Alejandra de Argos por Elena Cue

La idea de pasear por París con un propósito específico resulta muy reconfortante cuando una ciudad ofrece tantas posibilidades que incluso puede llegar a abrumar al más ávido visitante. Nuestros pasos se dirigen hacia algunos de los edificios diseñados por el arquitecto y diseñador Robert Mallet Stevens (1886-1945) figura clave de la vanguardia de entreguerras francesa. Durante el periodo de entreguerras París vivió con intensidad la arquitectura, el diseño, la música, el cine, la moda, la fotografía, etc., y la colaboración entre artistas de diversas ramas se intensificó para crear un arte mucho más transversal capaz de aglutinar distintas tendencias que van desde la abstracción geométrica hasta el Art déco.

Autor colaborador: Maira Herrero, 

Maira

 

 

 

 

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Casa Mallet Stevens. Paris

 

La idea de pasear por París con un propósito específico resulta muy reconfortante cuando una ciudad ofrece tantas posibilidades que incluso puede llegar a abrumar al más ávido visitante. Nuestros pasos se dirigen hacia algunos de los edificios diseñados por el arquitecto y diseñador Robert Mallet Stevens (1886-1945) figura clave de la vanguardia de entreguerras francesa.

Durante el periodo de entreguerras París vivió con intensidad la arquitectura, el diseño, la música, el cine, la moda, la fotografía, etc., y la colaboración entre artistas de diversas ramas se intensificó para crear un arte mucho más transversal capaz de aglutinar distintas tendencias que van desde la abstracción geométrica hasta el Art déco. Las artes aplicadas adquieren un papel fundamental y los diseñadores investigan nuevos materiales para poner en práctica otros métodos constructivos más eficaces y accesibles.

 

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Casa Mallet Stevens. Paris

 

En 1929 Mallet- Stevens, junto a otros grandes figuras (Le Corbusier, Pierre Jeanneret, Jean Prouvé, Charlotte Perriand) fundó la Unión de Artistas Moderno, UAM, con la idea de innovar el mundo del diseño en todas sus vertientes e incorporar todas las premisas de la modernidad rompiendo las fronteras entre pintura, escultura, arquitectura, diseño gráfico, tipografía y artes aplicadas.

Mallet Stevens definió su arquitectura como conjunto de elementos formados por superficies lisas, aristas vivas, curvas limpias, ángulos rectos, claridad y orden. La economía de medios y la lógica constructiva presidieron su obra tanto en el terreno constructivo como en el del diseño.

 

 

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Casa Mallet Stevens. Paris

 

RUE MALLET STEVENS. DISTRITO Nº16

Es una pequeña calle ajardinada a la que se accede desde la Rue du Docteur Blanche (aquí está la Fundación Le Corbusier) diseñada y edificada por Mallet Stevens. En 1926 recibió el encargo de construir seis viviendas unifamiliares en una parcela propiedad de Mme. Noailles, para la que ya había trabajado con anterioridad (Villa Noailles construida en 1923 en Hyéres). La parcela se dividió longitudinalmente  y a ambos lados se construyeron las viviendas. El encargo fue concebido como una unidad constructiva y puso a prueba no sólo la intersección entre disciplinas sino su relación con el entorno residencial donde se levantó. Un mismo sistema constructivo en un juego de alturas realizado con cubos de distintas dimensiones, revela una cierta complejidad y sofisticación dentro de una apariencia básicamente funcional. Con las cubiertas planas y las terrazas vegetales el arquitecto consiguió una armonía inusual en un entorno urbano muy abigarrado. Fachadas blancas, grandes vitrales que llenan de luz amplios espacios, ventanas en esquina, zócalos altos y rallados en horizontal junto con terrazas escalonadas, confieren al conjunto una unidad formal que será una constante en el trabajo del arquitecto. Mallet Stevens contó en algunas de estas casas, con la colaboración de los propietarios como es el caso de los hermanos Martel, muy implicados en la distribución de los espacios y en todos los temas escultóricos, y con otros grandes artistas del momento. Louis Barillet y Jacques Le Chevallier se ocuparon de las vidrieras,  Jean Prouvé de las carpintería de hierro y puertas, el arquitecto de origen Turco Gabriel Guévrekian de las zonas ajardinadas y el diseñador Pierre Chareau de los interiores.

