Alejandra de Argos por Elena Cue

La Tate Modern de Londres acoge este verano algunas de las más ambiciosas exposiciones que podemos encontrar en los principales centros de arte europeos.

Actualmente, se muestra una retrospectiva de una singular artista: Sonia Delaunay: The EY exhibition, que tendremos ocasión de visitar hasta el 9 de agosto.

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Recientemente inaugurada también, Fighting History, el reflejo de la historia de Inglaterra a través de sus mejores pinturas.

A finales de junio, nos sorprenderán con una nueva muestra: Barbara Hepworth: Sculpture from a Modern World, una repaso sin precedentes con el que contemplar las mejores esculturas abstractas de la artista.

Sonia Delaunay

La exposición dedicada a Sonia Delaunay se puede visitar en la Tate Modern hasta el mes de agosto. Se trata de una retrospectiva, pero no al uso, no vamos a encontrar una sala con una colección pictórica, porque Sonia Delaunay fue mucho más que una pintora,  tendremos ocasión de pasear por la intimidad de la artista, moviéndonos entre obras, textiles, apuntes ,pudiendo incluso escuchar su voz. En definitiva, una experiencia que sin duda cautivará al espectador que visite la muestra.

Pero, ¿Quién fue Sonia Delaunay?

 

Sonia Delaunay portrait1

 

Sonia, nació en Kiev en 1885, con el nombre de Sara y fue criada por su tío, Henry Terk en San Petersburgo. Henry Terk era un poderoso abogado y coleccionista de arte, por lo que Sonia creció en un ambiente cultural exquisito, conociendo museos y viajando.

Cuando tuvo edad, y después de una breve estancia  en Alemania,  se instala en París, donde estudiará pintura en La Palette, una de las mejores academias de la capital francesa.

Por aquel entonces, París, gozaba de ser una de las capitales más modernas de la época y por sus bulliciosas calles comenzaban a escucharse los ecos de las vanguardias.

Corría el año 1905, y Sonia comienza a perfilar lo que serían sus primera obras, con fuertes influencias de maestros como Gauguin y Van Gogh, sintiéndose atraída también por el arte fauvista. Mientras, no deja de experimentar, en una búsqueda de su propio estilo.

Su biografía es apasionante e intensa. Fue una mujer adelantada a su tiempo que supo aprovechar cada momento y adaptarsea cada situación. No podemos pasar por alto que se convirtió en la primera mujer a la que se le dedicó una restrospectiva en el Museo del Louvre estando viva.

 

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En 1908 conoce a Wilhelm Uhde, marchante de arte, con el que vive un matrimonio de conveniencia, él era homosexual y ella sería su tapadera, a ella le serviría para poder introducirse en el mundo del arte parisino. Quid pro quo. Gracias a él, dueño de varias galerías, entra en contacto con artistas de la talla de Braque o Picasso.

Poco después, en 1910 conocería a Robert Delaunay, en una de las galerías que gestionaba su actual marido, al verlo, supo que ya no se separaría de él.

Tras divorciarse de Wilhelm Uhde, se casan, adoptando Sonia su apellido, pasando a llamarse como hoy se la conoce: Sonia Delaunay.

 

matrimonio

Del matrimonio nacerían un sinfín de ideas y proyectos artísticos que llevarían a cabo a lo largo de su intensa vida juntos, que sólo terminó cuando éste muere en 1941 debido al cáncer que padecía.

En 1911 nace su primer hijo, y Sonia, que empezaba a experimentar con el trabajo de las telas, le teje una manta con formas geométricas (que hoy se encuentra en el Museo Nacional de Arte Moderno de París). Sería el comienzo fortuito de su aventura textil.

