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- Escrito por Marta Sánchez
La exposición que hoy se puede visitar en el Museo Picasso Málaga reivindica la figura y la obra de una artista cuyo trabajo está a la altura de los principales maestros de las vanguardias históricas. “María Blanchard. Pintora a pesar del cubismo” es el acertado nombre de la muestra inaugurada el 30 de abril de 2024 en el Museo Picasso de Málaga, que se mantendrá hasta el 29 de septiembre.
“La comulgante”. © Archivo fotográfico Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
“María Blanchard. Pintora a pesar del cubismo” es el acertado nombre de la muestra inaugurada el 30 de abril de 2024 en el Museo Picasso de Málaga, que se mantendrá hasta el 29 de septiembre. Y podríamos decir también, “a pesar del olvido intencionado”. Como ha sucedido (y sigue sucediendo) con las innumerables mujeres artistas que poblaron las vanguardias, realizando obras maestras deliberadamente ocultas para mayor gloria de sus colegas hombres, la historia de María Blanchard es la historia de una injusticia más. No fue hasta la exposición organizada en 1982 por el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid cuando su figura comenzó a ser reivindicada. Ya en 2012, el Museo Centro de Arte Reina Sofía inauguró una gran retrospectiva que contribuyó en gran medida a devolver a la artista el lugar que se merece en la historia de las vanguardias: la primera línea.
Trailer de la exposición “María Blanchard. Pintora a pesar del cubismo”. En YouTube: @museopicassomalaga.
El propio comisario de la muestra y exdirector del museo, José Lebrero, lo deja muy claro en sus declaraciones. No duda en calificar a Blanchard como “la mejor artista mujer en la historia del cubismo” y “la mejor artista española de la primera mitad del siglo XX”. Calificaciones que se quedan cortas, sobre todo si tenemos en cuenta que su obra tiene una calidad similar a la de pintores mundialmente reconocidos. Hablamos de pintores de la talla de Juan Gris, con quien compartió el desarrollo del llamado cubismo sintético. Y es que, a pesar de la enorme importancia de su trabajo en la evolución del arte a nivel mundial, tuvieron que pasar décadas antes de que se reconociera su importancia. Lebrero lo explica así: “el sistema del arte no atacó su obra, en realidad, fue piadoso, condescendiente con ella y la desconsideró”.
Vista de una de las salas de la exposición. Fotografía: Jesús Domínguez. © Museo Picasso Málaga
Ni modelo, ni musa, ni amante, ni esposa
María Gutiérrez-Cueto nace en Santander en 1881, en una familia acomodada. A los 22 años viaja a Madrid, donde estudiará arte y empezará a realizar sus primeros retratos, de líneas claramente academicistas. En 1909 su vida da un giro de 180 grados: la familia se muda a París, entonces epicentro de las vanguardias artísticas mundiales. Allí entra en contacto con figuras como Picasso, Juan Gris o Diego Rivera y accede al círculo exclusivo de las vanguardias, que acogen su trabajo con entusiasmo. Entonces, Blanchard es una pintora reconocida por sus compañeros y admirada por intelectuales como García Lorca o Ramón Gómez de la Serna, quien la invita a participar en una exposición de pintores cubistas en Madrid, ‘Los pintores íntegros’.
"La dama del abanico”. Colección particular. © Foto: Belén Pereda
La muestra, clausurada a los diez días de su inauguración, le genera críticas demoledoras acompañadas de ataques machistas a su pintura. Este hecho, combinado con el desierto panorama cultural español de la época, le lleva a instalarse definitivamente en París. Es entonces cuando decide cambiar su apellido por el de su madre, Blanchard. En la capital francesa destaca como una de las pioneras del cubismo, que desarrolla en lienzos de técnica y composición brillantes, únicas y personales, a la altura de sus compañeros varones. Su obra se considera hoy fundamental en el desarrollo de esta escuela, siendo una influencia permanente en movimientos que vendrían después.
Vista de una de las salas de la exposición. Fotografía: Jesús Domínguez. © Museo Picasso Málaga
La figura de María Blanchard marca una distancia notable con la clásica presencia de la mujer en los ámbitos artísticos de la época. Tal y como afirma Lebrero, “se integró en la ciudad, pero en el círculo de artistas cubistas todos eran hombres. Ella no sería ni modelo, ni musa, ni amante ni esposa de ellos”. En los años 20, la artista dejaría de lado el cubismo para regresar a una figuración estructurada y personal, donde queda plasmada su visión del género humano y su particular empleo de la plástica. Son obras que le ganaron el reconocimiento de las instituciones de su época, pero cuya influencia en el arte posterior no fue en absoluto tan relevante como la de su época cubista.
Vista de una de las salas de la exposición “María Blanchard. Pintora a pesar del cubismo”. Fotografía: Jesús Domínguez. © Museo Picasso Málaga.
