Alejandra de Argos por Elena Cue

 

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 Foto: Alejandra de Argos

 

"Aventura de una noche" fue el nombre del evento explosivo creado por Cai Guo-Quiang, uno de los artistas chinos más célebres del mundo. Consistió en un acto conceptual pirotécnico que estalló en las aguas del Sena con motivo de la "Nuit Banche" parisina. Sexo y explosivos se fusionaron en la ciudad del Amor a lo largo de una noche mágica. 


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Desde hace doce años y, en el primer fin de semana de Octubre, París alberga "La Nuit Blanche", un importante evento de arte contemporáneoLa noche empezó a bordo de un  bateau-mouche en el que el artista trató de explicar la experiencia que ibamos a vivir, un ejemplo de arte efímero que se dividiría en tres fases. El escenario elegido eran las orillas del Sena, entre el museo D'Orsay y el Louvre, para percibir una experiencia romántica, elogio a Eros, en la capital del amor. Allí se congregaron miles de personas que se iban situando a lo largo del Sena.

 

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Una vez que supimos cómo se iba a desarrollar el evento, emprendimos la marcha a lo largo del Sena. La guía fue Lulú, que portaba un farolillo rojo. El punto donde se iba a llevar a cabo el espectáculo se podría observar desde unas gradas instaladas para la ocasión. La exhibición se hizo esperar media hora hasta que llegó el alcalde de París Bertrand Delanoë, financiador del evento. Entonces empezó la primera escena, con una duración de doce minutos, medida que se estima que tienen los franceses al hacer el amor. La música estuvo a cargo de Tan Dun, compositor y director conceptual chino, de su creación The Pink, música ritual en sonido y danza. Fue grandiosa la simbiosis de la música con una espectacular explosión de fuegos pirotécnicos que expresaban el proceso de hacer el amor y su metafórica erupción.

 




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A French Love Encounter in Cai Guo-Qiang’s One Night Stand: Explosion Event for Nuit Blanche, realized on October 5 on the Seine River, Paris, France, 2013. Photo by Thierry Nava, courtesy Cai Studio.


 

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La segunda escena fue el momento de los amantes, donde dos bateau-mouche, con cincuenta carpas rojas, acogían a cien personas de todas partes del mundo en un acto multicultural. Cada tienda contenía una pareja haciendo el amor. Si querían compartirlo con el espectador tenían que encender la luz y entonces podrían ser observadas las sombras desde el exterior o la tendrían apagada. Todas fueron encendidas.

 

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Lovers’ Time in Cai Guo-Qiang’s One Night Stand: Explosion Event for Nuit Blanche, realized on October 5 on the Seine River, Paris, France, 2013. Photo by Lin Yi, courtesy Cai Studio.

 
 

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Lovers’ Time in Cai Guo-Qiang’s One Night Stand: Explosion Event for Nuit Blanche, realized on October 5 on the Seine River, Paris, France, 2013. Photo by Lin Yi, courtesy Cai Studio.

 

   

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  Foto: Alejandra de Argos

A los barcos les rodeaban unas pequeñas lanchas dirigidas por unos hombres enfundados en unos trajes de luces blancas. Ellos eran los encargados de lanzar los fuegos artificiales durante quince segundos, cada vez que una pareja se daba placer. Momento en el que se  provocaba una reacción emocional entre las parejas y la audiencia.

 

 

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Y finalmente, pudimos disfrutar de la última explosión de unos elegantísimos y excepcionales fuegos artificiales para despedir la noche. El estado de emoción colectiva tras esta experiencia tan intensa, era enormemente palpable en el ambiente que se respiraba en las orillas del Sena. Este rio fue el otro gran protagonista de la noche, testigo de la Historia de Francia y compañero, en ambos lados del cauce, del Palacio del Louvre y el Museo D'Orsay. 

 

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Lovers’ Time in Cai Guo-Qiang’s One Night Stand: Explosion Event for Nuit Blanche, realized on October 5 on the Seine River, Paris, France, 2013. Photo by Lin Yi, courtesy Cai Studio.

