Alejandra de Argos por Elena Cue

Actualizado el 12 de julio de 2019.

10 exposiciones en Madrid que no te puedes perder. Descripciones fotos y videos. Os recomendamos las exposiciones más actuales en Madrid, tanto en museos como en galerías.  Visitas indispensables para los amantes del arte en todas sus manifestaciones. Pintura, escultura, fotografía y arte en general.  Disfruta en Madrid de las obras y artistas más relevantes. Si te gustan nuestras recomendaciones, guarda este enlace, pues actualizamos periódicamente nuestra guía de exposiciones en Madrid.

  

 

 

Museo Thyssen-Bornemisza

 

22 septiembre balenciaga

 

Balenciaga y la pintura española

Hasta el 22 de septiembre

 

El diseñador de moda, modisto y artista Cristóbal Balenciaga está considerado la figura más influyente de todos los tiempos en su ámbito. Fascinado por el arte, Balenciaga era un asiduo visitante de los museos, donde se dejaba empapar por la estética de los grandes maestros a la hora de imaginar sus propias creaciones. El Museo Thyssen-Bornemisza repasa esta faceta de su obra, relacionando sus diseños con las pinturas que ejercieron influencia en los colores, las estructuras y los tejidos. Gracias al talento de Balenciaga, los terciopelos señoriales se convertían en trajes de noche; los rasos, en abrigos deslumbrantes... La muestra reúne obras llegadas de pinacotecas de renombre como el Museo del Prado o el Museo de Bellas Artes de Bilbao, con magníficos trajes y atuendos cedidos por el Museo del Traje de Madrid, el Museo Balenciaga de Getaria o el Museo del Disseny de Barcelona.

 

 

 

 

  

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Museo Reina Sofía

 

30 septiembre wojnarovic

 

David Wojnarowicz - La historia me quita el sueño

Hasta el 19 de septiembre

 

Hasta su prematura muerte en 1992, David Wojnarowicz generó un corpus de obra multidisciplinar que exploró los caminos de la pintura, la música, la fotografía, el cine, la literatura y el activismo. Autodidacta durante décadas, su obra despegó en Nueva York en la década de los 80: una época marcada por una fuerte energía creativa, acompañada de una intensa crisis económica y una serie de profundos cambios culturales. En esos años la ciudad se convirtió en un hervidero de innovación artística, que mezcló en el mismo crisol la emergencia del grafiti, la música new wave, la fotografía conceptual y el arte neoexpresionista. En estos ámbitos, Wojnarowicz renunció a crear un estilo propio y decidió adoptar un amplio espectro de técnicas como medio de denuncia y de activismo social, para lo cual siempre consideró su condición de homosexual y enfermo de SIDA como elementos fundamentales de su obra.

 

 

 

 

  

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Museo del Prado

 

15 septiembre fra angelico

 

Fra Angélico y los inicios del Renacimiento Florentino

Hasta el 19 de septiembre

 

El Museo del Prado presenta una de las exposiciones más fascinantes de la temporada, dedicada a la obra de Fra Angelico y al Renacimiento florentino. Patrocinada por la Fundación Amigos del Museo del Prado, para su organización se ha contado con el préstamo de obras llegadas desde más de cuarenta instituciones y colecciones, tanto europeas como americanas. La obra alrededor de la cual orbita toda la muestra es la famosísima tabla La Anunciación, realizada por Fra Angélico y una de las joyas más preciadas de la pinacoteca madrileña. Recientemente restaurada, hoy esta obra se muestra en todo su esplendor y deslumbra en compañía de piezas de otros artistas fundamentales de la época, como Filippo Lippo, Masaccio o Donatello. La exposición reúne un total de ochenta y dos obras de altísimo nivel, que por primera vez se pueden admirar juntas y disfrutar del diálogo que se genera entre ellas.

 

 

 

 

  

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Sala Alcalá 31

 

28 julio pop soul dario villalba 

 

Darío Villalba - Pop Soul. Encapsulados & Otros

Hasta el 28 de julio

 

La obra de Darío Villalba es conocida a nivel internacional por su estilo propio y radical, que profundiza en los universos de la locura y la marginación. Dentro de la programación de Photo España 2019, la Sala Alcalá 31 de Madrid continúa con su apuesta por las formas de arte que se escapan a lo convencional y reúne prácticamente todas las obras de la serie Los encapsulados de Villalba, en una exposición con el nombre de Pop Soul. Los trabajos del artista se basan en el apropiacionismo: el creador hace suyas imágenes externas y las atrapa en burbujas de metacrilato, creando un efecto de aislamiento y exhibición que engrandece las figuras expuestas. Las obras expuestas en la sala se complementan con una selección de piezas íntimamente relacionadas con el concepto de “piel”, un tejido que despierta fascinación el el artista, y con algunos de sus “emblemas” (obras que Darío Villalba considera su auténtica seña de identidad).

 

 

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CentroCentro

 

06 octubre miguel 1 

 

Miguel Benlloch - Cuerpo conjugado

Hasta el 6 de octubre

 

CentroCentro inaugura esta temporada una exposición que revisitay pone en valor la obra de Miguel Benlloch, figura imprescindible de la escena performativa, artística y escénica de los años 80-90 del siglo XX. El creador granadino siempre basó su trabajo en el cuestionamiento de la realidad política y social que le rodeaba, generando una obra provocativa y fascinante que rompió barreras y moldes en la época. En 1983 fundo la sala Planta Baja en su Granada natal junto con Juan Antonio Peinado y Marino Martín, con la idea de desarrollar una investigación y una experiencia creativa independientes y alternativas, fuera de los circuitos convencionales. Su trabajo incluye poemas, collages, fotografías, imágenes y performances que pelean contra el establishment en todas las áreas de represión: la sexualidad, la política, la sociedad y la cultura.

