Alejandra de Argos por Elena Cue

Constantin Brancusi (Rumania 1876-1957) llegó a París en 1904 donde realizó la mayor parte de su trabajo en dos estudios cerca de Montparnasse. En 1956 cedió el estudio y su contenido al Estado Francés, con la condición de que se mantuviera como lo dejara a su muerte.

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Atelier Brancusi. Foto: Alejandra de Argos. Atelier Brancusi. Foto: Alejandra de Argos.

 

El arquitecto italiano Renzo Piano ha sido el encargado de crear el espacio para contener y reconstruir el estudio, tratando de llevar a cabo el espíritu del Atelier y el deseo del artista. Para Brancusi, era esencial la precisión en la colocación de sus esculturas con el espacio alrededor de ellas. Eso se puede apreciar en la visita, ya que todo encaja a la perfección, como una unidad. En 1920, el estudio se convierte para Brancusi en el mejor modo para hacer entender el significado de su obra.

 

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 Atelier Brancusi. Foto: Alejandra de Argos.

 

La colocación de una obra de arte en el espacio adecuado es fundamental para su comprensión y aquí lo que se percibe, es que estéticamente todo funcionaba con una precisión y armonía excelente. Para entender hasta que punto esto era primordial para Brancusi, si vendía una pieza, la reemplazaba por otra de escayola para que no desapareciera el equilibrio que había creado entre ellas y el todo.

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 “Constantin Brancusi and Richard Serra” at the Fondation Beyeler,
© 2011, ProLitteris, Zurich. Photo: © 2011, Tom Fecht

  

 

Recuerdo la exposición que se llevó a cabo en Basilea, fue en la Fundación Beyeler (2011). Allí las esculturas de Richard Serra convivían con las de Brancusi en un mismo dialogo; buscar la esencialidad en las formas, hasta alcanzar una simplicidad, interpretada por Serra como base del minimalismo. Serra estuvo visitando su estudio en Paris en los últimos años de vida del artista y se impregnó de sus principios fundamentales, como era la importancia del equilibrio entre el volumen y el espacio.

 

 

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 Atelier Brancusi. Foto: Alejandra de Argos.

 

 

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El estudio también incluía fotografías, algunas en unos marcos de madera probablemente también hechas por Brancusi. La fotografía (1700 aprox.) cobró mucha importancia para Constantine Brancusi que comenzó utilizándola como documentación de sus obras y llegó a ser esencial coincidiendo con su relación con Man Ray. La colocación de la obra en el espacio con la luz adecuada creaban una nueva forma de percibir la obra.

 

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La visita al Atelier es fundamental para captar los principios artísticos de una figura importantísima como pionero de la escultura moderna. En sus comienzos su obra se ve influenciada por Cézanne, el impresionismo o el trabajo escultórico de Rodin hasta que comienza a evolucionar hacia la abstracción y la simplicidad en las formas que recuerdan al arte primitivo africano y prehistórico.

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Me despedí soñando con las cabezas ovales de Brancusi reposando dormidas en un equilibrio armonioso...


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 Atelier Brancusi. Foto: Alejandra de Argos.

 

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Vitra Campus ubicada en Weil am Rhein, en la región de Friburgo, Alemania, es un lugar de culto para aquellos apasionados por la arquitectura y el diseño. Vitra es una fábrica suiza dedicada al mobiliario de diseño, fundada en 1950 por Willi Fehlbaum. Lo que comenzó como un encargo  a Nicholas Grimshaw para construir una nueva fábrica de producción, continuó ampliándose con nuevos proyectos, hasta que acabó convirtiéndose en todo un lugar de peregrinaje para los amantes de la arquitectura.

Se puede disfrutar de tener concentrados en un mismo espacio los trabajos de gran parte de los mejores arquitectos del mundo: Zaha Hadid, Herzog & de Meuron, Tadao Ando, Renzo Piano, Frank Gehry, Nicholas Grimshaw, Jasper Morrison, Alvaro Siza, Richard Buckminster o Jean Prouvé han dejado su huella en este lugar.


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Por otro lado, cuenta con una gran selección de mobiliario de diseño perteneciente a nuestra historia más reciente y que ha sido representativa de una época. Además de los diseños de producción propios, tienen los derechos de artistas como Verner Panton, Philippe Starck, Ron Arand, Charles y Ray Eames, Jean Prouvé, etc...