La artista trabajaba mano a mano con su marido, aunque prefería mantenerse en un plano más discreto. Ambos coquetearon con el cubismo y la abstracción, pero son abanderados de una nueva tendencia bautizada como "orfismo". El Orfismo, fue una expresión artística que buscaba superar al cubismo, utilizando unicamente la luz y el color y prescindiendo de elementos figurativos. Tiene una lectura expresionista, contrastando colores no para que se fundan, si no para realzar su independencia. Debe su nombre al mito de Orfeo, y fue bautizada así ,por Apollinaire en la Galería Der Sturm de Berlín, en una exposición en la que varios pintores mostraban una obra en esencia cubista, pero con matices más que diferentes del primitivo movimiento. El orfismo tuvo importantes influencias en otras corrientes estéticas, pero sobre todo en el grupo de El jinete azul (Der Blaue Reiter) como podremos observar en cuadros de Klee o Kandinsky.

 

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En 1913, Sonia, influenciada por su marido, comienza a trabajar en esas obras no figurativas y a experimentar con la superposición de colores. Las formas son las que dan movimiento a la composición, que cambia con la luz; como el propio Robert dice "nada vertical, nada horizontal, la luz lo deforma todo, lo desintegra todo".

 

cuaderno de sonia1

 

En 1914 mientras la familia Delaunay pasa sus vacaciones en nuestro país, estalla la guerra en Europa y deciden quedarse en España para no verse afectados por el conflicto.

Vivirían en Madrid y en la frontera galaico-portuguesa.

En Portugal, Sonia pintaría algunos de los lienzos que hoy se exponen en Londres, llenos de luz, que recuerdan más a una vuelta al impresionismo que empapaba sus primeras etapas.

También se interesa por el baile flamenco realizando en 1917 una serie de bailarinas.
Debido a la revolución Rusa, la artista no podía recibir dinero de su familia en San Petersburgo, lo que afectaría a la economía familiar.

 

sonia en su taller

En 1918 vuelven a instalarse en Madrid, y para tener ingresos añadidos a las pocas obras que vendían, Sonia, comenzó a dedicarse a las artes decorativas, y su interés por la moda le lleva a abrir una tienda en la capital: Casa Sonia, en ella,  vende trajes de su propia confección, inspirados en sus ideas orfistas, así como objetos antiguos que redecora a su gusto; la idea va teniendo éxito gracias a la ayuda de aristócratas que compraban en la tienda y hablaban maravillas de ella, haciéndose muy popular entre los barrios más burgueses, a pesar de que sus prendas se excedían en modernidad, para una España que vivía anclada en el pasado.

 

SoniaDelaunay bañadores

 

Su éxito llega a tal punto que confecciona los trajes para varios espectáculos, en los mejores teatros, como por ejemplo el del ballet ruso para la obra Cleopatra, o para la ópera Aida de Verdi en el Liceo.

 

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En 1920, una vez las cosas en el país galo parecían volver a su cauce, la pareja abandona la península y regresa a París, donde Sonia, animada por el éxito en España, inaugura otra tienda : Boutique Simultane. Convirtiéndose de nuevo en un éxito de ventas y popularidad.

Se dejará seducir por el dadaismo y el surrealismo, colaborando con grupos de artistas para la realización de proyectos de teatro y cine.

 

sonia taller vestido

En sus diseños de moda, muy en boga en el París de la época, llega a contar con las manos de Cocó Chanel para ayudarla. Pinta telas a mano dándoles un aspecto único.

Algunas de sus clientas fueron grandes actrices de la época como Greta Garbo.

Uno de los videos que se exhiben en la exposición, es precisamente un desfile de los años 20 con sus diseños.

 

boutique de Sonia Delaunay

A partir de la década de los 30, dedicada por completo a la pintura (dado que la crisis le obliga a cerrar la boutique) vuelve a colaborar de cerca con grupos que apostaban por la abstracción, siendo miembro fundador de Realités Nouvelles (1939).

En el año 1941 cuando Robert, su marido, fallece debido al cáncer, ella, como profundo homenaje, decide poner todo su empeño para que la obra de Robert se conozca.

En 1964, dona obras al Louvre, y el Museo le dedica una retrospectiva, convirtiéndose en la primera mujer de la historia en conseguirlo.

 

sonia obra

 

Nunca dejó de pintar, hasta la fecha de su muerte en 1979.