 

 

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Biblioteca Nacional

 

22 septiembre piranesi 

 

Giovanni Battista Piranesi en la Biblioteca Nacional

Hasta el 22 de septiembre

 

Piranesi es uno de los grabadores más célebres y reconocidos de todos los tiempos. Nacido en Venecia, desarrolló su carrera durante el siglo XVIII: sus imágenes de la arquitectura clásica, recreaciones de una Roma a medio camino entre la realidad y la imaginación del arquitecto y grabador, se han convertido en iconos del arte. La Biblioteca Nacional cuenta con uno de los mejores fondos de grabados y estampas realizadas por el artista; con esta exposición, la institución no solo pretende mostrar su obra al público, sino que declara la intención de realizar un estudio razonado de la misma para crear un catálogo de referencia. En la muestra se pueden ver las series que reflejan las pesadillas y el mundo onírico del grabador: Carceri, Opere Varie, Il Campo Marzio dell’Antica Roma y Raccolta di disegni del Guercino. A estas obras les acompañan también grabados de otros autores que ejercieron una decisiva influencia en el trabajo de Piranesi.

 

 

 

 

  

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Ivorypress

 

27 julio ivorypress

 

Dionisio González - Concrete Island

Hasta el 27 de julio

 

Enmarcada dentro de PhotoEspaña 2019, la exposición que actualmente muestra la galería Ivorypress bucea en los límites de la realidad y la imaginación, abarcando un ámbito que actualmente es tendencia: la distopía. Las fotografías de Dionisio González recrean edificios proyectados en los años 50 del siglo XX, en plena resaca de la II Guerra Mundial; edificios que nunca se construyeron (en su mayoría), fabricados con cemento en bloque y claramente inspirados en la estética posbélica. Las masas de hormigón se articulan en volúmenes ciclópeos, creando un mundo casi de pesadilla donde habitantes felices se enorgullecen de su hogar. Influenciada por los avances en tecnología aeroespacial y bélica desarrollados durante la contienda, la nueva generación de arquitectos y constructores desarrolló proyectos utópicos cuyo rastro aún permance. La exposición Concrete Island es una magnífica oportunidad para vislumbrar lo que pudo haber sido y casi fue, y para sumergirse en un mundo distópico muy cercano a nuestra realidad.

 

 

 

 

  

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Galería Elvira González

 

13 julio naturalezas muertas mapplethorpe 

 

Robert Mapplethorpe - Naturalezas Muertas

Hasta el 13 de julio

 

Con motivo del trigésimo aniversario de su fallecimiento, la galería Elvira González presenta la exposición Naturalezas Muertas del fotógrafo Robert Mapplethope. Provocador, detallista y magnífico, el artista destacó siempre por su impecable uso de la técnica fotográfica para crear imágenes de alta intensidad. Famoso por sus fotografías de escenas sexuales explícitas (captadas mediante un uso casi pictórico de la composición y una realización eminentemente clásica), la exacerbada sensualidad de sus obras se refleja también en seres y objetos aparentemente inocentes. Como explican desde la galería, Mapplethorpe era capaz de retratar “una simple flor con la más exagerada sensualidad y erotismo. La poética de Mapplethorpe planteaba una fusión total entre arte y vida, en la que a menudo situaba su propia realidad en el centro”. La exposición hace hincapié en la intensa relación del fotógrafo con los objetos, a partir de los cuales generó un nuevo punto de vista pleno de sensibilidad que coqueteaba tanto con el new dada, como con la estética kitsch.

 

 

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Museo Reina Sofía - Palacio de Velázquez

 

08 septiembre tetsuya ishida 

 

Tetsuya Ishida - Autorretrato de otro

Hasta el 8 de septiembre

 

El artista japonés Tetsuya Ishida llega al Palacio de Velázquez de la mano del Museo Reina Sofía para mostrar sus demoledoras escenas de aislamiento y alienación en la sociedad actual. Su trayectoria abarca tan solo diez años de trabajo, durante los cuales Ishida ha creado una ingente producción de obra plena de imágenes inquietantes y perturbadoras. En sus escenas, el artista provoca metamorfosis en los cuerpos humanos y los fusiona con máquinas, dispositivos, insectos o medios de transporte. Sus personajes se hallan siempre en situaciones que escapan a su control o provocan su resignación: ambientes claustrofóbicos, grupos controlados o espacios constreñidos de los que no pueden escapar. Son “autorretratos de otro”, personajes que le representan a él pero también al resto de la Humanidad. Su imaginería muestra a menudo imágenes de entornos escolares o de trabajo en oficinas, destilando una acerada crítica al sistema educativo y a las relaciones laborales.