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Fui a visitarla en el año 2011, lamentablemente, Renzo Piano todavía no había inaugurado su Diogene, un habitáculo de 8m2. Su nombre se lo debe a Diógenes de Sinope, filósofo griego que eligió como modus vivendi, la extrema pobreza a través de la eliminación de sus deseos y necesidades y del cuál se decía que habitaba en una tinaja a modo de casa.

Vitra Haus, un edificio de Herzog & de Meuron inaugurado en 2010 es el que requiere más tiempo para su visita. Consiste en varias casas de igual diseño básico apiladas unas sobre otras y que recuerda al Actelion Bussines Center de Suiza. La luz cobra mucha importancia y es maravillosa la vista desde el exterior cuando empieza a anochecer.

 

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Este edificio contiene la Vitra Home Collection donde a través de distintos ambientes ubicados en las diferentes plantas, se pueden ver, probar y comprar las nuevas tendencias en diseño.

 

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Estos arquitectos suizos cuentan entre sus creaciones con proyectos tan dispares y espectaculares como la Tate Modern, Caixaforum en Madrid, el Bird's Nest de Beijing o el edificio Prada en Tokyo. El nido de Beijing es el que produce más impacto debido también a las dimensiones descomunales de su ubicación.



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La gasolinera prefabricada de Jean Prouvé se construyó en 1953 y aúna todas esas cualidades tan apreciadas en el trabajo de Prouvé como son la funcionalidad, elección de materiales y economía. Estos requisitos eran su objetivo principal debido al fin para el cual estaban destinados gran parte de sus trabajos en una época muy complicada de postguerra.


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Domo, la cúpula geodésica de Richard Buckminster Fuller, por la que se hizo famoso, es otra de esas joyas que puedes encontrar en el Campus. Se utiliza para exhibiciones. Fuller fue otro arquitecto que buscó la máxima funcionalidad unido al ahorro económico tanto en lo material como en lo energético.

 

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La sencillez minimalista de la estación de autobuses realizada por Jasper Morrison, la estación de bomberos de Zaha Hadid, o los edificios de Frank Gehry, arquetipo del deconstructivismo, hacen de este sitio una visita imprescindible para los amantes del arte en general.

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  Bernardi Roig Estudio 

 

Entrar en el Atalier de el artista mallorquín Bernardí Roig es enfrentarse a unas  perturbadoras esculturas en blanco impoluto, a través de las cuales el autor quiere conducirnos a una catarsis como la que provocaban las tragedias griegas en los espectadores.

Sus esculturas solitarias e iluminadas hablan de él, de emociones. Expresan sus miedos y obsesiones y giran en torno a la mirada, a como el observador es afectado por la obra, cómo interioriza lo que ve con la carga empírica que lleva e interpreta subjetivamente el lenguaje del artista, creciendo ésta con las miles de miradas que recibe.

 

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Para Bernardí Roig, la iluminación de los fluorescentes es un guiño al minimalismo de los años 60 de reducir todo a lo esencial, también una manera de incidir en el dolor representado, de acentuarlo con estas luces de neón. Todas sus figuras de ojos que no quieren ver la luz es análoga a la alegoría de la Caverna de Platón, donde llevados por nuestros sentidos engañosos solo vemos sombras, no alcanzamos la verdad y solo el filósofo es capaz, a través de la razón, de llegar al conocimiento, al mundo inteligible. Su obra esta cargada de mitos, metáforas, de mucha profundidad y conocimiento del ser.

 

 
 
  Bernardi Roig 1 

 

 

Su estudio dice mucho de él, con un orden sorprendente uno se ve rodeado de blancas paredes que no nos distraen, como el cubo blanco expositivo, de sus obras esparcidas por el estudio.

Es un artista contemporáneo figurativo con mucha carga conceptual. Explora el ser humano a través de la escultura, video, dibujo o fotografía. Resultan excepcionales sus dibujos, unos más difusos que otros y con una fuerza y profundidad que no dejan indiferente. Distribuidos  por suelo y paredes, se convierte en su técnica favorita para plasmar con inmediatez su pensamiento.

