Alejandra de Argos por Elena Cue

 Autor: Elena Cué

 

Alain Dominique Perrin Cartier   

 

La Fundación Cartier para el arte contemporáneo celebra este año su 30 aniversario. Este centro de arte es un proyecto de mecenazgo pionero en Francia, gracias al entusiasmo y esfuerzo de su presidente y fundador, Alain Dominique Perrin.

La característica fundamental de la Fundación es haber conseguido abarcar todos los ámbitos creativos de nuestro tiempo, desde la fotografía, video arte, diseño, moda, pintura y escultura, música, arte popular, cine, cómic e incluso ciencias. Todo ello con una especial relación con todos los artistas que ya forman parte de esta gran familia. Se les ha apoyado, se les ha dado libertad para la realización de sus obras y exposiciones y su trabajo ha ido conformando poco a poco la colección de la Fundación. Ha comisionado más de 1200 piezas y organizado más de 150 exposiciones desde su creación.

 

Alain Dominique Perrin.

El protagonista de esta historia que comienza en 1984 en Jouy-en-Josas es Alain Dominique Perrin, CEO de Must Cartier desde 1976 hasta su fusión con Cartier Jewellers, cuando pasó a ser presidente de Cartier Internacional en 1981. En 1999 preside el grupo Richemont, el segundo grupo más grande de marcas de lujo, incluido Cartier. La Fundación se mudaría 10 años después al boulevard Raspail.

 

 Alain Dominique Perrin Cartier Foundation 

 

Todo surgió por la iniciativa de Alan Perrin de promover el arte contemporáneo, apoyar a los artistas y exhibir sus obras. En una época en que el mecenazgo empresarial no existía impulsó, con la ayuda del ministro de Cultura François Léotard que en 1987 se promulgara el nacimiento de la ley de mecenazgo en Francia. Así es como Cartier se convirtió en la primera empresa privada en Francia con este propósito.

Su especial amistad con el escultor francés César le llevó a crear la sede de la Fundación Cartier por el arte contemporáneo en el magnífico castillo de Montcel en Jouy-en-Josas, al oeste de París. Un lugar muy adecuado para grandes instalaciones y además se ponía a disposición de los artistas una residencia para que pudieran vivir y trabajar. El principal objetivo era promocionar a artistas reconocidos internacionalmente y contribuir a mostrar facetas desconocidas de ellos para el gran público y apoyar el trabajo de artistas jóvenes prometedores a través de exposiciones y encargos, que posteriormente muchas de sus obras, pasarían a formar parte de la colección de la Fundación. Diez años después se trasladó a la ciudad de París.

 

Aniversario de la Fundación Cartier para el arte contemporáneo.

El día 8 de Mayo, en el número 261 del boulevard Raspail, edificio de vidrio diseñado por el arquitecto Jean Nouvel, se celebró el 30 Aniversario del compromiso adquirido por la casa francesa con el arte, con la exposición Vivid Memories. La mayoria de los artistas acudieron a la celebración  en un ambiente muy afable donde se podía ver una representación de las obras de estos artistas. Su presidente dio un gran discurso con mucho sentido del humor en presencia del Primer Ministro francés, Manuel Valls y el Ministro de cultura Jack Lang.

Mi admiración por el botánico Patrick Blanc y sus jardines verticales es compartida con Jean Nouvel quien me habló de su especial relación y colaboración con él. Su edificio liviano, con las paredes de vidrio transparentes hacen de este edificio algo vivo donde la ilusión hace que lo de dentro se integre con lo de fuera y viveversa. Las plantas tropicales de los jardines de Blanc no hacen sino potenciar ese efecto.

El espacio se convirtió en una multiplicidad cultural con gran diversidad de registros,  eclecticismo, marca de la Fundación. El avión Kelvin 40 del diseñador australiano Marc Newson captaba toda la atención con una presencia poderosa, perdiendo todo utilitarismo y desechando todas las reglas del diseño. Este avión de 8 metros, dotado de una alta tecnología industrial es el resultado de hasta que punto la Fundación apoya la realización de los proyectos de sus artistas.  La instalación In Ei del diseñador de ropa japonés, Issey Miyake, sorprendió y gustó. Con material reciclado y sus característicos pliegues creó para la ocasión estas delicadas lámparas que daban un toque oriental. 

