos paseos, que transforma en piezas llenas de sentido estético y técnico (Access compass), indaga con los materiales comunes como la descomposición de un espejo, unido por un imán a un meteorito encontrado en Nuevo México, o nos recuerda la importancia del agua en nuestro planeta con la catarata invertida (Waterfall Machine). Las piezas hablan de las cuestiones espaciales como reflexión del movimiento, de la luz, de los fenómenos atmosféricos , de la experiencia vital … . Caminar es generar espacio y un sentido físico del tiempo. (Leer es respirar, es devenir. Escritos de Olafur Eliasson. GG, Barcelona 2012)
Conocer a este artista es conocer la realidad que preside la actualidad de nuestro mundo. Comprometido con la naturaleza se sirve de ella para tratar de entender sus enigmas y lanza preguntas en ese laboratorio que ha creado en su estudio de Berlín, formado por un grupo multidisciplinar de profesionales (arquitectos, científicos, artesanos, historiadores del arte) que estudian las propuestas de este creador de ideas y desarrollan los proyectos que hoy podemos ver en museos y salas de exposición. Busca nuevas vías de fusión entre la ciencia y la naturaleza y le interesan tanto, lo formal como lo material, lo orgánico como lo inorgánico. Es un investigador de los fenómenos naturales de la vida en busca de su representación artística.
Su compromiso no se queda ahí, sino que se extiende al campo de la educación. Eliasson es profesor en la Universidad de Künste de Berlín. En 2009 creó el Instituto de Experiencia espacial (Institut für Raumexperimente) donde se imparte una enseñanza innovadora en el campo de la educación artística, busca una formación integral de los alumnos, viaja con ellos para enseñarles a entender mejor su relación con el entorno. De aquí salió la lámpara Little Sun, una pequeña pieza de luz que funciona con energía solar y que ha servido para llevar luz a esos rincones del planeta donde no se dispone de red eléctrica.
Seguir el trabajo de Olafur Eliasson es conocer uno de los caminos para comprender que el mundo sin arte no tiene sentido.
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- Escrito por Maira Herrero
La Tate Modern de Londres reúne en catorce salas la obra más particular del genio francés del siglo XX, Henri Matisse, sus Cut-Outs, sus recortables con papeles de colores.
En 1941 su salud sufrió un duro revés que le dejó en una silla de ruedas, pero que no le impidió seguir con el mismo espíritu creativo de siempre. Enfocó su creatividad hacia un nuevo lenguaje al que llamó “pintar con tijeras”, nunca este trabajo significó para el artista una renuncia a la pintura, sino un paso más en su creatividad.
Un nuevo lenguaje visual, elaborado a base de recortes de papeles pintados en tonos brillantes, fueron la razón de su actividad en unos años en los que Europa estaba ensombrecida por la Segunda Guerra Mundial. Sus asistentes, dirigidos por Lydia Delectorskaya, pintaban hojas en blanco con gouache de vivos colores y, siguiendo las instrucciones del maestro, las pegaban en las paredes del estudio y de su habitación.
Matisse dedicó muchas horas a meditar sobre el juego de las combinaciones antes de utilizar las tijeras. Elaboró numerosos sketches y estudió los distintos puntos de vista antes de dar forma definitiva a sus collages.
Varias películas a lo largo de la muestra nos acerca al trabajo de Matisse. Ver como recorta con manos fuertes y seguras esas formas improvisadas, imposibles de definir, e indicarle a Lydia Delectoskaya el lugar donde debe colocarlas, confirman la grandeza del genio.
En los cut-outs volvemos a ver las imágenes que siempre han sido una constante en su vida artística, las escenas de baile llenas de movimiento, (sinfonía nº 1 de Shostakovich), los fondos marinos con peces, corales, hojas (recuerdos de su viaje a Tahiti), las series de desnudos azules, los mosaicos moriscos, …
El Libro Jazz es una de las piezas claves de la exposición, contiene 20 láminas de papeles recortados con motivos circenses y textos escritos por el propio Matisse. El libro se considera una de sus obras más innovadoras.