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Apartamentos Mallet Stevens. Paris

Para Mallet-Stevens la casa formaba parte de la expresión de la personalidad de sus propietarios en esa búsqueda entre el exterior y el interior de un todo. Habitar significa dejar huellas, y en el interior estas huellas quedan acentuadas. No en vano, originalmente las viviendas fueron ocupadas por relevantes personajes del mundo de la cultura y las finanzas como la cineasta Héléne Atallini, la pianista Mme Reifenberg, el banquero Daniel Dreyfus, o los escultores Jöel y Jan Martel. Mallet Stevens instaló su estudio y vivienda en el único edificio de apartamentos que realizó en la calle, esquina con la rue du Dr. Blanche. Desde 1970 algunos de estos edificios está catalogado como históricos.

 

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 Casa Mallet Stevens. Paris

 

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Museo Serge Mendjisky-Ecoles du Paris

 

SQUARE VERGENNES Nº15,  DISTRITO 15º

En 1934 el maestro vidriero, Louis Barillet le pidió a su amigo Rob Mallet-Stevens que le diseñara un estudio amplio y luminoso para poder trabajar con desahogo las grandes piezas de cristal. El proyecto incluía la vivienda del artista y una zona de almacenaje. Este pequeño edificio de la Plaza Vergennes es el resultado de una estrecha colaboración entre ambos artistas. Barillet se encargó del diseño de las vidrieras que todavía hoy se pueden ver, y de los mosaicos de todo el edificio. Un gran ventanal en la fachada norte enmarca la doble altura y señala el espacio original donde el maestro trabajaba. Un vitral largo y estrecho que arranca de la puerta principal, (cuenta la historia de la diosa Pyché) ilumina la escalera que da acceso a las plantas superiores. Una vez más la búsqueda de luz y de espacios despejados caracterizan el diseño de Mallet-Stevens. En el año 2014 esta casa paso a ser la sede del Museo Serge Mendjisky-Ecoles du Paris y por esta razón fue, durante dos años, el único ejemplo de la arquitectura de Mallet-Stevens que se podía visitar en París, pero desgraciadamente la falta de fondos económicos obligó al cierre de sus puertas  el  pasado 31 de Diciembre de 2016, sine die.

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Rue Méchain. Mallet Stevens. Paris

 

RUE MÉCHAIN, Nº 7 DISTRITO 14º

Entre 1928 y 1929, Malllet Stevens diseñó un edificio de 14 apartamentos, dos de ellos dúplex en un gran patio-jardín sin fachada a la calle, parte trasera de un edificio del siglo XIX. Una vez más los volúmenes cúbicos, el juego de niveles y las superficies lisas confieren personalidad a este bloque de casas poco conocido por su ubicación. La planta en forma de L, queda conectada por la escalera situada en el eje de los dos bloques con una única entrada sobre la que el arquitecto vuelve a colocar un vitral de Barillet. En uno de los pisos vivió la pintora Tamara Lempicka y la decoración de líneas severas, según palabras de la artista la realizo Mallet-Stevens. Desde 1984 está catalogado como edificio histórico.

Abierto al público del 5 al 19 de julio y del 1 al 30 de septiembre. De 10 a 13 h y de 17 a 19 h. Para organizar una visita: Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo.

 

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 Rue Méchain. Mallet Stevens. Paris

 

RUE MESNIL, Nº8  DISTRITO 16º

Este Cuartel de Bomberos es uno de los escaso encargos de carácter público que recibió Mallet Stevens. Se construyó en 1936 y el encargo llegó del Ayuntamiento de París. La planta de calle la ocupaban los garajes y dependencias técnicas, la primera planta las oficinas y las plantas altas estaba destinada a las viviendas de los bomberos.

 

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Cuartel de Bomberos. Rue Mesnil. Mallet Stevens. Paris

 

La lógica constructiva, el tratamiento de los materiales, la simplicidad del sistema y la gama cromática empleada dotaron de una especial singularidad el trabajo del arquitecto y marcaron una nueva dirección en el diseño de este tipo de edificios donde la complejidad del programa exigía una sistematización espacial muy precisa, pero no por ello exenta de refinamiento. 

Las ciudades son grandes contenedores de historia que nosotros leemos como un libro. En este caso buscamos abrir los ojos a esa arquitectura que rompió con las reglas establecidas y encontró en sus comitentes una nueva complicidad dispuesta a asumir esa transversalidad que Mallet–Stevens y sus compañeros buscaron en la arquitectura. 

Nuestra propuesta pertenece a un París bastante desconocido apartado del bullicio de la gran ciudad que hará las delicias de cualquier flâneur que abandona la masa para adentrarse entre calles poco concurridas pero llenas de novedades. 