 

  Alain Dominique Perrin 2     Alain Perrin - Cartier Foundation 

 

Cabe destacar la obra del artista de origen chino, Cai Guo-Qiang (sexo+explosivos=arte en Paris) que tuvo gran presencia en la planta baja con sus famosas pinturas realizadas con explosivos. Su trabajo se inspira en la medicina china, la filosofía milenaria y la tradición religiosa. Cai fue uno de los artistas que estuvo residiendo en Jouy-en-Josas en 1993. Mundialmente conocido por sus performance explosivas y la utilización de este material tanto en lienzo como en papel, sorprendía con una serie de cuadros realizados en su estancia en Francia con una técnica muy alejada de la actual.

 

Cai Alain Dominique Perrin

 

 Dominique Perrin composition                   Alain Perrin cuadros 

 

Las esculturas hiperrealistas de Ron Mueck han batido records de visitas en las dos muestras que se han presentado en la Fundación. Estos personajes hablan de nosotros, de nuestros sentimientos, reflejan el ciclo vital sin pudor, transmiten fragilidad, preocupación, miedo, tristeza, son como pequeñas historias que establecen una intensa conexión con el espectador que se imbuye en sus propios sentimientos. La pieza In Bed expuesta en el sótano es otra de la obras que conforman la colección. La obra y la vida crean vivencias de un presente continuo.

 

Ron Mueck Lady Cartier Foundation

También se podían contemplar obras de las artistas brasileñas Beatriz Milhazes o Adriana Varejão, del conocido director de cine americano David Lynch, abierto a cualquier tipo de enfoque artístico creativo. La proyección del mundo fantasmagórico de Mathew Barney con su video Cremaster 4 desconcertó y desagradó pero no dejó indiferente a nadie. Kinshasa: Proyect for the third Millenium del artista Bodys Isek Kingelez es, entre otras, una de las piezas de la colección que se podrán ver en La Fundación Cartier para el arte contemporáneo a lo largo de este año de celebración.

 

 Lynch Alain Perrin  

 

 Vivid Memories: Cartier Foundation 

La exposición Vivid Memories permanecerá abierta durante cinco meses en continua transformación, presentando las obras más emblemáticas de la colección a lo largo de estos 30 años. Irá acompañada de conciertos y eventos. Sin duda una visita imprescindible si se viaja a la ciudad de París.

 

  

 

- Fundación Cartier. Alain Dominique Perrin. París -                - Página Principal -

Autor Colaborador: Marina Valcárcel
Licenciada en historia del Arte
 Marina

 

 

 

 

  la foto 1 

¿Y si acerco la silla vacía de la mesa de al lado? Sí, así. Las piernas en alto y los pies cómodos, libres. Un pie saca al otro del encierro de su sandalia que cae libremente sobre un adoquín, un sampietrini. La falda resbala a un lado y el sol entra por mis piernas. Cierro los ojos, detrás de mis gafas de sol. Dejo caer mi cuello hacia atrás, respiro. Largo. Estoy aquí, en Roma, sola, todavía con cinco días por delante... Me da igual que esa bocanada de aire, que aspiro sin poner límites, no resulte muy limpia. Llega con restos de humedad putrefacta de las orillas de Tíber y, también, con olor a tubo de escape de algún motorino en manos de un trasteverino de piel morena y ojos rasgados. Pero el aire llega al fondo. Muy al fondo de mis pulmones que se abren y se expanden en una sensación de felicidad sostenida, casi total, efimerísima y, por tanto, convertida en un tesoro.

Abro los ojos, remango aún más mi falda en un gesto de reto y descaro total. De dominio.