 

 Recomendaciones:

 

En las mismas fechas tuvo lugar la ''Blanch Nuit'' en Toronto. Ai Weiwei, uno de los artistas chinos conceptuales más importante de nuestros tiempos, fue el encargado de crear una Colosal instalación que vale la pena ver.

http://www.thisiscolossal.com/2013/10/forever-bicycles-ai-weiwei-toronto/

 

 

 

 

¡¡El horror!! ¡¡El horror!! Terroríficas y enigmáticas  palabras pronunciadas por Kurtz antes de morir, después de haber descendido a los infiernos de la degradación moral, en la obra de Joseph Conrad El corazón de las tinieblas. El colonialismo que se dio en el Estado Independiente del Congo, que fue administrado privadamente por el Rey Leopoldo II de Bélgica entre 1885 a 1908, guarda similitud con el totalitarismo de Hitler. Durante este periodo alrededor de diez millones de africanos fueron exterminados. La población congoleña fue sometida a una extrema explotación bajo una esclavitud salvaje. La extracción de recursos naturales como caucho, marfil y resina enriquecieron descomunalmente a este responsable de una de las mayores tragedias de la humanidad.

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¡¡El horror!! ¡¡El horror!! Terroríficas y enigmáticas  palabras pronunciadas por Kurtz antes de morir, después de haber descendido a los infiernos de la degradación moral, en la obra de Joseph Conrad El corazón de las tinieblas.

El colonialismo que se dio en el Estado Independiente del Congo, que fue administrado privadamente por el Rey Leopoldo II de Bélgica entre 1885 a 1908, guarda similitud con el totalitarismo de Hitler. Durante este periodo alrededor de diez millones de africanos fueron exterminados.

La población congoleña fue sometida a una extrema explotación bajo una esclavitud salvaje. La extracción de recursos naturales como caucho, marfil y resina enriquecieron descomunalmente a este responsable de una de las mayores tragedias de la humanidad.

 

 

 

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En el caso de Hitler, fue responsable de la muerte de 22 millones de personas de los cuales  6 millones eran judíos. Hombres, mujeres y niños fueron arrebatados de sus núcleos familiares y conducidos a campos de concentración donde los  que no eran aptos para trabajar eran enviados a la cámara de gas y el resto eran destinados a la esclavitud, sufriendo la más espantosa degradación física y moral. Cualquiera de los supervivientes del Holocausto quedaron marcados por ¡¡El horror!!

 

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Ese ¡¡horror!! es el eje que subyace en la película donde el personaje de Hannah Arendt es llevado a la pantalla magistralmente por la directora alemana Margarethe Von Trotta y encarnado formidablemente por la actriz Barbara Sukova. La pelicula esta basada en su libro Eichmann en Jerusalén. Resulta muy complicado llevar a la pantalla a una pensadora de esta talla tan creíblemente. Las imágenes originales del juicio a Eichmann son muy potentes y hacen junto con la ambientación que nos sumerjamos de lleno en la época.

 

 

la foto 1 (6)Hannah Arendt, filósofa alemana de origen judío, fue una de las teóricas políticas más influyentes del s XX. Huyó de su país cuando se vio en peligro pero no pudo escapar de ser confinada en un campo de concentración en Francia del que más tarde escapó rumbo a Estados Unidos.

Pocos años después del fin de la Segunda Guerra Mundial, en 1961 la revista The New Yorker quiere cubrir el juicio que se llevará a cabo en Jerusalén a Adolf Eichmann, teniente coronel encargado de llevar a cabo la solución final de los judíos organizando su transporte hacia los campos de concentración para su exterminación. El Mossad lo había secuestrado en Argentina y llevado a Israel para su procesamiento. Arendt desea seguir el proceso y así se lo hace llegar a la revista que acepta encantada la propuesta. La suma de los artículos que escribe para la revista conformaran la edición del libro Eichmann en Jerusalén.

 

 

La película nos relata la vida y proceder de Hannah Arendt en ese periodo concreto de tiempo. Fue una mujer de fuerte personalidad e independencia que aprendió a pensar con Martin Heidegger, amante suyo, antes de que éste apoyara al partido nazi.