La discapacidad y el machismo no pudieron con María Blanchard. La exposición que hoy se puede visitar en el Museo Picasso Málaga reivindica su figura y su obra, y recupera cuadros que los marchantes de hace décadas llegaron incluso a falsificar, cambiando su firma por la de alguno de sus colegas hombres. Una muestra fundamental que nos invita a descubrir la obra de una de las mejores artistas de las vanguardias históricas, y a adentrarnos en una personalidad cuya lucha permanente nos dejó una obra llena de matices, innovación, riesgo y potencia.
"Jugetes". Colección particular.
- María Blanchard, retrospectiva con mirada crítica - - Alejandra de Argos -
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- Escrito por Elena Cué
Hace un par de meses apareció un nuevo mural urbano en un solar del barrio de Finsbury Park, en el norte de Londres realizado por Banksy que ha vuelto a poner de actualidad a uno de los artistas más reivindicativos y misteriosos del panorama actual, quien ha manifestado su autoría a través de instagram.
Dorothy reaching for the shoes in the artwork (Jacob King/PA Wire)
Hace un par de meses apareció un nuevo mural urbano en un solar del barrio de Finsbury Park, en el norte de Londres realizado por Banksy que ha vuelto a poner de actualidad a uno de los artistas más reivindicativos y misteriosos del panorama actual, quien ha manifestado su autoría a través de instagram. En este caso un árbol agonizante, un cerezo podado ha recuperado todo su esplendor con una frondosa copa verde gracias a su participación noctura con premeditación y alevosia. Y hace sólo unos dias ha aparecido otra en Birmingham. La pintura muestra a Dorothy del Mago de Oz intentado alcanzar un par de zapatillas rojas que cuelgan de un cable eléctrico. Todos los medios ingleses se hacen eco de esta nueva aparición con el sello del artista esperando a confirmar su autoría. Y recientemente otra en Somerset.
Con estas nuevas intervenciones de arte urbano se abre el debate de lo político. Banksy ya ha conseguido encender la mecha de las conciencias ajenas creando todo tipo de especulaciones interpretativas. Banksy usa su arte como arma que explota en las mentes de la sociedad creando un foro público. La crítica a través de sus mensajes escritos e imágenes impactantes producen el efecto esperado: “Me gusta pensar que tengo las agallas para levantarme de forma anónima en una democracia occidental y pedir cosas en las que nadie más cree, como la paz, la justicia y la libertad” dice en su libro “Wall and Piece”.
El Street Art o Arte Urbano es una forma de arte que tiene su origen en los años 60. Este arte callejero tiene como propósito comunicarse con la sociedad mediante un mensaje visual sociopolítico con una intención cultural. Y donde interviene el juego. En el 68 el arte sale de los museos e instituciones y da un salto a los entornos cotidianos de la calle. Del cubo blanco al espacio público. Se cuestionó la obra de arte, sus géneros y las instituciones, para poner el énfasis en la naturaleza y el cuerpo reivindicando la calle donde confluye la comunidad y la belleza de lo cotidiano.
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- Escrito por Marta Sánchez
Comisariado por el prestigioso curador de arte brasileño Adriano Pedrosa, director del Museo de Arte de Sao Paulo, el evento artístico más importante del mundo abrirá sus puertas hasta el 24 de noviembre. Son ya 60 ediciones, lo que significa que la Bienal de Venecia lleva más de un siglo recogiendo las tendencias más importantes en el mundo de las artes para difundirlas por todo el planeta.
Foto: labiennale.org
Son ya 60 ediciones, lo que significa que la Bienal de Venecia lleva más de un siglo recogiendo las tendencias más importantes en el mundo de las artes para difundirlas por todo el planeta. En los próximos meses, la Exposición Internacional de Arte se podrá visitar en los Pabellones de los Giardini y del Arsenale, en el Pabellón Venecia situado en el centro de la ciudad y en la Prisión de Mujeres de la isla Giudecca. Este año, el evento una importante significación en cuanto a compromiso se refiere: su título, ‘Stranieri Ovunque – Foreigners Everywhere’ (Extranjeros en todas partes), hace referencia a temas candentes como la globalización, las migraciones y la interacción entre sociedades y culturas de todas partes del mundo. Temas en los que las artes siempre han tenido una fuerte implicación, como demuestra la exposición ‘Ensemble’ que se podrá visitar en el Palazzo Grassi durante los meses que dure la Bienal.