 

 
- Un recorrido por el Paris de Robert Mallet-Stevens -                            - Página principal: Alejandra de Argos -

Desde que Julian Peyton-Jones dirige la Serpentine Gallery de Londres, muchos han sido sus aciertos, pero posiblemente el de mayor repercusión sea la presentación anual en Kensington Gardens (Hyde Park) de una propuesta arquitectónica de carácter efímero, durante los meses de verano (Junio-Octubre). Un pabellón como lugar de encuentro de distintas propuestas culturales. Los invitados siempre han sido arquitectos de reconocido prestigio mundial y su sello ha dejado huella en este popular parque londinense. La andadura comenzó en el año 2000 de la mano de Zaha Hadid y a ella le siguieron nombres de primera fila como el de  Oscar Niemeyer, Siza y Soto Moura, Gehry, Nouvel, Zumthor o Herzog &de Meuron.

Autor colaborador: Maira Herrero, 
Master en Filosofía.

Maira

 

 

 

 

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Serpentine Pavilion 2016 designed by Bjarke Ingels Group (BIG)

 

Desde que Julian Peyton-Jones dirige la Serpentine Gallery de Londres, muchos han sido sus aciertos, pero posiblemente el de mayor repercusión sea la presentación anual en Kensington Gardens (Hyde Park) de una propuesta arquitectónica de carácter efímero, durante los meses de verano (Junio-Octubre). Un pabellón como lugar de encuentro de distintas propuestas culturales.

Los invitados siempre han sido arquitectos de reconocido prestigio mundial y su sello ha dejado huella en este popular parque londinense. La andadura comenzó en el año 2000 de la mano de Zaha Hadid y a ella le siguieron nombres de primera fila como el de  Oscar Niemeyer, Siza y Soto Moura, Gehry, Nouvel, Zumthor o Herzog &de Meuron.  El pasado año, el estudio madrileño Selgas-Cano, fue el encargado de diseñar el pabellón que celebró los 15 años de andadura de este proyecto. Para poder recibir este encargo es necesario no haber realizado antes ninguna obra en el Reino Unido por lo que se convierte en una plataforma única de visibilidad internacional y una buena manera de acercar la arquitectura a los ciudadanos y promover el debate sobre el papel que juega en la actualidad.

 

 

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Serpentine Summer House 2016 designed by Asif Khan; (10 June – 9 October); Photo © Iwan Baan

 

Este año el responsable del pabellón han sido el danés  Bjarke Ingels (1974) responsable del estudio BIG. El proyecto parece buscar en el ladrillo su fuente de inspiración en un giño a las fachadas de ladrillo visto tan presentes en las edificaciones de la capital inglesa, para ello construye con bloques huecos de fibra de vidrio, un muro doble que se va curvando desde la base hasta quedar plegado en el punto más alto, en un juego de luces y sombras, que dan ligereza a la pesadez y opacidad que nos rodea. Como una escultura orgánica busca formas que empaticen con el entorno procurando al visitante una sensación de grandiosidad sin perder la proximidad que debe procurarnos la arquitectura sea cual sea su función. La estructura abierta propone una mirada nueva a la materialidad constructiva capaz de crear con tres elementos (tableros de madera, fibra de vidrio y perfiles de aluminio) un espacio lleno de posibilidades, que busca una relación estrecha entre la interioridad y exterioridad con el propósito de crear un todo continuo. Adaptación e improvisación son dos premisas básicas de este joven diseñador que quiere una arquitectura sostenible llena de referencias al lugar. Si echamos una mirada a su obra podremos entender muy bien cuál es la intención presente siempre en su trabajo, hacer de la arquitectura un elemento liviano y sostenible  con el que convivir.

 

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Photo Courtesy : serpentine Pavilion and Summer Houses 2016

 

La Serpentine Gallery  ha ampliado su propuesta con “cuatro casa de verano” , encargo hecho a los arquitectos  Kunlé Adeyemi (Amsterdam–Lagos), Barkow Leibinger (Berlín–New York), Yona Friedman (París) y Asif Khan (Londres). Todos ellos han tomado como referencia el templo de la reina Caroline, una casa de verano de estilo neoclásico construida en 1734, por William Kent y restaurado en 1976. Lo sutileza de cada uno de los proyectos conforman un espacio lleno de referencias para dialogar entre sí e interactuar con los visitantes en una búsqueda de la visibilidad del pensamiento invisible, de esa capacidad del artista de hacer visible lo ausente en un juego infinito de formas y combinaciones entre elementos naturales y artificiales, en la necesidad de procurar un mensaje a pesar de que nosotros mismo no tengamos conciencia de él.

 

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Serpentine Summer House 2016 designed by Barkow Leibinger; (10 June – 9 October); Photo © Iwan Baan

 

Una buena ocasión para pasear por Hyde Park y disfrutar de la versatilidad de la arquitectura en esa doble vocación, de utilidad y contemplación. 