Lo más interesante es como se enfrentó con este juicio a toda la comunidad judía, a una gran parte de la población, e incluso a muchos amigos, por llevar hasta las últimas consecuencias esa libertad absoluta de pensamiento que siempre la caracterizó.

Se dio por descontado que siendo judía su análisis sería totalmente partidario y que no tendría ninguna fisura, pero si hubo, ya que denunció la parcialidad con que se llevó a cabo el proceso, señaló la importancia que tuvieron algunos líderes judíos que facilitaron listas de sus congregaciones y provocaron deportaciones masivas, o la más importante, que acuño el concepto de "banalidad del mal" como otra forma de culpabilidad irreflexiva llevada a cabo por una cuestión de orden y obediencia.

Leopoldo II, Adolf Eichmann, líder y sirviente, ¿que juicio ético se merecería cada uno? La sentencia en los dos casos sería culpable pero ¿con matices?

 

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“Si es verdad que una cosa, tanto en el mundo de lo histórico-político, como en el de lo sensible, sólo es real cuando se muestra y se percibe desde todas sus facetas, entonces siempre es necesaria una pluralidad de personas o pueblos, y una pluralidad de puntos de vista, para hacer posible la realidad y garantizar su persistencia. Dicho con otras palabras, el mundo sólo surge cuando hay diversas perspectivas (...). Si por el contrario, aconteciera que a causa de una enorme catástrofe, restara un sólo un pueblo sobre la tierra, en que todos vieran y comprendieran todo desde la misma perspectiva, y vieran en completa unanimidad, entonces el mundo, en sentido histórico-político, llegaría a su fin y los supervivientes, que permanecerían sin mundo sobre la tierra, no tendrían más en común con nosotros.” Hannah Arendt.

 

 

 

 

 

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Ayer se inauguró la exposición dedicada al diseñador y arquitecto Ron Arad en la galería Ivorypress de Madrid, fundada y dirigida admirablemente por Elena Foster. En este espacio, tipo garage neoyorquino se despliega el soberbio mundo de Ron Arad.

Lo primero que te recibe es una mesa de ping pong de acero inoxidable y bronce de una belleza extrema en su diseño de líneas. En esta pieza de museo se pudo observar las extraordinarias dotes del artista con este juego heredado de los ingleses.

 

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La exposición nos acerca más a conocer su obra global que estriba en la arquitectura, diseño de muebles, iluminación y escultura. El repertorio de sillas de diseño es interesantísima, desde la primera silla que realizó, la New Rover chair, fruto de la unión de dos ready-mades; un asiento de un Rover 200 sobre un bastidor de Kee-Klamp, hasta las espectaculares sillas que podemos disfrutar en la exposición como la Narrow Pappardelle desplegando toda su poesía, a la Blo Void que abandona la funcionalidad para convertirse en una escultura o la sin igual Gomli que según el artista, el nombre tiene que ver con su amigo Antony Gormley y que está diseñada para la comodidad sin ideas preconcebidas de la belleza.




 

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Artista versátil, sumamente creativo, magistral en la utilización de materiales, a los cuales da vida al dotarlos de movimiento. Suele experimentar con acero, aluminio, polietileno o corian con los que juega con una libertad que da unos resultados sorprendentes. Como sorprendentes son las estanterías. El primer impacto visual lo recibes con una extraordinaria representación del mapa de China en acero inoxidable o la No Bad Colours, una estantería con una nueva tecnología que hace que cambie de color, es de una creatividad asombrosa que hace acercarnos a un nuevo concepto en el diseño. Una de las más interesantes fue Restless Shelves, movimiento, armonía y diseño aunado en una gran pieza. 

 

 

 

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Blame the tools, recreación de un Fiat 500, proyectos de arquitectura, diseños de gafas...

Todo ello nos sumerge en un mundo fascinante.

 

 

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En arquitectura destacaría el flamante Museo del Diseño Holon cerca de Tel Aviv, ciudad natal del artista. Una impresionante estructura en acero cor-ten rodea el museo en forma de espiral que recuerda más a una monumental escultura. Un ejemplo de como la arquitectura, la escultura y el diseño se funden en el espacio.