Todo empezó aquí. ¡Y he vuelto! A esta mesa de la esquina, con mi novela bajo el brazo. Al caffe en el que decidí intentar dedicar mi vida a la escritura. Después, todo ha sido algo distinto, como un matrimonio secreto de bastantes años. Escribo en las mañanas, robando el tiempo a mi otra vida, cuando nadie me ve, en silencio, generalmente encerrada, contra una ventana. Es como la pequeña pila de libros junto a mi mesa de escribir. Pasa desapercibida para todos, salvo para mi. Es mi ilusión. Y ahora he vuelto a Roma, sola, en un claro homenaje a mi misma.

 

Aplasto mi pequeño tenedor contra la tarta, entra suave, rompiendo las manzanas caramelizadas y descuartiza en mil pedazos su base descomponiendo todo el orden del plato y pulverizando de proyectiles tostados la blancura de la pequeña montaña de nata espesa. Lleno mi boca de un sabor dulce y ácido que me entusiasma; tiene un resto de canela. Vuelvo a respirar, pienso de nuevo en los sabores, miro a mi alrededor: esta extraña belleza de una esquina romana. La analizo. Las paredes que me rodean color Siena, desconchadas y engullidas por una hiedra diminuta que se ha hecho fuerte e independiente de su pared y ha emprendido su conquista sobre las lonas de las sombrillas que protegen las mesas del caffe formando enormes paraguas vegetales. Nada es categóricamente bonito aquí. Me reafirmo, o me pregunto, mientras sigo desentrañando los secretos de su gancho: los Fiat aparcados en batería en la acera de enfrente, los jóvenes romanos que se apoyan relajadamente contra ellos de conversación, con sus camisas blancas al aire, libres del orden de un cinturón. La Vespa azul que pasa y el gato espabilado, y más urbano que la moto, que salta casi bajo su rueda. Todo tiene una gracia distinta y espontánea. La música del dialecto romanaccio tan cantarín, tan alegre; el puesto de tomates, calabacines, girasoles y botes de agua mineral partidos por la mitad y transformados en jarrones de mazos de albahaca; todo tan apretado, su olor, su color.

Y un poco más adelante sereno e impertérrito, el atrio barroco y blanquísimo de Santa María della Pace, así, dejado a la improvisación de un escenario cualquiera y cotidiano.
Trago, acompaño mi trozo de tarta y mi divagación sensorial con un nuevo y amplio sorbo de capuccino, vuelvo a notar la canela y la espuma que disfraza mis labios. Sigo observando. Ahora toca la señora elegante que se ha sentado en la mesita de al lado, dentro de poco empezaré a inventar una vida entorno a ella. Miro mi ejemplar de "Helena", de Evelyn Waugh, dado la vuelta sobre la mesa y, mi lápiz. Tengo toda la tarde por delante. Para mi. Vuelvo a dejar que el capuccino resbale por mi garganta. Lo hace despacio y a pequeños empujones. Como las hojas de los plátanos que navegan por el cauce del Tíber. Entre los puentes. 

 

 la foto 3 

 

 

Museo Chillida Leku

Un día soleado acompañó la visita a los magníficos jardínes de la finca Zabalaga, donde se dispersa el legado artístico de uno de los escultores más prominentes del s XX, Eduardo Chillida (1924-2002). El Museo Leku (Donosti, Gipuzkoa) fue un proyecto que llevó a cabo el propio artista para albergar el grueso de su obra. Se compone de esculturas de pequeña y gran escala, dibujos, obra gráfica y sus famosas Gravitaciones, también consideradas como relieves en papel. Los archivos se encuentran en el viejo caserón del s XVI, que fue restaurado con gran ilusión por Eduardo y su mujer Pilar Belzunce, para que sus esculturas contemporáneas, entablaran un dialogo entre el ayer y el hoy.

"Un dia soñé una utopía: encontrar un espacio donde pudieran descansar mis esculturas y la gente caminara entre ellas como por un bosque" 

 Museo Chillida leku 1             Museo Chillida leku 2 

Luis Chillida, hijo de Eduardo Chillida es el encargado del area de marketing y comunicación. Con él pude recorrer los jardines y zonas más boscosas, impregnadas de esculturas del artista vasco. Me comentó el esfuerzo que conlleva mantener este gran proyecto, labor que realizan entre toda la familia, y que por lo que pude observar, llevan de una manera muy profesional y responsable. Las trece hectáreas que conforman la finca estaban muy cuidadas, y era una maravilla ver una obra de arte tras otra a cada cual más importante.