Serpentine Gallery

Hasta el 9 de Octubre

Kensington Gardens, London

- Serpentine Pavillion 2016. Arquitectura efímera -                            - Página principal: Alejandra de Argos -

Autor: Elena Cué

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 The Ninth Wave sailing on the Huangpu River by the Bund, Shanghai, 2014. Photo by JJY Photo, courtesy Cai Studio.

El artista de origen chino Cai Guo-Qiang nunca defrauda con sus espectaculares puestas en escena. Se acaba de inaugurar su nueva exhibición "The Ninth Wave" en Shanghai Power Station of Art, una planta de electricidad gigante que alberga la primera retrospectiva del artista con once importantes proyectos, incluidos seis nuevos trabajos.

Uno de los más impactantes fue, sin duda, un barco de pesca antiguo como reminiscencia de Quanzhou, su ciudad de origen, donde fue construido y desde cuyo puerto empezó la travesía de 4 días que terminaría con su instalación en el museo. El barco apareció el 8 de Agosto navegando las aguas del Bund del Huangpu River escoltado por tres barcos de la policía Marina. Lamentablemente fue remolcado al entrar en el Bund, aunque ello hizo que se pudiera contemplar el casco del barco. Esta pieza  se exhibirá con el resto de obras hasta el dia 26 de Octubre en la primera exposición que dedica The Shanghai Power Station of Art a un artista vivo. 

 

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Installation view of The Ninth Wave in the Great Hall of the Power Station of Art, Shanghai, 2014 Photo by Zhang Feiyu, courtesy Cai Studio

 

 

Las réplicas de los 99 animales creados con lana y piel de cabra, entre los que se encontraban pandas, elefantes o cerdos enfermos o incluso moribundos, actuaban como alegoría de la grave situación que sufre nuestro planeta debido al deterioro del medio ambiente. La mirada del artista se dirige concretamente hacia la crisis ecológica y medioambiental que sufre China donde la niebla de polución afecta a toda la población. El incidente de la reciente aparición de 16.000 cerdos muertos debido al circovirus porcino flotando en el rio Huangpu en Shanghai, tuvo un gran impacto y le influyó en este trabajo.

  

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The Ninth Wave sailing on the Huangpu River by the Bund, Shanghai, 2014 Photo by JJY Photo, courtesy Cai Studio

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The Ninth Wave sailing on the Huangpu River by the Bund, Shanghai, 2014 Photo by Wen-You Cai, courtesy Cai Studio

 

La inspiración de la obra procede del cuadro del pintor ruso Ivan Aivazovsky "La novena ola"  (1850) bautizado como "la obra más bella de Rusia". Esta pintura romántica representa a siete náufragos intentando sobrevivir en los restos de un barco hundido después de una tormenta y la evidente indefensión del ser humano ante las fuerzas poderosísimas de la naturaleza. Según la tradición marinera, la novena ola de la tempestad es la mas destructiva. El Arca de Noé aparece también en nuestra mente como metáfora de salvación.

 

 

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Ivan Aivazovsky (1817–1900). The Ninth Wave, 1850.State Russian Museum, St. Petersburg.     Impression of the Ninth Wave, gunpowder on paper, 300 x 400 cm, 2014.Photo by Zhang Feiyu, courtesy Cai Studio.

 

Con esta muestra Cai pretende que reflexionemos con el reto que nos plantea nuestro castigado medioambiente. El artista hace referencia a la tradicional estética y filosofía China basada en la necesidad de que el ser humano retorne a su tierra primigenea y a su origen espiritual.

 

 

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Remembrance, chapter two of Elegy: Explosion Event for the Opening of Cai Guo-Qiang: The Ninth Wave, realized on the riverfront of the Power Station of Art, August 8, 2014, 5:00 p.m., approximately 8 minutes. Photo by Zhang Feiyu, courtesy Cai Studio

 

El día de la inauguración Cai Guo-Qiang presentó su "evento explosivo" a gran escala, era el primero que realizaba de día en China. Con el nombre de Elegy: Explosion Event for Cai Guo-Qiang: The Ninth Wave se celebró el efímero ceremonial concebido en tres capítulos titulados: Elegy como reminiscencia poética de un desfile funerario representando la alegría y pena de la vida. Remembrance como recuerdo nostálgico de pasados eventos y relaciones de amistad y Consolation que trae alegría de vivir. El evento de aproximadamente 8 minutos de duración impresionó con efectos explosivos de colores representando cada capítulo.