 

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Esta exposición es el ejemplo de su gran lema "El único principio es no basarse en lo que ya existe". Esto y mucho más es lo que se puede encontrar en Ivorypress gracias a los esfuerzos de Elena Foster por acercarnos a conocer a estas grandes figuras del diseño, la arquitectura o la pintura.

 

 

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En 1999 fui a visitar el magnífico Palacio Ducal de Gubbio, joya del Quatroccento que había pertenecido a Federico de  Montefeltro, Duque de Urbino. Allí en sus frías y vacías salas se exponía parte de "La colección Panza di Biumo", con obras pertenecientes a los años ochenta y noventa. 

Cuadros monocromáticos impregnaban las paredes en diversos formatos, y cada artista tenia un espacio reservado para relumbrar. Podías encontrar la simplicidad y armonía de los cuadros de Ettori Spalletti, los monocromos  metálicos de David Simpson, los cuadros geométricos de Ford Beckman o unos pequeños cubos de Stuart Arends que llamaban la atención por su pequeño tamaño, pintados en diversos colores y colocados en una inmensa pared donde parecía que la obra se perdía.

  

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Panza en su libro Memories of a Collector dice que la obra de este artista de tremenda imaginación y sensibilidad no tiene ideología detrás, la única razón es la belleza de la composición y de los colores. En sus memorias hace un recorrido de como empezó su colección a partir de los años cuarenta, descubriendo los artistas mas importantes de las nuevas vanguardias americanas. En una época en que Europa no miraba hacia América, Panza introdujo en sus museos, los artistas mas destacados del expresionismo abstracto, minimalismo, pop art o arte conceptual.

 

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En Varese cerca de Milán se encuentra el maravilloso palacio "Villa Menaflogio" la que fuera residencia hasta su muerte de uno de los grandes coleccionistas de arte contemporáneo de la historia, Giuseppe Panza. Su viuda Giovanna, su gran amor y con la que compartió su afición por el arte sigue viviendo allí. Su pasión y sus inquietudes abarcaban muchos campos, era un apasionado del arte pero también de la filosofía, la astronomía o la biología. La filosofía está muy presente en la elección de todas sus obras. Era un afirmador de la vida que no detuvo su búsqueda de la verdad.

 

 

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El primer cuadro que compró para su colección fue adquirido en 1956 y fue un Tápies, del cuál le atrajo el pesimismo que desprendía hacia la vida producto del trauma social y convulsiones políticas vividas después de la Segunda Guerra Mundial y  que a él también le afectaba profundamente.

En una época en la que Europa no miraba hacia el arte americano, él comenzó a coleccionarlo donde el ambiente era mucho más vital y los precios más asequibles. A finales de los años 50 comienza a comprar la espiritualidad de Rothko, la cotidianidad como forma conceptual de expresión de Rauschenbergs, la eternidad de Kline... Y ya en los años 60 se dirige hacia el arte en pura esencia, despojándolo de todo lo que sobra, adquiriendo arte minimal y arte conceptual añadiendo a su colección artistas como Donald Judd, Dan Flavin, Richard Serra, Bruce Nauman o Robert Morris. También dirige su interés por el pop art con piezas de Lichtenstein, Oldenburg o Rosenquist entre otros hasta completar una colección que sobrepasa las 2500 obras  donde se puede ver representadas todas las vanguardias de la segunda mitad del s XX.

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Aunque la mayor parte de su colección fue adquirida por el Museo de Arte Contemporáneo de los Angeles y el Guggenheim de Nueva York, en "Villa Menaflogio" se puede visitar su colección permanente. Lo más destacable es una zona repleta se salas cada una de ellas dedicada a una instalación de Dan Flavin,  uno de los espacios permanente más extenso dedicado a este artista. En un silencio absoluto ibas recorriendo el pasillo al cual acudían las luces de las diferentes habitaciones. Entrabas en un estado místico de intensa contemplación. Como también fueron magníficas las obras de James Turrell que modificando el ambiente consiguen engañar tus sentidos, jugando con el espacio, la luz y nuestras percepciones. David Simpson, Max Cole, Fredenthal, Charlton, Beckman conviven con una de las mejores colecciones de arte africano y precolombino en este maravilloso palacio del s XVIII. 