 

 

 

 

  

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HG Contemporary

 

Louis Carreon 

 

Redención por Louis Carreon

Hasta el 10 de agosto

 

HG Contemporary trae a Madrid por primera vez el trabajo del artista Louis Carreon (1977), que explora en su exposición "Redención" la iconografía espiritual y religiosa influidas por el retiro de Louis en la isla Sumatra, donde ha residido los últimos meses. Su pasado controvertido (pasó por la cárcel) y su espíritu provocador dan lugar a una obra en constante búsqueda de la libertad y las formas espirituales, en conexión con las religiones. Su trabajo está fuertemente influenciado por artistas como Basquiat o Julian Schnabel, quienes, en propias palabras del autor, le "han abierto camino", como artista autodidacta, "libre, desordenado y no perfecto", su trabajo es un diálogo con una narrativa personal y llena de color. Una terapia que le ha llevado a crear allá donde se encuentre, con materiales locales, plantas secas, corales, cáscaras de coco y acuarelas mojadas con agua de lluvia.

Carreon es un artista contemporáneo, conocido dentro del circuito del arte americano, por su pasado controvertido y su espíritu provocador. Asiduo desde hace años de la feria Art Bassel, donde en 2018 despuntó con su visión sobre el Sueño Americano, influenciado también por el estilo de la calle, que decoran algunos de los lugares más reconocidos de Estados Unidos, como Soho House o Viper Room, convirtiendo sus creaciones en un sello reconocible y lleno de color. Su trabajo no es simplemente arte moderno o arte callejero, sino modernismo contado con una voz que gotea sobre el lienzo... o la pared... o un jet, como el jet privado que ha pintado recientemente en colaboración con Landmark Aviation para el famoso Art Basel. Louis está continuamente reforzando el poder esencial del arte. Su estudio de trabajo en Los Ángeles, The Drip Factory que es el paisaje por excelencia de sus creaciones, ya sea en un muro de hormigón en algún lugar de Los Ángeles o en el interior de un hotel boutique.

Con frecuencia viaja por todo el mundo a diferentes destinos para hacer surf, afición que considera ser una de sus mayores inspiraciones. El éxito actual de Carreon como artista contemporáneo se produce después de pasar dos años en prisión por cargos relacionados con las drogas. Durante este tiempo, vino a encontrar paz y consuelo en el proceso de crear arte, según cuenta el mismo:

"En la cárcel, no puedes usar pinturas, así que hay un montón de lapiceros. Estaba dibujando cuadernos de bocetos todos los días, aprendiendo diferentes formas de escritura y letras y leyendo sobre arte. Todo el tiempo que estuve en prisión estaba dibujando (...) Estaba trazando mi mapa de ruta mientras veía a los artistas ganar un poco de gravedad en ese momento."

Carreon expone frecuentemente en la Galería Hamilton Selway en West Hollywood. Sus exposiciones con esta misma han incluido "No Unsolicited Submissions" y "Church + State", en ésta última examina nuestro culto a Google como una autoridad por encima del gobierno o de la fe.

 

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Exposiciones Madrid

Pensamos que el arte no está reservado a unos pocos, es universal y comunica un extenso mundo que ofrece innumerables opciones y talentos en todas las expresiones. 
Madrid posee una enorme riqueza en museos, galerías, salas de arte, con solo mirar a nuestro alrededor, podemos observar que hasta en las calles madrileñas, se puede ver un destello arquitectónico artístico.
Hay demasiadas cosas para ver, comentar y descubrir, en la apasionante metrópolis. Exposiciones Madrid se hace eco de la historia, actualidad y futuro, de la gran ciudad, dado el patrimonio cultural que la rodea, digno de conocer y redescubrir.
Galerías de arte, museos, artistas, salas de arte, instituciones culturales y diversas entidades, promocionan la pintura artística, una expresión viva y actual. Una ciudad emblemática que constantemente se expresa, cautivando a los miles de visitantes que disfrutan del arte en plenitud. Exposiciones Madrid propone citas impostergables, para los turistas o residentes que quizá sin saber de arte, reconocen el gran valor de las obras que alberga la capital y los más versados en el tema aprecian, los grandes tesoros que conserva.
La pretensión de la página, es aportar humildemente, recomendaciones sobre lo que para mí son las diez mejores exposiciones de arte en Madrid , siempre actualizándolas para mantenerlas al día.

 

 

 Actualizado el 28 de Junio de 2019.

Comparto con vosotros lo que, para mí, son las mejores y más interesantes exposiciones en Nueva York, en este momento. Continúo así la serie iniciada con las Exposiciones en Madrid, Londres y París. Al igual que en artículos anteriores, os recuerdo que esta lista se actualizará periódicamente.  

 

 

 

Museo Guggenheim

 

06 noviembre basquiat

 

Basquiat 'Defeacement' - The untold story

Hasta el 6 de Noviembre

 

El punto de partida de esta exposición es la obra de Jean-Michel Basquiat La muerte de Michael Stewart, conocida popularmente como Defeacement. Pintada originalmente en la pared del estudio de Keith Haring, esta obra nunca fue realizada para ser vista por el público. Sin embargo, constituye una pieza fundamental en la obra de Basquiat, creada para conmemorar la muerte del joven artista afroamericano Michael Stewart a manos de la policia de Nueva York, acusado de pintar un grafiti en la estación de metro de East Village. La exposición investiga la exploración que Basquiat realizó sobre la identidad afroamericana y su protesta ante la brutalidad policial, así como sus intentos de diseñar un lenguaje propio y singular que diera forma al empoderamiento.