 

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Elegy, chapter one of Elegy: Explosion Event for the Opening of Cai Guo-Qiang: The Ninth Wave, realized on the riverfront of the Power Station of Art, August 8, 2014, 5:00 p.m., approximately 8 minutes. Photo by Stephanie Lee, courtesy Cai Studio

 

De una belleza inquietante era Silent Ink, otro de los nuevos trabajos relacionados con el medio ambiente para el cual se tuvo que abrir un agujero en el suelo del museo de 250 metros cuadrados y rellenarlo con 20.000 litros de tinta negra que a los ojos del espectador, más bien parecía petróleo. Una experiencia multisensorial imponente.

 

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Installation view of Silent Ink, Power Station of Art, Shanghai, 2014. Photo by Wen-You Cai, courtesy Cai Studio

 

 

En el segundo piso se puede ver el trabajo The bund Without Usun colosal dibujo en papel de 27 metros de largo por 4 de ancho y que el artista hizo explosionar con pólvora. Este dibujo es una representación de un Shanghai abandonado de presencia humana y sumergido en la nostalgia de la naturaleza. Cai vuelve a conjurar a los espíritus para su tan ansiado sueño de ese retorno a la sencillez y armonía con la naturaleza.

 

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The Bund Without Us, gunpowder on paper, 400 x 2700 cm, 2014 Photo by Lin Yi, courtesy Cai Studio

 

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Cai Guo-Qiang creating the gunpowder drawing The Bund Without Us, Power Station of Art, Shanghai, 2014. Photo by JJY Photo, courtesy Cai Studio

Cai Guo-Qiang touching up The Bund Without Us in the Great Hall of the Power Station of Art, Shanghai, 2014. Photo by Stephanie Lee, courtesy Cai Studio

 

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Ignition of The Bund Without Us in the Great Hall of the Power Station of Art, Shanghai, 2014. Photo by JJY Photo, courtesy Cai Studio

 

 
Impactante es también su obra Spring, Summer, Fall, Winter un conjunto de cuatro dibujos en porcelana evocando y renovando el espíritu y la tradición china de las pinturas antiguas en tinta. Cai Guo-Qiang crea una obra delicada y sensible a través de un equilibrio entre la frágil porcelana y la violenta explosión con pólvora a la que somete su obra.
 

 

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Installation view of Spring, Summer, Fall, Winter, Power Station of Art, Shanghai, 2014. Photo by Zhang Feiyu, courtesy Cai Studio

 

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Spring, gunpowder drawing on porcelain as part of installation Spring, Summer, Fall, Winter, Power Station of Art, Shanghai, 2014. Photo by Zhang Feiyu, courtesy Cai Studio

 

Estos y otros trabajos como las tres muñecas columpiándose en Air of Heaven o antiguos como el famoso Head On con su cascada de lobos estrellándose contra un cristal o Birds and Flowers of Brazil con su homenaje a la biodiversidad de nuestro planeta, es lo que se puede ver en esta magnífica exposición de uno de los artistas contemporáneos chinos mas importantes e influyentes del panorama internacional.

 

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Installation view of Air of Heaven in the chimney of the Power Station of Art, Shanghai, 2014. Photo by Wen-You Cai, courtesy Cai Studio

 

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Installation view of Head On at the Gallery of Modern Art, Brisbane, 2013. Photograph: Jon Linkins Courtesy: Queensland Art Gallery ׀ Gallery of Modern Art

    Cai Guo-Qiang during the gunpowder drawing making process of The Bund Without Us, Power Station of Art, Shanghai, 2014 Photo by JJY Photo, courtesy Cai Studio

 

The Power Station of Art:


200 Huayuangang Road (cerca Miaojiang Road), Huangpu, Shanghai, China 200011

Para más información se puede visitar:

www.powerstationofart.com/en/exhibition/showlist/upcoming.html 

Artículo relacionado: Arte y Turísmo en Shaghai

 

- Cai Guo-Qiang. "The Ninth Wave" Shanghai -                  - Página Principal: Alejandra de Argos -

Autor Colaborador: Marina Valcárcel
Licenciada en historia del Arte
 Marina

 

 

 

 

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Este pequeño viaje empieza en una pared. Es un diálogo al atardecer entre una ventana y un muro, entre un cuadro transparente y vertical que refleja el exterior, el prado suizo que rodea la Fundación Beyeler, fresco y tranquilo, y su luz rosa; frente a la electricidad de un lienzo horizontal convertido en un grito sordo y que representa el Muro de las Lamentaciones. Son Ernst Beyeler y Renzo Piano acompañando a Marlene Dumas. Uno de esos momentos de meditación: la arquitectura apoyando su mano en la cintura de la pintura para guiarla en un baile de sincronización perfecta.