 Museo Chillida leku 3             Museo Chillida leku 4 

Chillida tiene un lenguaje muy personal que ha dejado plasmado en escritos, gracias a los cuales podemos adentrarnos mejor en sus pensamientos y entender mejor su obra. Espacio, tiempo, límites, escala, vacío, materia y horizonte, son conceptos que estan muy presentes en su lenguaje y que confoman la estructura de su trabajo. La luz, es otro elemento importantísimo, que se da especialmente en los alabastros, unido al concepto de límite. Chillida juega tanto con el espacio como con el vacío, para él, ambos son materiales necesarios para construir la escultura.

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La filosofía de Chillida es pura metafísica del espacio, lo que le unió intelectualmente a Martin Heidegger.  El pensamiento del filósofo contenido en "El arte y el espacio" (1968) es tan acorde al concepto de Chillida sobre el espacio, que pide que sea el artista el que se lo ilustre. Para el filósofo las esculturas hacen el lugar, lo determinan, sin ellas el lugar no existe, de ellas procede el lugar. Pude sentir como toda esta filosofía se materializaba aquí mientras paseabamos por la naturaleza.

Museo Chillida leku 7

"Yo soy de los que piensan, y para mí es muy importante, que los hombres somos de algún sitio. Lo ideal es que seamos de un lugar, que tengamos las raíces en un lugar, pero que nuestros brazos lleguen a todo el mundo, que nos valgan las ideas de cualquier cultura. Todos los lugares son perfectos para el que está adecuado a ellos y yo aquí en mi País Vasco me siento en mi sitio, como un árbol que está adecuado a su territorio, en su terreno pero con los brazos abiertos a todo el mundo. Yo estoy tratando de hacer la obra de un hombre, la mía porque yo soy yo, y como soy de aquí, esa obra tendrá unos tintes particulares, una luz negra, que es la nuestra." Eduardo Chillida.

 
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Después de esta visita es muy recomendable acercarse a la playa de Ondarreta para ver el Peine del viento. Chillida ha creado un espacio nuevo en este maravilloso lugar, donde hay que dejarse llevar por la contemplación del cielo, mar y tierra con una arquitectura que peina el viento.

  Museo Chillida Leku Peine del viento

Viajar a  San Sebastián, Donosti es una buena excusa para realizar un tour gastronómico. Sin lugar a dudas, éste puede ser uno de los recorridos más importantes en cuanto a calidad que se puede hacer sin moverse de la misma región, Guipúzcoa. El número de estrellas de la guía Michelin por habitante es la mayor del mundo.
 

Un tour gastronómico recomendable serían los restaurantes;

Rekondo

Zuberoa (1 estrella Michelin)

El Asador Etxebarri (1 estrella Michelin)

Arzak (3 etrellas Michelin)

Martin Berasategui (3 estrellas Michelin).

Destacable sería el Asador Etxebarri, donde Bittor Arginzoniz cocina todo a la brasa, ya sea pescado, marisco, verduras o carne. Sorprende la gran calidad del producto, impregnado con un sabor y olor a humo y a brasa que lo hacen muy sabroso y especial.

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Y Martin Berasategui con una carta muy imaginativa y ligera, cada plato era una nueva experiencia culinaria excepcional.

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En Rekondo se puede degustar la típica comida vasca casera con una excelente bodega considerada una de las mejores del mundo.

El restaurante Zuberoa, ubicado en un caserío vasco del siglo XV, cuenta con el gran cocinero Hilario Arbelaitz y una carta degustación que tiene bien merecida su estrella Michelin.

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Para terminar, la experiencia de Arzak es un continuo ir y venir de platos escultóricos de gran imaginación. Una cocina de vanguardia en continua evolución, nada que ver con  años atras.

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"Hay que buscar caminos que no hayan sido transitados antes" Eduardo Chillida. Ellos ya lo han hecho...

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El Garage Center for Contemporary Culture, es un centro no lucrativo inaugurado por la coleccionista Dasha Zhukova en el año 2008 y localizado en una antigua estación de autobuses.