 

 

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MET Breuer

 

28 septiembre phenomenal

 

Mrinalini Mukherjee - Phenomenal Nature 

Hasta el 28 de Septiembre

 

Phenomenal Nature es la primera retrospectiva de la artista Mrinalini Mukherjee celebrada en los Estados Unidos. La muestra reúne un total de cincuenta y siete obras, y explora el compromiso permanente que la creadora ha establecido con un material: la fibra textil. En la exposición también se puedeb ver piezas creadas con otras materias, como la cerámica o el bronce; una serie que ha ocupado parte de la obra de Mukherjee durante la segunda parte de su carrera. La artista trabaja el campo de la escultura desde un punto de vista intuitivo, buscando siempre la frontera entre la figuración y la abstracción. Con la naturaleza como inspiración primigenia, más adelante se dejó influir también por su pasión por las esculturas históricas de la India, el diseño contemporáneo, las artesanías locales y la tradición textil de su cultura.

 

 

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New Museum

 

15 septiembre Rottenberg Untitled

 

Mika Rottenberg - Easypieces

Hasta el 15 de Septiembre

  

Mediante el empleo de la sátira más absurda como herramienta para criticar cualquier asunto de actualidad, Mika Rottenberg crea vídeos e instalaciones que generan alegorías subversivas de la vida contemporánea. Sus trabajos entrelazan elementos de ficción y realidad documental; a menudo nos presentan a protagonistas que trabajan en entornos fabriles, manufacturando todo tipo de productos. Desde perlas cultivadas, a todos los objetos de plástico multicolor que se pueden encontrar en los bazares chinos. La exposición Easypieces que presenta el New Museum muestra varias de sus últimas videoinstalaciones, además de esculturas cinéticas. La estrella es sin duda su nueva instalación, Spaghetti Blockchain, que hace un repaso de las ideas sobre el materialismo a lo largo del tiempo. La exposición recorre los temas fundamentales en la obra de Rottenberg, incluyendo la energía, la mano de obra, la distancia y la tecnología.

 

 

 

 

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Whitney Museum

 

22 septiembre Bennani M 04F

 

Whitney Biennial 2019

Hasta el 22 de Septiembre

  

La Bienal Whitney es uno de los eventos artísticos más importantes del calendario cultural de Nueva York. Organizada por el Whitney Museum, este año está comisariada por Jane Panetta y Rujeko Hockley. A lo largo del año 2018, Panetta y Hockley visitaron a algunos de los artistas contemporáneos más relevantes en busca de obras fundamentales para comprender el devenir de la plástica actual. La exposición reúne la obra de un total de setenta y cinco artistas y colectivos de creación, con piezas que abarcan distintas disciplinas: pintura, escultura, instalación, audiovisuales, fotografía y performance. La Bienal está enfocada a tomar el pulso de la escena artística contemporánea, desde el aquí y el ahora; sin duda, constituye una oportunidad única para conocer de primera mano el trabajo más vanguardista, arriesgado y relevante del arte norteamericano actual.

 

 

 

 

 

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MET

 

20 octubre 2020 met

 

In praise of painting - Ducth masterepieces at the MET

Hasta el 20 de Octubre de 2020

  

Las pinturas de la Época Dorada holandesa, obrass de maestros del siglo XVII como Vermeer, Hals o Rembrandt, son uno de los tesoros de la colección del MET desde su fundación a finales del XIX. La exposición que se podrá ver durante este año y el próximo reúne algunas de las piezas más emblemáticas de la colección, con la idea de mostrarlas bajo un nuevo punto de vista. Las secciones en las que se divide la muestra contemplan temas clave en la época: desde los debates sobre la religión, hasta la profunda fascinación de algunos artistas por el universo íntimo y doméstico de la mujer. La exposición aporta una nueva perspectiva de las normas y parámetros establecidos en la pintura de la época, haciendo interaccionar obras llegadas de colecciones de primera línea (como la de Robert Lehman o la de Jack y Belle Linsky) con joyas del propio museo. La muestra incluye obras raras veces expuestas; por ejemplo, Jarrón con Flores, una de las dos únicas obras existentes de la pintora Margareta Havermann.

 

 

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Brooklin Museum

 

08 diciembre winogrand

 

Garry Winogrand - Color

Hasta el 7 de Diciembre

 

Esta es la primera exposición dedicada hasta la fecha a las fotografías en color de Garry Winogrand, uno de los fotógrafos más influyentes del siglo XX. La obra de Winogrand es conocida sobre todo por sus instantáneas en blanco y negro, mientras que sus trabajos a color permanecen prácticamente olvidados. Por esta razón, la muestra organizada por el Brooklin Museum es una fantástica ocasión para recuperar su deliciosas diapositivas a color: más de 45.000 piezas, realizadas entre principios de los años 50 y finales de los 60. La exposición está estructurada en forma de instalación envolvente, compuesta de más de 400 imágenes a color (muchas de ellas nunca expuestas hasta la fecha) que capturan el pasaje social y fisico de la ciudad de Nueva York y otros puntos de los EEUU. Una magnífica ocasión para recuperar un corpus de obra muy especia de un artista de referencia.