Ernst Beyeler fue un grandísimo marchante de arte. En 1970 junto con Trudl Bruckner y Balz Hilt creó la feria Art Basel. Con Hildy, su mujer, hicieron una colección de arte de máxima categoría, para ella encargaron al arquitecto Renzo Piano uno de los museos más bellos. Se inauguró en 1997, no solo para albergar su colección, sino además, las más importantes exposiciones de arte contemporáneo del mundo.

Hasta el próximo 6 de septiembre en este museo puede verse la retrospectiva Marlene Dumas: The Image as Burden, la mayor de la artista en sus 40 años de trabajo, con más de un centenar de obras.

 

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Broken White, 2006.

 

El peso del Apartheid

Marlene Dumas (Ciudad del Cabo, 1953) es una artista con mucho mar de fondo, fondo espeso y ecléctico, que navega profundo y que contrasta con su apariencia física, menuda, chispeante, de ojos pequeños y claros, especialmente expresivos, de risa sonora, y de una, creemos que solo aparente, frescura y estimulante alegría de vivir.

Detrás de todo esto, Dumas es una trabajadora incansable que lleva desde los ocho años coleccionando postales y que aun hoy, en su desordenadamente ordenado estudio de Amsterdam, clasifica en carpetas. Porque Dumas, cuyo estilo figurativo se centra en la cara, en el cuerpo humano, nunca trabaja ante el modelo real; lo hace siempre desde una imagen plana. Sus fuentes son las cientos de miles de fotografías que recorta de periódicos, revistas -pornográficas a veces-, libros con fotografías de enfermos mentales, de lunáticos: dice que le gusta esa palabra y todo lo que representa la influencia de la luna en el estado mental, modelos de pasarela, "no concibo un viaje sin el Time Magazine", panfletos, postales de pintura clásica y sobre todo sus polaroids. "Podría decir que Sudáfrica es mi contenido y Holanda, mi forma. Luego pienso que las imágenes que utilizo son universales, son conocidas por todo el mundo. Yo comercio con imágenes de segunda mano y con experiencias de primera mano. Mis modelos ya han estado modelados antes por otra persona. Aquí no existen las vírgenes", insiste la pintora.

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Mamá Roma, 2012.

Dumas pinta desde una zona donde hay una densa realidad: la pintura como pregunta. O como dardo. La expresión y el misterio, la conexión entre lo íntimo y lo público, el sueño y la realidad. Ese retrato de Amy Winehouse en azul... Figuras aisladas, generalmente sin fondo. Abandonadas en la soledad del lienzo. A su tristeza.

Esta pintora es consciente del poder de la fotografía y del cine del que es adicta desde pequeña. Del cine aprendió las reglas de la imaginación. La mirada de los actores. Sabe que debe superar la magia de la fotografía, redoblar el poder de la imagen fílmica para reivindicar la pintura, ese es el motivo de sus característicos enfoques; se sirve del zoom, de los planos cortos, recorta en extrañas dimensiones las cosas: sus cuadros de bebés gigantes. "Nunca he tenido noción del tamaño real de una cabeza. Nunca me interesó la anatomía", dice la artista.

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Amy-Blue, 2011.

Los temas que utiliza son extremos y recurrentes: la muerte en distintos aspectos; cuadros como The kiss (2003), Lucy, Stern y Alfa (2004) son grandes lienzos de perfiles de mujeres muertas, aparentemente serenas. Están pintadas al óleo sobre lienzo pero de una extraña materia acuosa, velada, como si la definición y los colores de estas cabezas fueran vistas a través del tamiz del recuerdo, del sueño o de una pesadilla. Muertes violentas: Dead Marilyn (2008) o Dead Girl (2002), cabeza de una niña palestina que cae al suelo asesinada. La muerte del director de cine holandés Theo van Gogh, o un cisne muerto con su cuello sinuoso y sus alas desplegadas sobre un fondo negro.

 

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The Swan, 2005.

 

También está, sobre todo la raza, la raza y su mensaje, la utilización del color negro y su significado. El racismo desde el Apartheid al Muro de las Lamentaciones en Jerusalén. The Wall (2009), The Widow (2013). Dumas hereda de Richter el interés por las series y también, y en el mismo sentido, un interés por colgar sus cuadros de manera que queden agrupados en las salas por sus temas. Es capaz de rellenar cuartos enteros con cientos de dibujos de pequeñas cabezas en blanco y negro concentradas en el gesto y las miradas. Son sus series desde Models (1994), hasta la última e inacabada Great Men (2014).