En París, ciudad que consideraba su hogar, fue enterrada junto a su marido, Robert.

A raíz de su muerte el mundo del arte comenzó a cuestionarse si el talento de esta mujer estuvo siempre oculto detrás de su marido y si había recibido la importancia que realmente se merecía. Ella misma en una entrevista llegaría a decir que vivió más para su esposo que para ella misma, de lo cual no se arrepentía en absoluto. 

El Tate Modern nos asoma, con esta muestra, por una ventana, a contemplar, a través de sus obras, la vida de una mujer luchadora, cosmopolita, vanguardista y valiente, artista en todos los sentidos que se adaptaba a los tiempos, y que supo poner su esencia en cada objeto que tocaba, convirtiéndolo en una obra de arte. 

 

sonia coche

 

The EY Exhibition: Sonia Delaunay se puede visitar en la Tate Modern de Londres hasta el 9 de agosto.

 

 - Sonia Delaunay: The EY Exhibition -                           - Página principal: Alejandra de Argos -

 

0 Miquel Barcelo

El nuevo camino que ha tomado Miquel Barceló en la exposición que presenta en la galería Thaddaeus Ropac nos sumerge en los fondos marinos que él tan bien conoce: sus grandes, pero al mismo tiempo, livianas pinturas salen del fondo del mar para mostrar las belleza que solo unos pocos han tenido la fortuna de disfrutar al natural. «Cuando salgo del taller es para tirarme al agua. Siempre estoy sumergido. Menos respirar agua de mar, lo he hecho todo, también beberla», explica.

 

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Con L´inasséchement, el artista nos muestra un universo de agua, de contornos de carbón que recuerdan los pigmentos del arte rupestre. En estos lienzos de gran formato pintados en su isla de Mallorca, recurre a un mundo submarino salpicado de pintura que todo lo difumina, de relieves de arena y restos de especies marinas, incorporando al propio animal en ocasiones, incluso utilizando tinta de calamar. Como si de un enclave arqueológico se tratase, consigue reflejar las huellas del paso del tiempo en la naturaleza y, al mismo tiempo, retrotraernos a nuestros los orígenes.

 

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Este apasionado del buceo ha conseguido que quien visite esta exposición, sienta la sensación de sumergirse en el mar, de bucear contemplando los fondos rodeado de las diecisiete grandes telas que la componen, como Double Apnée o La Dinamique de l'Inassèchement. Al igual que ocurre bajo el agua, las figuras parecen diluirse entre el fondo. Él mismo desvela sus sensaciones al crear su arte: «He estado buceando durante largo tiempo. Cuando trabajo en grandes pinturas en el suelo, es como si yo buceara libremente. Me sumerjo. Hago los movimientos adecuados, o al menos lo intento. Aguanto la respiración, contrarresto la presión... Entonces salgo soplando agua de mar a través del esnórquel... o como si... Este sería el ritmo de mis pinturas; los sucesivos minutos de contener la respiración».

 

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Si hay un factor fundamental en la obra de Barceló es el tiempo: el que tardan sus obras en secarse o, como en su serie cadaverina (cajas con pequeños animales en descomposición), la transformación que produce en su obra. O la ausencia de él pues, como dice Barceló en el prólogo del catálogo confiado a Enrique Vila-Matas: «A veces veo a Miró pasar en taxi por el paseo marítimo» como si volviese a sus años de juventud que coincidieron con la estancia del maestro catalán en Mallorca. Visión alegórica que, sin duda, sirve de reconocimiento al gran artista con el que mantuvo tan buena relación. Y, desde luego, se adivina la influencia de aquel reinventada con la técnica que solo el artista mallorquín es capaz de aplicar.

 

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Los parisinos están de suerte y, quien no tenga la oportunidad de visitar L´inasséchement, en la primavera de 2016, en el Museo Picasso y en la Biblioteca Nacional de Francia, tendrá lugar una gran exposición de la obra de Barceló.