Vídeo de presentación de la Bienal de Venecia 2024
Esta edición está comisariada por Adriano Pedrosa, director artístico del Museo de Sao Paulo (Brasil) y uno de los expertos en arte más prestigiosos de la actualidad. Su intención ha quedado clara desde el primer momento: dar visibilidad y voz a aquellos colectivos artísticos que normalmente permanecen fuera de los ámbitos del poder. Tal y como señala la organización de la Bienal, “el artista queer, que se mueve entre distintas sexualidades y géneros y es a menudo perseguido o excluído; el artista outsider, ubicado en los márgenes del mercado y muchas veces autodidacta; el artista folk y popular, y el artista indígena, muchas veces tratado como extranjero en su propia tierra”. Esta edición, la producción de estos cuatro perfiles ha sido escogida como de interés para la Bienal y constituyen el contenido de la sección Núcleo Contemporáneo.
Foto: en visitlido.es
Diásporas y migraciones
Pero no será la única sección que se centrará en el desplazamiento y las diferencias entre el Sur Global y el Norte Global. El Núcleo Histórico, por su parte, expondrá una serie de obras realizadas por artistas latinos, africanos, asiáticos y de Oriente Medio durante el siglo XX. Según Pedrosa, la reflexión es urgente y necesaria. “Estamos demasiado familiarizados con las historias del modernismo en Europa y América, mientras que los modernismos del Sur Global son ampliamente desconocidos”, señaló con respecto a la selección de piezas. Esta sección incluye también una tercera sala dedicada a artistas de primera y segunda generación de la diáspora italiana del siglo XX, que han vivido y desarrollado su trabajo en otros países y continentes.
Foto: en rove.me
En la exposición intervendrán un total de 88 países, cuatro de los cuales (República de Benin, Etiopía, República Unida de Tanzania y la República Democrática de Timor Leste) desembarcan en la Bienal por primera vez. Por su parte, Nicaragua, la República de Panamá y Senegal participarán por primera vez con un pabellón propio.
La 'Pinacoteca Migrante' de Sandra Gamarra Heshiki ocupará el Pabellón Español
Foto: en rtve.es
El pabellón español estará representado por el montaje ‘Pinacoteca Migrante’, de la artista peruana Sandra Gamarra Heshiki. El Ministerio de Asuntos Exteriores, Unión Europea y Cooperación de España presentó en su día el proyecto junto con Acción Cultural Española, eligiendo por primera vez a una artista migrante para representar a nuestro país. Un enfoque muy similar al de la propia bienal, cuyo comisario es también el primer experto latinoamericano en ocupar el cargo en toda la historia del evento. El proyecto de Gamarra Heshiki transforma el pabellón español en una “pinacoteca invertida”, en la que se narran las historias silenciadas en lugar de los relatos oficiales. Las obras las protagonizan seres migrantes: humanos, pero también plantas, animales y materias primas que un día realizaron el viaje de un continente a otro.
La 60ª Exposición Internacional de Arte de la Bienal de Venecia 2024 se podrá visitar entre el 20 de abril y el 24 de novienbre de 2024. Más información: Biennale Arte 2024.
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- Escrito por Marta Sánchez
Gracias a la combinación de técnicas de laboratorio e inteligencia artificial, el proyecto Escuelas Griegas ha conseguido descifrar 1.000 palabras nuevas, entre las que se revela el lugar donde fue enterrado el filósofo en los Jardines de la Academia.
Fotografía técnica de los papiros de Herculano. Imagen: Consiglio Nazionale delle Ricerche. D. P. PAVONE (CNR-INSTITUTE OF CULTURALE HERITAGE/BIBLIOTECA NAZIONALE DI NAPOLI). En elpais.com
Platón murió en el año 347-348 a.C. y fue enterrado en la Academia de Atenas. Actualmente estos datos se dan por ciertos, pero el lugar exacto en que ocupa su sepultura dentro del recinto seguía siendo un misterio para los arqueólogos. Un misterio que estamos ahora mucho más cerca de desvelar tras las nuevas revelaciones encontradas en los Papiros de Herculano. Los antiguos textos han desvelado algunos secretos más gracias a la intervención de los científicos del proyecto Escuelas Griegas, desarrollado junto con el Consejo Nacional de Investigación Italiano (CNR). Graziano Ranocchia, papirólogo de la Universidad de Pisa participante en el proyecto, reveló que la tumba se encontraría en un jardín reservado al filósofo y dedicado a la escuela platónica, dentro del recinto de la Academia.
Estas revelaciones tuvieron lugar durante la presentación de los resultados de la primera fase del proyecto, que tuvo lugar en la Biblioteca Nacional de Nápoles. Las investigaciones continuarán hasta el año 2026; hasta el momento los expertos han conseguido identificar y traducir cerca de un millar de palabras, un 30% más que en la fase anterior que concluyó en 1991. La utilización de sistemas de inteligencia artificial junto con tecnología de rayos X, microscopía digital, infrarrojos y tomografía ha logrado ha sido clave para obtener unos resultados más que satisfactorios.