Desde el pasado 1 de Mayo han cambiado su nombre y ubicación a The Garage Museum of Contemporary Art en el Gorky Park, con el objetivo de convertirse en una referencia en el mundo del arte contemporáneo. "Do it Moscow" es la primera exposición que se presenta en el Garage después de su traslado.

Para esta muestra, el museo se transforma en un espacio interactivo donde los artistas aportan el concepto y las instrucciones para llevarlo a cabo. Se ha contado con cientos de personas que viven y trabajan en la ciudad e interpretan las instrucciones que fueron creadas por 80 artistas de todas partes del mundo. Los visitantes también forman parte activa, tanto como espectadores como participantes. Y el personal de la exposición va explicando cada una de las instalaciones para que el observador se involucre en las que le interese. Resultó una experiencia muy enriquecedora y amena por la singularidad de cada una de ellas. Grupos de estudiantes llenaban el espacio.

 

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Esta iniciativa comenzó en Enero de 2014 y están involucradas, además de Garage, otras instituciones y museos de la ciudad de Moscú así como estudiantes y artistas creando nuevas propuestas. El público aporta las miles de interpretaciones con su participación en cada una de las actividades.

El primer contacto llega con una habitación caótica  donde camisetas, almohadas, ropa interior o botas acampaban esparcidas por el suelo como sí acabara de ocurrir algo dramático. Todo ello acorde a las instrucciones del artista John Chamberlain e interpretado por Lawrence Weiner. El público, por nuestra parte, éramos invitados a cambiar el curso del evento variando la composición. 

Otra de las instalaciones eran unas estructuras  tejidas en punto de colores en respuesta a la proposición de la arquitecta Sejima Kazuyo de construir arquitectura para los perros. Mientras, un alumno del Moscú Art Lyceum tomaba fotos siguiendo las instrucciones de Christian Boltanski. La monitora insistía en que los perros debían llevar bozal.

 

 perros 

 

El artista chino Cao Fei había dispuesto un púlpito donde los participantes asumíamos el supuesto rol de presidentes recien elegidos para asumir el gobierno de nuestra nación. Desde ahí, pudimos dar un speech presidencial de 20 minutos, grabándose nuestro discurso.

Erwin Wurms por su parte, nos invita con sus instrucciones a introducir nuestras piernas en las mangas de un jersey y permanecer como esculturas en esta posición durante 20 segundos.

 

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Otra sorprendente proposición consistía en un cartel que decía " alquila" y por 20$ te podías llevar a casa por un día un cuadro del controvertido artista guatemalteco, Aníbal López. El dinero recaudado, dice Lopez, ayudará a otros artistas a crear un nuevo trabajo.

 

 Alquiler 

 

Las proposiciones eran muy variadas; una pared de Carlos Cruz Diez, una esquina con las montañas de caramelos del artista Félix Gónzalez-Torres, estanterías con las portadas dibujadas por niños de los libros que les gustaría leer, cuadros pintados por estudiantes del British School of Desing of Moscow, garabatos.... Todo ello conforma esta exposición, reafirmando la dedicación de la institución por involucrar al creador con la audiencia. El artista y arquitecto de origen griego Andreas Angelidakis es el encargado de crear este ambiente único. Por su parte, las obras e instalaciones serán destruidas al finalizar esta efímera exposición.

 

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Carlos Cruz-Diez (Caracas, 1923) es uno de los grandes representantes del arte cinético, arte en movimiento. Llegó a París un 12 de Octubre de hace 54 años para quedarse y hacer su propia conquista de la rue Pierre Sémard donde ha ido poco a poco expandiéndose con nuevos espacios.

 

 

  taller        

 

Su estudio se reparte en diferentes propiedades en la misma calle de Paris. Resulta muy curioso que uno de los talleres mantenga su fachada original que antes era una antigua carnicería. Todas ellas tienen un cometido distinto: centro de documentación ( el resto de la documentación se halla en su estudio en Panama); sala de reuniones, espacio de restauración con todos los archivos de sus obras. También es muy interesante su taller de experimentación o la sala de trabajo con todo tipo de materiales que parece más un taller de herramientas que el estudio de un pintor.  Esta variedad contribuyó a hacer la visita de lo más didáctica y entretenida. 