 

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Models, 1994.

 

En unos días en los que en Madrid tenemos aún vivo el recuerdo del Cristo de Zurbarán y del recientemente despedido Van der Weyden, las series de las Crucifixiones y los retratos de Cristo en The Perfect Lover de Dumas, son como interrogantes. Era brutal el San Juan de casi tres metros afligido a los pies de la cruz en el Calvario de Van der Weyden pero, ¿existen unos Cristos más abandonados a su soledad que los de Dumas, Gravitá (2012), o Solo, de un año antes?

 

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Gravitá (detalle) 2012.

 

Y en el contrapunto de todo esto, sus series pornográficas: las strippers, la noche, la luz de neón, chicos jóvenes en posturas explícitas, niñas entre la inocencia y el abuso, las botas de cuero, las medias negras...

"Pinto porque soy mujer, dice. Siempre me he preguntado por qué debería ceder los grandes temas de la vida, como las historias de amor, a los directores de cine, a los escritores o a los cantantes de pop. Yo también quiero abordar eso". Y sus cuadros se vuelven aun más intensos. Peter Schjeldahl, en el New Yorker dijo que los cuadros de Dumas tienen tanta carga que se diría que van a caer de las paredes y a romper el suelo.

 

 

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Leather Boots, 2000.

 

También una granja en África

Como Karen Blixen, Marlene Dumas también tenía una granja en África. Descendiente de bóers, sus raíces se hunden en la esencia rural de los Afrikáners: un entorno conservador, sólido, con fuertes principios religiosos pero también abierto y tolerante. Su infancia en Kuilsrivier (aldea a las afueras de Ciudad del Cabo) transcurrió feliz y tranquila rodeada de sus tres abuelos, su madre, una holandesa dedicada a las flores, a sus tres hijos y a su viñedo. Marlene dibujaba en la arena y aprendía de las ilustraciones de los cuentos y de la Biblia. Disfrutaba del cine al aire libre los sábados por la tarde. Tenía dos hermanos, uno dedicado al viñedo y el otro, Pieter, a la teología. De él aprendió lo que era tener cierta madurez moral y sobre todo, lo que significaba tener una vocación. Eran una familia unida, que parecía no necesitar nada del exterior: un mundo insular. En 1976 ganó una beca que le permitió ir a estudiar a Amsterdam, donde sigue viviendo hoy: "Mi tierra es Sudáfrica, mi lengua materna el Africáans, mi apellido es francés... A veces creo que no soy una artista de verdad porque tengo el corazón demasiado dividido. Mi estudio es mi casa. Pienso que soy como un caracol que siempre lleva su vida y su país a cuestas".

 

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The Blindfolded Man, 2007.

 

El estudio de Marlene Dumas no tiene luz natural. Es pequeño, de paredes blancas, el suelo es de cemento y está manchado por años de trabajo y motas de pintura. Casi todo está en el suelo, las fotografías, los pinceles sobre tapas de cubos de pintura y un pequeño ladrillo de madera en el que la artista, muy de vez en cuando, se incorpora para observar el resultado de su obra. A sus 62 años, Dumas pinta a menudo en el suelo, a cuatro patas, sobre un papel demasiado grande para ella. Pinta muy rápido, con gestos casi espasmódicos, todo lo rápido que exige la imagen de la fotografía retenida en sus ojos y el agua cuando entra en contacto con una mancha de tinta negra. De ahí salen los trazos negros de un pincel fino que marcan los ojos de un joven desnudo. El agua y la tinta se mueven por el papel y dejan un rastro abstracto que recuerda a Bacon, también al movimiento del agua en los ríos y al reflejo de una cara en el fondo del agua de un pozo.

"Me gustaría que mis cuadros fueran como poemas. Los versos son como frases que se han quitado la ropa" dice la artista. Todo adquiere una densidad literaria en Marlene Dumas. Escribe con la pintura, y escribe sin cesar libros, ensayos y poemas. También escribe frases cortas en algunos de sus dibujos. Le gusta escribir a ella sus propios textos, sus dosieres de prensa, no ve por qué otros deberían expresar lo que su pintura quiere decir. Ella siempre se creyó descendiente de Alexandre Dumas y por eso es una mosquetera de la literatura. También de la pintura.

 

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The Widow, 2013.