 

 

 Bernardi Roig  Lisboa 

 

 

Destacable también, un muro revestido de fotografías, recortes y recuerdos que había visto con anterioridad, en la grandiosa exposición del Museo Lázaro Galdiano de Madrid. "Bernardí Roig, El coleccionista de obsesiones" era el título de la muestra que le retrata a la perfección. Él lo describió como un monólogo íntimo.

 

 

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De despedida descubrí en un altillo el buen gusto por el diseño de Bernardí Roig, pudiéndome recostar en la famosa Lounge Chair de Charles y Ray Eames bajo la lámpara de pared orientable Potence de Jean Prouvé. 

  

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Donald Judd Foundation

                                                  Judd Foundation. Photo Paul Katz/ © Paul Katz/Courtesy; Judd Foundation Archive

 

Hace años quise visitar en Nueva York la Donald Judd Foundation, la que fuera casa y estudio desde 1968 del máximo representante del minimalismo. Aquella vez no pudo ser ya que transcurrieron tres años hasta que finalizó la restauración.

 


Donald Judd Foundation 1 0

 

En la calle 101 Spring street, en pleno Soho, se levanta un maravilloso edificio de hierro fundido del s XIX. Se divide en cinco plantas tipo loft donde se distribuía la casa-estudio de Judd. "Una planta, una actividad" como decía en sus textos sobre el edificio. Y así lo distribuyó. En la planta de arriba se encontraba su dormitorio, con obras de amigos como Dan Flavin, quien instaló una espectacular escultura de fluorescentes imitando un muro de ventanas, o una escultura de metal prensado de chatarra de Chamberlain colgando de la pared. En la cuarta plantaestán el salón de entretenimiento y el comedor. La tercera está dedicada a su estudio de trabajo y exposición, en el cual destacaba un Fank Stella de grandes dimensiones y muebles de diseño.

 

  Donald Judd Foundation    Donald Judd Furnace   

La segunda planta es un espacio reservado a la cocina y closet para los niños con un teatro para entretener a las visitas. La entrada sirve también de exposición,  allí destacaba una escultura de Carl André y obras del propio Judd.

Su filosofía de la instalación permanente es que el lugar de trabajo del artista es crucial para entender su propia obra. Por ello, pidió a sus hijos, Flavin y Rainer, copresidentes de la Fundación que mantuvieran exactamente la casa como él la dejó. En ella, además de sus propias obras, también destacan las de Larry Bell, ClaesOldenburg, un fresco de David Novros o muebles diseñados por Alvar Aalto.

 Donald Judd Foundation 3    Donald Judd Room 

 


Otra de sus famosas instalaciones permanentes es la que se encuentra en Marfa, Texas donde se fue a vivir en 1971. Allí, en medio del campo, pudo llevar a cabo sus principios sobre la instalación permanente y, además, acometerlos a gran escala colocando en el paisaje desértico quince cajas vacías gigantes. También se puede encontrar la Chinati Foundation creada por él y que cuenta también con obras de amigos como John Chamberlain, Dan Flavin, Claes Oldenburg o Roni Horn que siguen sus principios estéticos y de permanencia.

 Donald Judd cubos 

 

Donald Judd, un artista que aunque no participaba de su encasillamiento como minimalista, siempre buscaba la simplicidad de la forma y la relación de los objetos en el espacio. Lo que parece evidente es que cuanto más simple es la obra, más complejo es su significado.

Básicamente se centró en la escultura. Para Donald Judd"el espacio real es intrínsecamente más poderoso y específico que la pintura en una superficie plana. Lo tridimensional puede adoptar cualquier forma regular o irregular, y puede establecer todo tipo de relación con el entorno o no establecer ninguna en absoluto"

La Donald Judd Foundation es un edificio amplio, de grandes ventanales que lo impregnan todo de luz y donde el suelo y las escaleras de madera antiguas le dan un toque muy decadente. La arquitectura del edificio, las esculturas, sus pinturas y diseño se unen en el espacio creando un ambiente muy especial que nos transporta a una época pasada. Es un lugar que hay que visitar más de una vez para impregnarse de todo lo que el artista quería transmitirnos.