 

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Una visita más que recomendable al museo de un hombre que intento comprender a través del arte de su tiempo, al hombre contemporáneo y las transformaciones que estaba sufriendo. Esa relación de la obra con el paso del tiempo y transmisora de las inquietudes más profundas del ser humano con su existencia, fueron el hilo conductor de este grandioso hombre y su colección.

 

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Donald Judd Foundation

                                                  Judd Foundation. Photo Paul Katz/ © Paul Katz/Courtesy; Judd Foundation Archive

 

Hace años quise visitar en Nueva York la Donald Judd Foundation, la que fuera casa y estudio desde 1968 del máximo representante del minimalismo. Aquella vez no pudo ser ya que transcurrieron tres años hasta que finalizó la restauración.

 


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En la calle 101 Spring street, en pleno Soho, se levanta un maravilloso edificio de hierro fundido del s XIX. Se divide en cinco plantas tipo loft donde se distribuía la casa-estudio de Judd. "Una planta, una actividad" como decía en sus textos sobre el edificio. Y así lo distribuyó. En la planta de arriba se encontraba su dormitorio, con obras de amigos como Dan Flavin, quien instaló una espectacular escultura de fluorescentes imitando un muro de ventanas, o una escultura de metal prensado de chatarra de Chamberlain colgando de la pared. En la cuarta plantaestán el salón de entretenimiento y el comedor. La tercera está dedicada a su estudio de trabajo y exposición, en el cual destacaba un Fank Stella de grandes dimensiones y muebles de diseño.

 

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La segunda planta es un espacio reservado a la cocina y closet para los niños con un teatro para entretener a las visitas. La entrada sirve también de exposición,  allí destacaba una escultura de Carl André y obras del propio Judd.

Su filosofía de la instalación permanente es que el lugar de trabajo del artista es crucial para entender su propia obra. Por ello, pidió a sus hijos, Flavin y Rainer, copresidentes de la Fundación que mantuvieran exactamente la casa como él la dejó. En ella, además de sus propias obras, también destacan las de Larry Bell, ClaesOldenburg, un fresco de David Novros o muebles diseñados por Alvar Aalto.

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Otra de sus famosas instalaciones permanentes es la que se encuentra en Marfa, Texas donde se fue a vivir en 1971. Allí, en medio del campo, pudo llevar a cabo sus principios sobre la instalación permanente y, además, acometerlos a gran escala colocando en el paisaje desértico quince cajas vacías gigantes. También se puede encontrar la Chinati Foundation creada por él y que cuenta también con obras de amigos como John Chamberlain, Dan Flavin, Claes Oldenburg o Roni Horn que siguen sus principios estéticos y de permanencia.

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Donald Judd, un artista que aunque no participaba de su encasillamiento como minimalista, siempre buscaba la simplicidad de la forma y la relación de los objetos en el espacio. Lo que parece evidente es que cuanto más simple es la obra, más complejo es su significado.

Básicamente se centró en la escultura. Para Donald Judd"el espacio real es intrínsecamente más poderoso y específico que la pintura en una superficie plana. Lo tridimensional puede adoptar cualquier forma regular o irregular, y puede establecer todo tipo de relación con el entorno o no establecer ninguna en absoluto"

La Donald Judd Foundation es un edificio amplio, de grandes ventanales que lo impregnan todo de luz y donde el suelo y las escaleras de madera antiguas le dan un toque muy decadente. La arquitectura del edificio, las esculturas, sus pinturas y diseño se unen en el espacio creando un ambiente muy especial que nos transporta a una época pasada. Es un lugar que hay que visitar más de una vez para impregnarse de todo lo que el artista quería transmitirnos.

 

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Una de las exposiciones a destacar en la Bienal de Venecia de este año, es sin duda la que se ha llevado a cabo en el Palazzo Grassi, dedicada al artista italiano Rudolf Stingel.

Recuerdo la primera retrospectiva de Stingel que se realizó en Estados Unidos, concretamente en Chicago en el año 2007. En esa ocasión, había recubierto las paredes de una sala con espuma de poliestireno revestido de aluminio. Invitaba a interactuar con la obra mediante la intervención manual de los visitantes que podían raspar el aluminio escribiendo, dibujando o garabateando en los paneles. El artista  busca involucrar al espectador y hacerle participe del proceso de creación.