 

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L'inassèchement

Galerie Thaddaeus Ropac. París

Del 25 de abril al 31 de mayo de 2015.

 

 

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Ver también: 

 

- Miquel Barceló. L´inasséchement -                              - Página principal: Alejandra de Argos -

 

0 William Tucker

 

Figura destacada del movimiento minimal, el artista de origen británico, William Tucker, expone por primera vez en solitario en España una amplia representación de su obra. La selección ha corrido a cargo de un experto en estas lides, el catedrático Kosme Barañano, comisario de la muestra compuesta por más de cien piezas realizadas entre los años ochenta y principios del dos mil, que permiten al visitante comprender el proceso creativo de su obra, gracias a las maquetas y dibujos que se exhiben entre las esculturas.

 

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Alguna de estas piezas, que a simple vista pueden parecer abstractas, en realidad son un regreso a la escultura figurativa, solo que a simple vista no se aprecia: es necesario que el espectador gire en torno a ellas, que las observe detenidamente para darse cuenta de que se trata de una interpretación que ha simplificado el concepto que representa. Según afirma el comisario en el catálogo «son masas primordiales al borde de la figuración, como grandes meteoritos caídos sobre la tierra».

 

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Inspirado por Auguste Rodin o Medardo Rosso, a quienes dice admirar, reproduce temas clásicos de la historia y de la mitología y los reinterpreta dejando el protagonismo a la materia… y de ahí el título de la exposición de Bilbao: Tucker. Masa y figura. Del primero elogia que «era un artesano, que sabía cómo hacer sus propias esculturas. No era como la gente actual que tiene una idea y le pide a alguien que se la haga».

 

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En sus inicios, allá por los años setenta, el artista dio preferencia a lo abstracto sobre lo orgánico mediante el uso de nuevos materiales, como el plástico. Sin embargo, a comienzos de los ochenta, vuelve a la escultura figurativa dando una interpretación simplificada. Estas son las obras que Barañano ha elegido para mostrar la forma de trabajar de Tucker: 24 obras de tamaño grande y mediano, 24 maquetas y 57 dibujos; con ello, el visitante podrá comprender cómo se ha abordado el modelado y cómo ha hecho para extraer la esencia de la materia, la fuerza vital de la masa.

 

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Se podrá ver, por ejemplo, la maqueta de Maia, un torso femenino se brota de la tierra, cuyo original está colocado en el Paseo Abandoibarra de Bilbao, y que sugiere, como Demeter o Eve, la primitiva idea de la fecundidad.

 

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Representando el tema de las cabezas, Homage to Rodin, Emperor o The Hero at Evening. También se hayan presentes otras cuatro cabezas denominadas Our Leader, Good Soldier, Persecutor o Sleeping Musician, o  varias cabezas de caballo, denominadas simplemente Horses.

 

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Entre las reinterpretaciones de otras obras clásicas, se han traído Night, revisión de La Noche de Miguel Ángel en la Capilla Medici, The Void, de las Manos sosteniendo el vacío de Giacometti o Chimera, inspirada en un yeso de Brancusi. Tethys, Kronos y Rhea son tres masas que representan las fuerzas telúricas y que, mediante el recurso a sus nombres míticos, Tucker consigue recrear unas fuerzas primarias antes de ser caracterizadas con sus atributos.

 

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A lo largo de la exposición el espectador puede hacerse idea de la forma de trabajo del artista, especialmente gracias a las maquetas y a los dibujos que utiliza para ensayar y perfeccionar la obra escultórica. El autor modela en yeso o arcilla piezas que parecen inacabadas y que el espectador ha de descubrir tras una atenta observación. Barañano comenta, acerca de estos dibujos, que la distancia y la perspectiva desde la que se ven determina lo que el observador capta: «Si se aleja, puede ver manos, torsos y cabezas, pero si se acerca al dibujo, solo contempla una serie de líneas abstractas, aparentemente sin sentido».