 

 

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MoMA

 

02 septiembre simone fattal

 

Simone Fattal - Works and Days

Hasta el 2 de Septiembre

 

La exposición Trabajos y Días explora la obra de la artista líbano-estadounidense Simone Fattal, siendo la primera muestra en solitario que se le dedica en los Estados Unidos. La selección reúne más de doscientas obras realizadas a lo largo de las cinco últimas décadas. Incluye esculturas (abstractas y figurativas), pinturas, acuarelas y collages, generados a partir de una gran riqueza de fuentes. Narrativas bélicas, historia antigua, poesía sufí, pintura de paisaje y mitología se entremezclan y fusionan para reflejar el impacto del destierro, así como las políticas relacionadas con la arqueología y las excavaciones. De hecho, estos dos temas subyacen en todo el corpus de obra de Fattal y aparecen constantemente en sus piezas. La artista navega entre las aguas de la abstracción y el figurativismo, combinando ambos espectros en ocasiones con singular maestría: la fragilidad del ser humano queda reflejada en todas sus obras, a veces poéticas, a veces desoladoras.

 

 

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Gugenheim Museum

 

10 julio mapplethorpe

 

Robert Mapplethorpe - Implicit Tensions (I)

Hasta el 10 de Julio

 

En 1993, el Museo Guggenheim de Nueva York recibió una donación consistente en alrededor de 200 fotografías y objetos personales de la Fundación Robert Mapplethorpe. Dieciséis años después, el museo celebra la permanente influencia de la obra del gran y polémico fotógrafo con una exposición formada por dos secuencias. La muestra Implicit Tensions está formada por dos partes: la primera, actualmente en activo, se centra en los primeros trabajos de Mapplethorpe. La selección incluye polaroids, collages y obras de técnica mixta, así como fotografías icónicas de desnudos masculinos y femeninos, retratos, bodegones, autorretratos plenos de sinceridad y reflejos de la escena underground de Nueva York. La segunda parte se inaugurará en el mes de julio y se mantendrá expuesta hasta enero de 2020.

 

 

 

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Actualizado el 27 de Junio de 2019.

Comparto con vosotros lo que, para mí, son las mejores y más interesantes exposiciones en Londres, en este momento. Continúo así la serie iniciada con las Exposiciones en Madrid, y Nueva York, y que completaré en breve añadiendo mis recomendaciones sobre exposiciones en París. Al igual que en artículos anteriores, os recuerdo que esta lista se actualizará periódicamente.

 

 

 

Tate Modern

  

08 septiembre goncharova

  

Natalia Goncharova

Hasta el 8 de Septiembre

  

La galería Tate Modern presenta este verano la primera retrospectiva jamás organizada en el Reino Unido sobre la artista rusa Natalia Goncharova. Con un talento reconocido desde su juventud, a la edad de treinta y dos años se erigió como líder de la vanguardia rusa tras presentar su obra en una gran exposición, celebrada en Moscú en el año 1913. Tras mudarse a Francia, comenzó a diseñar escenarios y vestuario para los Ballets Rusos de Diaghilev; a partir de ese momento residió en París durante el resto de su vida. Goncharova produjo una ingente cantidad de obra, en una amplia variedad de estilos y disciplinas y sin renunciar a la polémica. Experimentó con el cine, produjo libros y realizó diseños de moda para las casas más importantes de Moscú y París. Esta exposición explora sus distintas fuentes de inspiración, desde la artesanía y los textiles rusos hasta las vanguardias de la época.

 

 

 

 
 
    

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Serpentine Gallery

 

08 septiembre faith ringgold

  

Faith Ringgold

Hasta el 8 de Septiembre

  

Faith Ringgold creció en el contexto intellectual y creativo del Renacimiento de Harlem. Desde principios de los 60 la artista afroamericana ha producido una obra rica y variada, cargada de significado político. Una obra que incluye pinturas, colchas-historia, carteles de protesta y libros populares infantiles. “No puedo pasar por el mundo sin ser consciente de la influencia que la raza y el sexo tienen en todos los ámbitos de mi vida”, declaró Ringgold en una ocasión. Durante más de cinco décadas la artista se ha enfrentado de forma constante a las percepciones de la identidad afroamericana y a la desigualdad de género, siempre a través de los movimientos feministas y de derechos civiles. Centrada en las distintas series creadas en estas décadas, la exposición incluye piezas realizadas durante el Black Movement, entre ellas una obra dedicada a la activista Angela Davis.

 

 
 
    

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Barbican 

  

01 septiembre lee krasner

  

Lee Krasner - Living Colour

Hasta el 1 de Septiembre

  

Lee Krasner es una de las artistas más importantes de la pintura abstracta contemporánea. Y sin embargo, su obra siempre se ha visto eclipsada por la fama de su marido, el pintor norteamericano Jackson Pollock. El Barbican Museum de Londres ha decidido subsanar esta injusticia con una gran exposición retrospectiva, la mayor organizada en Europa en los últimos 50 años. La muestra relata la historia de una artista imprescindible, con un enorme talento para la creación y la invención. La investigación constante que realizó durante su vida comprende obras en distintos estilos y técnicas, desde el figurativismo de los inicios a la pura abstracción de sus últimos trabajos a gran escala. En total, el museo ha reunido cerca de un centenar de obras que reflejan a la perfección el sentir de Lee Krasner: “Me gusta que el lienzo respire y viva. Que esté vivo es la clave”.