En 1947 decoró la capilla del Rosario de las dominicas de Vence. Es la obra que mejor expone su tendencia simplificadora hacia formas más planas. Matisse puso mucho empeño en este encargo, trabajó más de cuatro años y sus diseños se extienden a diversos campos: la composición de las vidrieras de la iglesia, la ropa del sacerdote para la liturgia, los murales de las paredes, el diseño del altar…. El artista quedó muy satisfecho del trabajo, que definió como “the result of all my active life”.
Las últimas salas de la exposición están dedicadas a las obras de mayor tamaño, realizadas todas ellas en los primeros años de 1950, poco antes de su muerte, El Periquito y la Sirena, El caracol, Memoria de Oceanía y La gran decoración de Máscaras que son en realidad una sola obra que se muestran juntas por primera vez en Londres, desde su creación en 1953.
Esta exposición reconforta al visitante ante la vitalidad que desprende todo el trabajo de este genio del siglo XX. Como diría Benjamin, aquí el aura está presente.
¡Felicidades a Nicholas Serota, director de la Tate Modern, y a todo su equipo!
Henri Matisse. The cut-outs. Tate Modern de Londres. Hasta el 7 de Septiembre de 2014.
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- Escrito por Marina Valcárcel
Después de sus exposiciones fotográficas sobre Roma, Venecia... Borja de Madariaga (Madrid, 1966) expone en la galería Espacio 51 de Madrid "Angkor: Naturaleza y Misticismo".
Son casi una veintena de fotografías de distinto tamaño, desde los 200x150 cms a 50x50cms, con las que el fotógrafo pretende ofrecernos, desde un enfoque muy personal y lírico, sus sensaciones y emociones de uno de los conjuntos artísticos más sobrecogedores del mundo: "Trato de resaltar aquello que me conmueve por su alto contenido estético, por el pequeño detalle, por captar una piedra, un árbol, una perspectiva, cosas que en un tiempo lejano quedarán inscritas en mi memoria".
Angkor, situada en el noroeste de Camboya, es la capital del antiguo Imperio Jemer. El origen de esta ciudad se remonta al siglo IX y su esplendor solo duró hasta 1225. Después de esta fecha la ciudad fue abandonada a su suerte y literalmente aislada y engullida por la selva hasta que en el año 1860 fue descubierta por misioneros franceses.
El conjunto arquitectónico, que ocupa una extensión de 400 km2, está compuesto por templos monumentales construidos durante este periodo y constituyen una joya del arte hindú. En 1992 la UNESCO nombró el conjunto monumental de Angkor Patrimonio de la Humanidad.
Madariaga fotografía sus principales templos, Bayon, Angkor Wat... pero las imágenes más impactantes son las de Ta Prom, el único templo que no ha sido restaurado y en el que el fotógrafo se recrea para demostrarnos cómo la naturaleza ha ido ganando terreno y los árboles, con sus enormes raíces que invaden los monumentos, están tan integrados que es difícil distinguir el límite entre naturaleza y escultura.
Pudimos pasear por la exposición acompañados por el fotógrafo que se detenía delante de alguna imagen: "estas fotografías las hice este verano, en mi viaje de novios. Mi mujer y yo solíamos llegar muy temprano a los templos, hacia las seis de la mañana, huyendo de las hordas de turistas. A esa hora los colores son distintos, más intensos y una neblina muy fina lo cubre todo..."
Siendo consciente de la dificultad de alejarse de los "tópicos y típicos enfoques de este lugar mil veces fotografiado", Madariaga pretende, con estas imágenes de alto contenido estético, adentrarnos, además, en algo del misticismo, de la esencia, de los sonidos de la selva, de la bruma y del misterio de estos templos.
De entre todas las fotografías nos detenemos en una en la que nos parece que se resume parte de la magia de Angkor: es el del sueño de una mujer camboyana tumbada sobre una piedra milenaria, como si ella también fuera parte de una raíz de los inmensos árboles que devoran la arquitectura y sobre todo la historia de esta civilización que quedó, como ella, dormida entre la selva durante siglos.