 

 

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 Foto: Alejandra de Argos

 

"Aventura de una noche" fue el nombre del evento explosivo creado por Cai Guo-Quiang, uno de los artistas chinos más célebres del mundo. Consistió en un acto conceptual pirotécnico que estalló en las aguas del Sena con motivo de la "Nuit Banche" parisina. Sexo y explosivos se fusionaron en la ciudad del Amor a lo largo de una noche mágica. 


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Desde hace doce años y, en el primer fin de semana de Octubre, París alberga "La Nuit Blanche", un importante evento de arte contemporáneoLa noche empezó a bordo de un  bateau-mouche en el que el artista trató de explicar la experiencia que ibamos a vivir, un ejemplo de arte efímero que se dividiría en tres fases. El escenario elegido eran las orillas del Sena, entre el museo D'Orsay y el Louvre, para percibir una experiencia romántica, elogio a Eros, en la capital del amor. Allí se congregaron miles de personas que se iban situando a lo largo del Sena.

 

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Una vez que supimos cómo se iba a desarrollar el evento, emprendimos la marcha a lo largo del Sena. La guía fue Lulú, que portaba un farolillo rojo. El punto donde se iba a llevar a cabo el espectáculo se podría observar desde unas gradas instaladas para la ocasión. La exhibición se hizo esperar media hora hasta que llegó el alcalde de París Bertrand Delanoë, financiador del evento. Entonces empezó la primera escena, con una duración de doce minutos, medida que se estima que tienen los franceses al hacer el amor. La música estuvo a cargo de Tan Dun, compositor y director conceptual chino, de su creación The Pink, música ritual en sonido y danza. Fue grandiosa la simbiosis de la música con una espectacular explosión de fuegos pirotécnicos que expresaban el proceso de hacer el amor y su metafórica erupción.

 




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A French Love Encounter in Cai Guo-Qiang’s One Night Stand: Explosion Event for Nuit Blanche, realized on October 5 on the Seine River, Paris, France, 2013. Photo by Thierry Nava, courtesy Cai Studio.


 

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La segunda escena fue el momento de los amantes, donde dos bateau-mouche, con cincuenta carpas rojas, acogían a cien personas de todas partes del mundo en un acto multicultural. Cada tienda contenía una pareja haciendo el amor. Si querían compartirlo con el espectador tenían que encender la luz y entonces podrían ser observadas las sombras desde el exterior o la tendrían apagada. Todas fueron encendidas.

 

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Lovers’ Time in Cai Guo-Qiang’s One Night Stand: Explosion Event for Nuit Blanche, realized on October 5 on the Seine River, Paris, France, 2013. Photo by Lin Yi, courtesy Cai Studio.

 
 

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Lovers’ Time in Cai Guo-Qiang’s One Night Stand: Explosion Event for Nuit Blanche, realized on October 5 on the Seine River, Paris, France, 2013. Photo by Lin Yi, courtesy Cai Studio.

 

   

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  Foto: Alejandra de Argos

A los barcos les rodeaban unas pequeñas lanchas dirigidas por unos hombres enfundados en unos trajes de luces blancas. Ellos eran los encargados de lanzar los fuegos artificiales durante quince segundos, cada vez que una pareja se daba placer. Momento en el que se  provocaba una reacción emocional entre las parejas y la audiencia.

 

 

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Y finalmente, pudimos disfrutar de la última explosión de unos elegantísimos y excepcionales fuegos artificiales para despedir la noche. El estado de emoción colectiva tras esta experiencia tan intensa, era enormemente palpable en el ambiente que se respiraba en las orillas del Sena. Este rio fue el otro gran protagonista de la noche, testigo de la Historia de Francia y compañero, en ambos lados del cauce, del Palacio del Louvre y el Museo D'Orsay. 

 

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Lovers’ Time in Cai Guo-Qiang’s One Night Stand: Explosion Event for Nuit Blanche, realized on October 5 on the Seine River, Paris, France, 2013. Photo by Lin Yi, courtesy Cai Studio.

 

 Recomendaciones:

 

En las mismas fechas tuvo lugar la ''Blanch Nuit'' en Toronto. Ai Weiwei, uno de los artistas chinos conceptuales más importante de nuestros tiempos, fue el encargado de crear una Colosal instalación que vale la pena ver.

http://www.thisiscolossal.com/2013/10/forever-bicycles-ai-weiwei-toronto/

 

 

 

 

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