 

 

 

 
 
    

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Saatchi Gallery

  

11 junio london saatchi gallery kaleidoscope

  

Kaleidoscope

Hasta el 21 de Julio

  

La Galería Saatchi de Londres se caracteriza por organizar algunas de las exposiciones visualmente más interesantes y arriesgadas de la escena artística internacional. Esta primavera, el espacio vuelve a sorprender con una selección de piezas multimedia que se agrupan bajo el título Caleidoscopio. La pieza central de la muestra es la obra Fata Morgana (en la foto), creada por la artista londinense Laura Buckley y que muestra un auténtico caleidoscopio de colores a gran escala. El público puede entrar en la obra y admirar los efectos de audio y luz, que generan una experiencia impactante. El resto de las piezas también trabaja sobre la distorsión de la percepción humana, explorando la forma en la que interactuamos con nuestro entorno. La muestra es, en definitiva, “una representación caleidoscópica del mundo que revela un cambio secuencial constante de elementos y medios”.

 

 

 

 
 
    

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British Museum

  

21 julio edvard munch love and angst

  

Edward Munch - Love and angst

Hasta el 21 de Julio

  

“No queremos bonitos cuadros para colgar en las paredes del salón. Queremos… un arte que arrastre y enganche. Un arte que salga de lo más hondo del corazón de cada uno”. Las palabras de Edward Munch son una declaración de intenciones que queda perfectamente reflejada en su obra. El British Museum homenajea y recuerda esta temporada al autor del rostro más icónico del arte contemporáneo (“El grito”) a través de una gran exposición que reúne más de 45 grabados originales del artista. Visceral, rebelde y ansioso de nuevas experiencias, Munch renunció a su rígida educación luterana para adoptar un estilo de vida cuando menos poco convencional. Sus obras destilan pasión e intensidad, captadas del mundo bohemio con el que se relacionó en sus viajes y de sus aventuras sentimentales. La exposición hace un repaso a los grabados de Edward Munch, mostrando su increíble dominio de la técnica de la estampación y los impresionantes resultados que obtuvo con ella.

 

 

 

 
 
    

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The National Gallery 

  

11 agosto sean scully

  

Sea Star - Sean Scully en The National Gallery

Hasta el 11 de Agosto

  

Sea star (La estrella del mar) presenta el resultado del trabajo reciente de Sean Scully, una serie de obras inspiradas en la National Gallery Collection y el lienzo The evening star, de William Turner. El pintor irlandés se apropia de la atmósfera del cuadro de Turner, y la emplea como de partida para crear su propio universo. En la obra se ve a un muchacho a la orilla del mar, que regresa a casa a medida que el cielo y el propio mar se oscurecen. Para Scully, esta melancólica imagen constituye una de las obras más profundas del pintor inglés y con las que mayor conexión experimenta. En esta exposición, su famoso imaginario abstracto regresa con fuerza; de nuevo, en forma de paneles pintados al óleo y texturas gruesas. Sus pinturas crean superficies ricas y poéticas, con diseños de franjas o cuadros que evocan paisajes, arquitecturas, horizontes, costas y prados. Como reseña The National Gallery, la muestra refleja la profunda admiración personal que profesa Sean Suclly por el color, la composición y el poder de la pintura.

 

 
    

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Tate Britain

  

11 agosto van gogh larlesienne 1890

  

The EY Exhibition: Van Gogh and Britain

Hasta el 11 de Agosto

  

Esta exposición es, sin duda, uno de los acontecimientos artísticos de la escena artística londinense de 2019. Se trata de la selección más grande de pinturas de Van Gogh mostrada en el Reino Unido desde hace cerca de una década. La muestra permitirá al público admirar obras de fama mundial como Noche estrellada en el Rhône o La Arlesiana, así como dos de las pinturas que realizó mientras estuvo ingresado en Saint-Paul Asylum: A las puertas de la eternidad y Prisioneros haciendo ejercicio. A estas dos obras les acompañará una obra rara vez cedida para su exposición: Girasoles, perteneciente a la National Gallery de Londres. Van Gogh vivió en Inglaterra cuando era joven y se enamoró de la cultura británica, especialmente de las novelas de Dickens y George Eliot. Su arte se vio fuertemente influenciado por las obras que vio en los museos y galerías británicos, realizadas por artistas como Constable o Millais y que también se pueden ver en la exposición. La muestra incluye obras de artistas que, a su vez, se inspiraron en el trabajo de Van Gogh, como Francis Bacon o David Bomberg.

 

 

 

 
 
    

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The National Gallery 

  

07 julio sorolla londres

  

Sorolla: Spanish Master of Light  

Hasta el 7 de Julio

  

La deslumbrante luz mediterránea que Joaquín Sorolla y Bastida capturó para siempre en sus lienzos desembarca en Londres este año, con la llegada de la primavera. La National Gallery de Londres acoge una gran retrospectiva del pintor impresionista valenciano, uno de los artistas que con más talento y vida consiguió recrear la luz de su tierra natal. Al mismo tiempo, Sorolla fue también un artista comprometido que no dudó en mostrar en sus lienzos las duras condiciones de vida de algunos de sus coetáneos. La exposición ha sido organizada por la National Gallery en colaboración con el Museo Sorolla de Madrid, y constituye la muestra más completa de la obra del artista programada fuera de España. Con un total de 85 obras que abarcan distinta temáticas (escenas de playa y de baño, retratos, escenas costumbristas…), la exposición se podrá visitar hasta principios de julio de 2019.