 

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Esta gran empresa está perfectamente estructurada gracias a la colaboración de toda su familia. Se han involucrado en la conservación y organización de un legado riquísimo que nos dejará uno de los grandes científicos del color.

En esta foto posando delante de un cuadro de su ultima época que me encantó, el artista de 90 años desplegó toda su energía y encanto.

 

 

  

 

 

El Atelier es comenzar un viaje en el tiempo por la trayectoria de este grandísimo artista del color y el movimiento. Es muy interesante como las investigaciones de Cruz-Diez han evolucionado desde sus inicios, donde utilizaba cartón y madera para la realización de sus obras y como terminó en tecnología numérica y aluminio. Su desarrollo en el uso de materiales es el fruto de una profunda investigación y adaptación para poder transmitir de la mejor manera posible, las ideas de su creador. Toda su filosofía trata sobre la percepción del color y las emociones que  provoca en el que observa la obra. Quiere que entendamos el color como una identidad autónoma.

 

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Pero lo fundamental en las obras no son los materiales en sí o la técnica, es la reflexión que conlleva. Lo importante es lo que Cruz-Diez quiere transmitir: el cuadro es un mero instrumento. La pátina, el gesto, el estilo no es la característica de su arte, ésto no es lo importante, él es como el arquitecto que crea los planos para que otros lleven a cabo sus reflexiones. Es algo más racional acercándose a lo conceptual.

 
 
 
 
 

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Carlos Cruz-Diez. Fisicromía 3. Caracas, Venezuela, 1959

 
 
 

Sus comienzos fueron figurativos pero enseguida lo abandonó para dar paso en los años 50 al arte geométrico. En esa época empezó pintando tiras de color, lo que era muy complicado y entremezclaba los colores. Después utilizó los cantos del cartón como líneas, las cuales pintaba en colores, también la madera y el plástico. Este último material debió abandonarlo cuando la OPEP declara la guerra del petróleo a los países de Occidente y el precio de los derivados se pone por las nubes. Eso hace que se vuelva a reinventar y que evolucione en técnicas que le irán además facilitando su trabajo, como fue el aluminio. Crea unos perfiles con este material que le permitirán jugar con el color. Desde los años 70 trabaja la fisicromía pintando encima del aluminio con serigrafía  pero esta técnica era muy tóxica y laboriosa y es abandonada en el 2000 por la tecnología numérica.

 

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Carlos Cruz-Diez. Physichromie 625. Paris, Francia 1973

 

Su hijo Carlos Cruz Delgado comentó que han recopilado en un libro muchas de sus fotos de juventud, del Nueva York de los años 40, de los barrios pobres de Venezuela, de sus paisajes... También aparecen fotos con otros compañeros de profesión como Calder, Soto o Tinguely. Se celebrarán exposiciones con ellas, la próxima en Nueva York. Después en Buenos Aires y París. Habrá que estar atentos!!

 
 
 

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Las intervenciones en el espacio urbano y la arquitectura han reportado otra manera de mirar un arte que dependiendo de la luz del día, la iluminación o nuestra posición al observar la obra nos da una u otra percepción del color contribuyendo a nuestro estado emocional. Son muy reconocidas sus obras en el mundo entero.

 
 
 
 
 
 
 

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Carlos Cruz-Diez. Homenaje a Don Andres Bello 1982. Caracas, Venezuela

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Carlos Cruz-Diez. Cromovela 2001, Santo Tirso, Portugal.

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Carlos Cruz-Diez. Parque Olímpico, 1988. Seúl, Corea del Sur.

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Carlos Cruz-Diez, Aeropuerto Internacional Simón Bolivar, 1974. Maiquetía, Venezuela

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Carlos Cruz-Diez, Intervención cromática en accesos al Miami Marlins Ballpark Stadium


Para saber más sobre sus investigaciones, la Fundación Carlos Cruz-Diez tiene una página web donde se despliega toda la obra de este genial artista.

 

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