 

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En esta ocasión el Palazzo Grassi, edificio del s. XVIII, ha sido el lugar elegido para una gran exposición, en la cual, Stingel ha realizado una impresionante instalación, recubriendo suelos y parades del Palacio con una descomunal alfombra, giño al padre del psicoanálisis Sigmund Freud. Curioso el ambiente que crea esta referencia al psicoanalisis con los cuadros de santos barrocos y góticos y los cuadros monocromáticos. La mirada atrás en el tiempo y todo lo que implican esas imágenes, podría llevar implícita una analogía con la terapia freudiana. Especial atención provoca el Cristo sesgado, tomado desde una perspectiva que hace de ella una obra muy turbadora.




 

 

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La combinación de la instalación con los cuadros crea una sensación extraña. Al contemplar los cuadros con un fondo que debería estar reservado para el suelo, consigue un efecto que distorsiona la percepción y la perspectiva. Surge algún momento de aturdimiento.



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La percepción del arte por parte del espectador es otra de las inquietudes del artista. A través del arte conceptual, las instalaciones y el hiperrealismo, sondea los procesos de creación. Recomiendo un estudio profundo de un artista con una obra tan prolífica y heterogénea que hace de él un artista muy sugestivo.

 

 

 

 

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"Gazing Balls" es el nombre que recibe el último trabajo realizado por el artista estadounidense Jeff Koons (1955), expuesto en la flamante galería de arte que David Zwiner tiene en Chelsea,  Nueva York.

Produce gran impacto adentrarse en la galería de blancas paredes y descubrir un asombroso espectáculo visual. Inmensas esculturas Greco Romanas te rodean en un diálogo apasionante; Hércules, Afrodita, Narciso, Dionisio… Todos ellos arrebatados de su contexto natural, en una coexistencia con la modernidad, en la que el tiempo acaba por ocultarse. Las esculturas, realizadas en escayola blanca y pura, y cada una de ellas sosteniendo una bola azul eléctrica, suscitan un estado de equilibrio muy singular. El contraste creado por el azul sobre blanco, provoca una visualización muy contemporánea, incrementada con el efecto que producen las obras a gran escala.

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Las bolas de cristal, pintadas desde su interior, son un recuerdo de la infancia que vivió el artista en York, Pensilvania, donde la gente de clase media acostumbraba a ponerlas en sus jardines. Antaño de espejo, adoraban el poder de su estética que lo refleja todo. Paulatinamente acabó convirtiendose en símbolo de estatus. 

 

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Jeff Koons, escultor figurativo, crea una especie de collage entre la cultura pop y la historia del arte. Sobre ello ha dicho:

“He pensado en Gazing balls durante décadas. He querido demostrar la afirmación, generosidad, el sentido del lugar, y el gozo de los sentidos que simboliza la Gazing balls. La serie de Gazing balls se basa en la transcendencia. La realización de la mortalidad es pensamiento abstracto y desde ahí, se puede obtener un concepto del mundo externo, la familia, la comunidad, y un diálogo más extenso con la humanidad más allá del presente. La serie de Gazing balls se basa en la mirada del filósofo, empezando por la transcendencia a través de los sentidos, pero dirigiendo la visión ( la mirada del filósofo) hacia lo eterno a través de forma pura e ideas.”



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Koons ha sido catalogado por The New York Magazine como el artista americano más importante desde Warhol. Es una figura muy destacada de nuestro tiempo, ya que tiene una extraordinaria habilidad para reflejar los valores y deseos de toda una época. Artista Neo-Pop refleja con ironía la sociedad de consumo que le ha tocado vivir y la explota a través de sus instalaciones, esculturas, fotografías y pinturas.

La visión de los artistas contemporáneos proyecta el reflejo de nuestra era; caracterizada por sociedades acomodaticias, atacadas por el consumismo, la inmediatez, las nuevas tecnologías, utilitarismo, etc… nos enfrenta a nuestra realidad para provocar una reflexión muy necesaria.

 

 

 

 

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