 

8 Masa

 

Ha conseguido que, lo que en un primer vistazo podría parecer un simple pedazo de material inerte, mediante una reinterpretación primitiva, se conviertan en fragmentos de formas que emiten una verdadera fuerza vital… ahí están sus torsos, manos, pies o cabezas para demostrarlo.

 

Tucker. Masa y Figura
Del 9 de junio al 14 de septiembre de 2015
Sala BBK

 

 

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- William Tucker: Biografía, Obras y Exposiciones -                  - Página principal: Alejandra de Argos -

 

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Durante cuatro años, Antonio de Felipe se ha dedicado a reinterpretar la realidad y otras obras de arte clásicas y modernas a golpe de pincel y espray. El resultado, Graffiti Pop, ha podido disfrutarse en abril en la Casa de Vacas, ubicada en El Retiro madrileño, donde este artista urbano ya ha expuesto en ocasiones anteriores.

 

 1 GraffitiPop

 

Lo que más llama la atención al entrar es la integración de su obra con el espacio, el uso de las propias paredes o del mobiliario como soporte de su arte. Y es que algunas de sus creaciones han nacido para la exposición y morirán con ella, incluso en algunas de las obras expuestas ha intervenido in situ, como si fuese su propio taller, según la incidencia de la luz o la perspectiva que deseaba conseguir. Él achaca a su carácter valenciano el hecho de crear para destruir, su gusto por el arte efímero. La sala en sí se ha convertido en arte, consiguiendo que el visitante se sumerja en un torbellino de color, y que niños y mayores hayan quedado fascinados. Tener un abanico de fans tan amplio no deja de causar sorpresa, sobre todo porque, como él dice: «Yo no pinto para gustar, porque los gustos son muy plurales. Simplemente creo que la gente se reconoce en las obras».


 2 Graffiti 2

 

De Felipe reivindica el arte pop como algo más que un recurso decorativo superficial y, mediante la mezcla de street art y pop art , él deja su mensaje: cada obra tiene una historia detrás, un fondo que, en ningún caso, pretende que sea provocativo. El que, tras su paso por Miami, donde ha ganado a pulso su pseudónimo de graffitero, The Beast (La bestia), nos ofrece una obra que difiere de todo su trabajo anterior: una aventura pop multisensorial, de arte urbano, que protagoniza el graffiti.

 

3 The beast

 

Y, aunque pueda parecer algo egocéntrico, el personaje que se repite una y otra vez es él mismo: Antonio en un buzón, Antonio con alas de neón, Antonio como Lobezno que, en lugar de garras, se arma de pinceles, Antonio sentado en la viga que cuelga del rascacielos descansando con los demás obreros, Antonio en el Guernika... ¿acaso una muestra de su madurez y reafirmación de sí mismo?


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En esta exposición llena de contrastes, Antonio de Felipe juega entre la innovación y sus referencias a maestros clásicos como Munch, Miguel Ángel, Manet y Basquiat, o iconos de la cultura urbana actual como Banksy. Nada entre el arte urbano y el hiperrealismo, todo ello instigado por su deseo de superación como artista. Una de las obras que más han llamado la atención del público es buena muestra de ello: el Retrato de la Familia Real, con el que ha intentado reflejar la modernidad de una institución catalogada como tradicional.


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Otro de los trabajos más comentados ha sido El beso, que muestra dos jugadores de fútbol rivales entregados en un beso, inspirado en el mural de Banksy que refleja a dos policías en la misma actitud: según el autor, no pretende provocar, sino integrar y conciliar.

 

6 El beso

 

En la corriente de acercar el arte a todos, uno de sus afanes es realizar obras asequibles a todos los bolsillos, sobre todo para que los jóvenes puedan invertir en obras auténticas. «No me molesta que me consideren un artista comercial, en el buen sentido. Me gusta dar opciones a la gente para que puedan tener algo mío» alega ante la reacción que ha habido cuando se ha lanzado a la comercialización de sus diseños: camisetas, llaveros, carteles, vajillas, bolsos...