Así fue última noche del filósofo
Imagen de la ciudad de Herculano. En wikimedia commons.
Los papiros de Herculano son cerca de 1.700 rollos encontrados en la llamada Villa de los Papiros, perteneciente al senador Lucius Calpurnius Piso Caesoninus, suegro de Julio César. Entre ellos se encuentra un texto fundamental: la recopilación de la Historia de la Academia, redactada entonces por Filodemo de Gadara. Los nuevos datos nos permiten saber que Platón ya era esclavo en Egina en el año 399 o 404 a.C., y no fue vendido como tal en el 387 a.C. en Sicilia, tal y como se pensaba.
Por otra parte, las nuevas palabras identificadas en los textos también alteran la descripción de la noche en que murió el filósofo. Además de relatar con detalle la anécdota en la cual Platón señala la poca capacidad rítmica del músico o música de Tracia al que escuchan, se desvelan también nuevas informaciones sobre temas como la corrupción del Oráculo de Delfos. El descubrimiento de nuevas palabras ha sido crucial para concretar la información, pero también para alterar el significado de otras ya identificadas con anterioridad.
La Academia de Atenas se encontraba situada en las afueras de Atenas. En ‘Un libro sobre Platón’, el ensayista Antonio Tovar señala que “en aquel tiempo era un modesto gimnasio, situado a 10 o 12 estadios (unos tres kilómetros) de la puerta de Dipylon, no lejos de la pequeña altura de Colono”. Hoy forma parte del Parque Arqueológico de la Academia de Platón, a unos cuatro kilómetros de la Plaza de Sintagma de Atenas. Gracias a los nuevos descubrimientos, hoy estamos mucho más cerca de saber en qué punto del recinto fueron depositados los restos de uno de los filósofos más importantes de la Historia, considerado una piedra angular de la civilización occidental moderna.
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- Escrito por Dr. Diego Sánchez Meca
Este libro se centra en algunas de las preocupaciones y desafíos propios de la modernidad europea desde el reconocimiento de la necesidad de encontrar en el presente nuevas formas de dar sentido y orientación a la vida humana, siguiendo el hilo conductor que, para ello, ofrece la reflexión de Nietzsche sobre Europa y la cultura europea.
Singladuras Nietzscheanas
Este libro se centra en algunas de las preocupaciones y desafíos propios de la modernidad europea desde el reconocimiento de la necesidad de encontrar en el presente nuevas formas de dar sentido y orientación a la vida humana, siguiendo el hilo conductor que, para ello, ofrece la reflexión de Nietzsche sobre Europa y la cultura europea. Para ello el autor opera con un concepto del ser humano como ser cultural, es decir, como ser que, habiendo sobrepasado la pura animalidad en su pasado ancestral, se ha configurado como humano, a lo largo de las épocas, en virtud de un proceso de hominización, de socialización y de moralización, de tal modo que ha hecho de la cultura el horizonte que engloba todos los aspectos de su existencia, tanto individual como colectivamente. Partiendo de lo que aportan las ciencias tanto naturales como históricas, es posible describir entonces el proceso de hominización y de culturización específicamente europeo producido bajo distintas formas y con diferencias entre las distintas épocas y frente a otras culturas, dando lugar a la posibilidad de diferenciar entre “tipos” o “estilos” de vida.
Sobre esta base, el tratamiento de la cultura europea se centrará entonces, con preferencia, en el estudio de los valores, normas e ideales que han contribuido a fundamentar su identidad. Y lo hará de forma crítica, es decir, evaluando esos valores que han funcionado como condiciones de vida en la historia de nuestra cultura, y que, en parte, han contribuido a su potenciamiento y expansión, pero que también, en parte, han contribuido a su debilitamiento y decadencia. Pues sólo a partir de esta evaluación es posible pensar en nuevas posibilidades de futuro. La reflexión filosófica no ha de ser sólo una actividad teórica, sino que debe ser misión suya también contribuir a la tarea de entrenar al ser humano para propiciar los tipos más saludables y las formas de vida más fuertes. Para ello se deben impulsar cambios en los valores dominantes hasta que una eventual creación de valores nuevos y su respectiva asimilación gradual puedan hacer posible el advenimiento de mejores tipos de seres humanos, e incluso de un ser humano superior en un contexto renovado de la cultura europea. Pues que la filosofía sea una genealogía, en el sentido en que la diseña Nietzsche, implica entender la búsqueda del conocimiento dirigida, por un lado, a la identificación de las fuerzas de la vida que actúan secretamente en la producción de los valores y de los ideales para, a partir de ese conocimiento, por otro, tratar de intervenir en el ámbito de la cultura y en el tipo de condiciones de existencia que podrían hacer posible un progreso en las formas y modalidades del “buen europeo”.