 

 

 

 
 
    

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Tate Modern 

  

14 julio magic realism

  

Magic Realism: Art in Weimar Germany 1919 - 33 

Hasta el 14 de Julio

  

Esta completa muestra hace una revisión al arte alemán de entreguerras, gracias a la cesión de la Colección George Economou. Los visitantes tendrán la oportunidad de admirar una amplia selección de obras que normalmente no están expuestas al público, junto con una cuidada representación de piezas pertenecientes a la Tate. La exposición explora el trabajo de una serie de artistas de la época de Weimar, entre ellos Otto Dix, George Grosz y Jeanne Mammen. Aunque el concepto “realismo mágico” suele relacionarse con la escuela de literatura latinoamericana, en realidad fue creado por el artista y crítico alemán Franz Roh, quien lo inventó para describir un arte que se alejaba del expresionismo de la época para crear imágenes de técnica impecable y fría veracidad. En una era en la que los extremismos crecían sin control, el nuevo punto de vista de los artistas se dedicó a reflejar la experiencia social de la época, sin renunciar a la emoción y a la magia.

 

 
 

  

 

Actualizado el 30 de Junio de 2019

 

Comparto con vosotros lo que para mí, son las mejores y más interesantes exposiciones en París en este momento. Completo así la serie iniciada con las Exposiciones en MadridNueva York y Londres. Al igual que en artículos anteriores os recuerdo, que podéis guardar esta página pues las exposiciones se actualizarán periódicamente.

 

 

 

Museo de Montmartre

 

08 septiembre dorignac

 

Georges Dorignac - Cuerpos y Almas

Hasta el 8 de Septiembre

 

Dorignac empezó su carrera artística realizando obras de inspiración puntillista e impresionista, tras la estela de maestros como Millet, Seurat o Signac. El pintor y escultor francés se instala en 1901 en Montmartre, París, donde se relaciona con figuras como Modigliani o Soutine. Tras vivir la efervescencia creativa y cosmopolita de la Escuela de París, decide emprender una carrera completamente independiente inspirándose en el arte romano, oriental y medieval. Tal y como declaró Rodin en su momento, “Dorignac esculpe sus dibujos”. El Museo de Montmartre le dedica este año la exposición Corps et Âmes, una selección de más de ochenta obras la mayoría de las cuales nunca han sido mostradas al público. La muestra desvela la amplia variedad de técnicas y estilos trabajados por el artista, cuya obra destila una estética extraña, atractiva y fascinante.

 

 

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Museo Jacquemart-André

 

22 julio sunshine in the drawingroom

Hammershøi, Maestro de la Pintura Danesa

Hasta el 22 de Julio

 

Vilhelm Hammershøi (1864-1916) es un artista que despierta auténtica fascinación. Sus ambientes desnudos y poéticos, cuya inquietante desolación entronca directamente con obras como la del norteamericano Edward Hopper, se pueden descubrir esta temporada en el Museo Jacquemart-André de París gracias a la retrospectiva dedicada al artista por la institución. Las exposiciones organizadas por el Petit Palais y el Museo d’Orsay en 1987 y 1997 descubrieron al público el fascinante trabajo del pintor danés, formado por un cuerpo de obra donde se repiten los interiores vacíos, ligeramente difuminados. Espacios habitados (tan solo en ocasiones) por mujeres de espaldas, o por personajes solitarios enfrascados en su introspección. La muestra reúne la obra completa de Hammershøi, que retrata constantemente a los ambientes y las personas que formaban parte de su círculo de intimidad.

 

 

 

 

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Museo de Luxemburgo

 

30 junio nabis decor

Los nabis y la decoración

Hasta el 30 de Junio

 

El grupo de los nabis floreció en París a finales del siglo XIX, generando una corriente de aire fresco frente a la estética del pastiche que triunfaba en el arte francés de la época. Pioneros en fusionar las artes plásticas con la decoración, la artesanía y el interiorismo, crearon piezas elegantes y contemporáneas que perseguían relacionar el arte con la vida y la sociedad. Esta exposición reúne obras de artistas como Bonnard, Sérusier, Ranson, Vallotton y Vuillard (entre otros). Sorprendentemente modernas, son piezas que rompen la frontera invisible entre la técnica y la creatividad, la vida y el arte. Las obras muestran los temas preferidos por el grupo: la relación entre la mujer y la naturaleza, el esoterismo, la introspección y la espiritualidad. En la exposición, además, se reconstruyen parte de los paneles decorativos creados por los nabis hace más de cien años con la mayor precisión posible.

 

 

 

 

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Centro Pompidou

 

16 septiembre prehistoire

Mural de Miquel Barceló y escultura de Louise Bourgeois 

Prehistoria, un enigma moderno

Hasta el 16 de Septiembre

 

La modernidad que despliegan muchas obras con miles de años de antigüedad es algo que ha sorprendido siempre a los artistas y los amantes del arte. La exposición Prehistoria, un enigma moderno, inaugurada para esta temporada en el Centro Pompidou de París, hace hincapié, precisamente, en eso: en la forma en la que los iconos artísticos prehistóricos y contemporáneos parecen retroalimentarse. En la muestra, las piezas más sugerentes y misteriosas creadas durante los años prehistóricos se exponen junto con obras creadas por iconos del arte actual, como Miquel Barceló, Louise Bourgeois, Picasso o Dove Allouche, entre otros. El visitante está invitado a realizar un viaje a través del tiempo, donde experimentará la fascinación de los creadores modernos por el origen de las sociedades y las culturas. Un muestra imprescindible que nos sumerge en el aspecto más primigenio del arte, tanto antiguo como actual.