 

Ella es también la artífice de los sugerentes títulos de sus series y exposiciones: The Eyes of The Night Creatures, Measuring Your Own Grave o el de esta última exposición The Image as Burden, algo así como la imagen como carga, como peso. Un ejemplo más de la cantidad de capas, significados y matices que tiene todo cuanto hace Dumas. Este título surge de uno de sus pequeños óleos, de mismo título. En él un hombre, a modo de Pietá, lleva a una mujer -la imagen- sin vida, en sus brazos. Él la mira con ternura y soporta con esfuerzo el peso de su cuerpo. Dumas explica que el origen de esta postura está en la escena de la película de George Cukor, Camille, en la que Robert Taylor lleva el cuerpo de Greta Garbo con un traje blanco en sus brazos. La escena de Dumas sale de un fondo negro, las dos figuras esquemáticas, casi como máscaras africanas, están dibujadas en los tonos desteñidos de Dumas, esos en los que parece que usa pinceles sucios: del negro y del azul-oscuro hasta el blanco. El color negro en una lata vieja de cocina tirada en el suelo de su estudio; es quizás, el significado del Apartheid.

 

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The Image as Burden, 1993.

 Autor: Elena Cué

 

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Underwater sculptures. 

Lo sublime es algo que nos arrebata, que nos eleva, no hay sublimación sin pasión. Esta experiencia llena de belleza, exalta al espectador a niveles no habituales de conmoción estética o moral. El MUSA (Museo subacuático de Arte) está sumergido frente a la costa de Cancún, México y es el mayor museo bajo el mar, con más de 500 esculturas realizadas por Jason deCaires Taylor. Es una de esas experiencias que nos elevan por su grandeza.

Jason deCaires Taylor (1974) es un escultor inglés, con más de 18 años de experiencia como submarinista y premiado por sus fotografías subacuáticas, donde capta cómo las esculturas se convierten en algo orgánico, viviendo una continua transformación por los efectos del océano.

 

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 Photos: Jason deCaires Taylor

 

Los microorganismos que pueblan los oceanos, colonizan las superficies de estas esculturas creando arrecifes coralinos. Las esculturas estan constituidas con una mezcla especial de cemento, microsílice y arena que produce un hormigón con Ph neutro que hace que estos microorganismos conquisten la superficie de ellas, engrandeciendo la obra y ayudando a sostener el medio ambiente. La creación de coral sirve como áreas de reproducción y crianza para muchas especies que forman el ecosistema. En este caso, lo estético y lo utilitario se funden en esta sublime composición, ya que estas esculturas tienen como propósito hacer de arrecife para que el coral pueda reproducirse en él incrementando la biomasa marina y fomentar la reproducción de las especies.

 

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 Photos: Jason deCaires Taylor. Silent Evolution

 

Enmanuel Kant, en su ensayo "Lo bello y lo sublime", vinculaba el sentimiento de lo sublime con la idea de infinito, aquello que nos impresiona por la grandeza de las realizaciones a las que da lugar (lo sublime matemático). Visualizar la composición de más de 500 esculturas a tamaño natural, cada una con su rostro personal, al igual que se hiciera miles de años atras con Los guerreros de Xian, es una experiencia grandiosa. Lo sublime dinámico sería todo aquello que nos muestra su inconmesurable poder, como son los prodigios de la naturaleza. Lo ilimitado, misterioso, imponente, bello, majestuoso, soberbio y aterrador que tiene el mar no hace sino potenciar este efecto sobre las inquietantes esculturas. Por tanto, la relación de conflicto surgido entre nuestro entendimiento y la imaginación, provoca nuestro sentimiento sublime hacia lo que observamos.

 

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 Photos: Jason deCaires Taylor. Silent Evolution

 

Lo más singular de estas obras de arte es la interacción entre el hombre y la naturaleza en un proceso creativo vivo. En la Grecia antígua la naturaleza (lo natural) y el arte (lo artificial) no tenían nada en común, son dos realidades distintas ya que las leyes que las gobiernan son totalmente diferentes. Por ello, hacer que estas dos realidades confluyan en un todo, es fascinante. La obra de arte, artificial, creada por el hombre se metamorfosea dando lugar a algo natural hasta que lo primigenio se oculta.

 

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 Photos: Jason deCaires Taylor 

 

Jason deCaires Taylor crea esta sintesis entre el hombre y la naturaleza, el arte y la ciencia, donde las esculturas, con el mar como metáfora de infinito se individualizan como formas apolíneas envueltas en el fluir y refluir de lo dionisiaco.

 

 

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 Photos: Jason deCaires Taylor. Reclamation.

 

 

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 Photos: Jason deCaires Taylor 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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(las imagenes de este artículo han sido incluidas con autorización de su autor que retiene todos los derechos sobre las mismas) 

Web oficial de Jason deCaires Taylor: Underwater Sculpture

 

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