 

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La exposición Graffiti Pop recoge 60 obras de este artista valenciano que, tras 25 años de trabajo, se arriesga a experimentar con nuevas técnicas y materiales: óleo, rotuladores, aerógrafo, pintura acrílica... Pero su madurez artística puede con todo y ha salido victorioso del desafío: desde luego, nadie diría, después de ver la exposición, que no es un genio con el espray.


8 Casa de Vacas

 

 

9 Graffiti1

 




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- Antonio de Felipe. Graffiti Pop -                                        - Página principal: Alejandra de Argos -


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Blanca Muñoz, la escultora que moldea el rígido acero inoxidable como si de arcilla se tratase, vuelve a la Galería Marlborough para exhibir algunas de sus obras más recientes. La pieza principal, Tornasol, una escultura monumental que da título a la exposición, está acompañada por otras obras de menor tamaño, pero no menos sugerentes. El proceso que este trabajo en acero inoxidable exige es complejo y costoso: el material laminado y lacado se consigue en el Reino Unido, se perfora en España y se monta en su taller de Rumanía. Por ello agradece el soporte económico de la Fundación BBVA, con su Ayuda a Investigadores y Creadores Culturales, que ha hecho posible la creación de una obra de tal magnitud.

 

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Y es que lo que en su origen eran varillas rectas y chapas planas de acero inoxidable perforadas, la escultora madrileña consigue transformarlas con un acabado impecable pese a la dificultad que encierra el trabajo con este material, consiguiendo el fin que persigue: explorar la transformación de la materia. Esto se ve perfectamente en piezas como Revoltosa, Escarlata o Tabú, en las que la versatilidad se logra gracias a la luz que reciben y las sombras que proyectan que, dependiendo de cómo y dónde se coloquen, hacen que la obra cambie completamente. Es aquí donde toma sentido la elección del término que da título a la exposición y que indica el reflejo que la luz hace en algunas telas o superficies muy tersas.

 

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La obra de Blanca Muñoz siempre se ha inclinado hacia la escultura, incluso cuando en sus comienzos se dedicaba al grabado (consiguió Premio Nacional de Grabado en 1999), pero se fue enriqueciendo con las influencias recibidas en los países en los que estuvo viviendo (Roma, México y Reino Unido), y con las técnicas y las diferentes escalas con las que ha trabajado: tan pronto realiza joyas como esculturas monumentales de arte urbano. Fue durante su estancia en México, tras dos años en Roma como becaria, cuando, debido al cambio de latitud, se modifica su percepción de la sombra y en sus esculturas empieza a interesarse por la orientación del sol, fundamental para determinar la posición de los objetos en el espacio, lo que le hizo evolucionar desde la gráfica plana a la escultura.

 

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Obras como Atrapada, Enlazada o Flamenca parecen líneas trazadas en el aire que definen, por medio de las sombras que se crean al incidir la luz sobre ellas, la unión entre la materia y la nada.

 

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Áurea (I-II) y Albina (I–II) muestran una nueva línea de trabajo combinando varillas de acero inoxidable con cerámica, que recuerdan a las primeras esculturas surgidas de su trabajo en el grabado.

 

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La artista consigue crear volúmenes cambiantes que no dejan a nadie indiferente, dotando de movimiento el frío acero. Por medio del troquelado de las planchas y del uso de colores que, debido a su rareza, debe encargar en el Reino Unido, consigue el efecto mágico que ella misma explica: «Al observar una escultura de chapa perforada en color a gran escala se genera un puntillismo dinámico, un objeto estático que parece moverse, un volumen que se transforma cuando el espectador lo rodea y que continuamente cambia con la incidencia de la luz».

 

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Sus formas deben ser vistas en movimiento, desde distintos ángulos, pues lo que ella intenta transmitir es el sentimiento de unidad del ser humano con la naturaleza y que nuestra posición está determinada por los astros: lo que puede parecer una vuelta al pensamiento primitivo, se trata en realidad de una reflexión muy evolucionada.

 

Blanca Muñoz. Tornasol. Sala Marlborough. Del 26 de marzo al 30 de abril

 

 


 

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