 

 

 

 

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Museo de Arte Moderno de la Villa de París

 

14 julio houseago

Thomas Houseago - Casi Humano

Hasta el 14 de Julio

 

La exposición Casi Humano recorre la evolución constante del trabajo del escultor y pintor británico Thomas Houseago, desde los años 90 del siglo XX hasta nuestros días. Es la primera retrospectiva que Francia dedica al artista, hoy una figura de primer orden en la escena artística internacional. Houseago vive y trabaja en Los Ángeles, EEUU desde el año 2003 y basa su obra en la combinación de materiales (piedra, madera, bronce, hierro...), siguiendo la tradición abstracta y matérica de creadores como Henry Moore o Georg Baselitz. El centro de su trabajo es la figura humana y su movimiento en el espacio, lo que resulta evidente en la exposición: los espacios monumentales que la acogen se convierten en parte imprescindible del montaje. Las esculturas de Houseago fluctúan así entre la fuerza y la fragilidad, creando piezas sugerentes y poderosas.

 

 

 

 

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Grand Palais

 

21 julio RED

 

RED - Arte y utopía en el país de los Soviets

Hasta el 21 de Julio

 

La Revolución de Octubre de 1917 causó un auténtico terremoto en el orden social europeo. Lógicamente, las repercusiones sobre la escena artística internacional no se hicieron esperar. Muchos artistas se comprometieron con la causa comunista, involucrándose en la construcción de la nueva sociedad a través de sus obras. Sin embargo, las ideas innovadoras y apasionantes de la primera década (generadas por un auténtico deseo de lograr una sociedad igualitaria) se vieron silenciadas a finales de los años 20 por el régimen estalinista. El arte pasó a estar dominado por el realismo socialista, una doctrina estética que llegó a abarcar todas las áreas de la creatividad. La influencia de la corriente alcanzó incluso a los artistas de otros países, aún comprometidos con la causa soviética y deseosos de seguir las pautas de la “patria del socialismo”. La exposición crea un relato de esta historia a través de obras de primer orden, prestadas por los museos rusos más importantes y por el Centro Pompidou.

 

 

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Museo d'Orsay

 

21 julio modelo negro

 

El modelo negro de Géricault a Matisse

Hasta el 21 de Julio

 

Esta exposición adopta un punto de vista multidisciplinar en el cual mezcla la historia del arte con la propia historia de las ideas. Las obras de la muestra exploran aspectos estéticos, políticos, sociales y raciales, así como la imaginería revelada por la representación de modelos negros en las artes visuales. Las obras abarcan la etapa comprendida entre la abolición de la esclavitud en Francia, acaecida en 1794, hasta la actualidad. Organizada para aportar una perspectiva a largo plazo, la selección de obras se centra particularmente en tres periodos: la época de la abolición (primera mitad del siglo XIX), la llegada de nuevas escuelas de pintura y el movimiento de vanguardias de principios del siglo XX. La muestra se centra especialmente en el tema de los modelos y el subsecuente diálogo entre el artista (que pinta, esculpe, graba o fotografía) y la persona que posa para la obra. En la exposición se pueden contemplar obras maestras de pintores y fotógrafos como Manet, Géricault o Nadar.

 

 

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Museo del Hombre

 

30 junio salgado paris

 

¡Declaraciones! - Sebastião Salgado

Hasta el 30 de Junio

 

La exposición que presenta el Museo del Hombre de París hasta el verano de 2019 reúne treinta imágenes en gran formato del fotógrafo brasileño Sebastião Salgado, figura principal del fotoperiodismo y la fotografía artística de los siglos XX y XXI. La muestra se inspira en el 70 Centenario de la Declaración de los Derechos Humanos e ilustran algunos de los artículos del texto, referidos a conceptos fundamentales como la libertad de pensamiento y conciencia, el derecho al trabajo o el derecho al asilo. El artista y fotógrafo ha seleccionado las imágenes dentro de su trabajo retrospectivo, de forma que los visitantes podrán admirar y descubrir fotografías realizadas a lo largo de los 40 años de trayectoria de Salgado. Las imágenes reflejan las vivencias de los distintos grupos sociales a lo largo del mundo, en países como Sudán, Francia, México, Brasil o India, entre muchos otros. En sus propias palabras: “No quiero apreciar la luz ni la paleta de tonos. Quiero que mis fotos informen, provoquen el debate”.

 

  

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Museo Picasso

 

25 agost calder picasso

 

Calder - Picasso 

Hasta el 25 de Agosto

 

Dos de las figuras más relevantes del arte del siglo XX, Alexander Calder y Pablo Picasso, exploraron hasta el límite las posibilidades de la abstracción como vía para alcanzar nuevos caminos plásticos, alejados de la tradición y la figuración clásica. Las posibles relaciones entre sus obras son infinitas, pero en esta exposición se explora sobre todo la investigación que ambos realizaron sobre el vacío y/o la ausencia del espacio. Tanto Calder como Picasso aspiraban a representar el no-espacio, bien mediante una eliminación de las masas (que queda patente en las esculturas de Calder), bien vía las contorsiones del tiempo (en los retratos de Picasso). La selección reúne unas ciento veinte obras, todas ellas relacionadas con la idea del vacío generado por la ausencia de masa. La muestra ha sido organizada con la colaboración de la Calder Foundation de Nueva York, la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte y el Museo Picasso de Málaga.

  

 

 

 

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